Las obras en las galerías

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Porcelaine de Paris - Pareja de jarrones florales, Manufacture de Porcelaine de Paris Francia Alrededor de 1880 Porcelana Marca del diseñador AS en la base del jarrón Altura: 58 cm; Diámetro: 27 cm Preciosa pareja de búcaros de porcelana blanca ricamente decorados por los cuatro costados con bellas composiciones florales policromadas enmarcadas por asas de porcelana dorada de las que caen ramilletes de flores. Los cuellos y los pies de estos jarrones están decorados con coronas florales. La Manufactura de Porcelana de París París, capital del arte, la moda y el lujo, no podía dejar de producir porcelana de prestigio cuando se descubrió el caolín en el siglo XVIII, hacia 1765, en Saint-Yrieix-la-Perche, cerca de Limoges. La Porcelaine de Paris, más conocida como "Viejo París", es una porcelana de pasta dura, de color blanco puro, lechosa y muy brillante, decorada con pintura y muy a menudo con oro. En París había fábricas de porcelana de muy alto nivel, con marcas propias bien definidas. Sin embargo, los blancos cocidos en la región de Limoges se decoraban principalmente en las tiendas de atrás. Estos blancos sin marca suelen tener letras o números cubiertos de esmalte. No se trata de la marca de un decorador o de una fábrica. Es simplemente un signo que el obrero hacía, antes de la cocción, para reconocer su trabajo y hacer ajustar las piezas así producidas. Bibliografía - Faïence et Porcelaine de Paris XVIIIe-XIXe siècles, Régine de Plinval de Guillebon, Editions Faton, 1995 - La Porcelaine Française, Claude Dauguet y Dorothée Guilleme - Brulon, Editions Ch. Massin

12.500 EUR

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Ad Snijders - Ad Snijders (1929 - Países Bajos - 2010) ACANTILADOS BLANCOS ▫️ Óleo sobre cartón ▫️ 54 x 94 cm ▫️ Enmarcado: 66 x 97 cm ▫️ 1962, Países Bajos ▫️ Firmado abajo a la derecha ▫️ Colección privada, Países Bajos ▫️ Excelente estado _______________________ SOBRE EL ARTISTA Adrianus Cornelis Snijders vivió y trabajó principalmente en Eindhoven y París. Desde muy joven realizó dibujos. Más tarde, en 1947, se convirtió en miembro de un grupo de artistas llamado "Art Society De Kempen". - Inspiraciones extranjeras En 1949 trabaja unos años en París. Ese mismo año, su primera exposición tuvo lugar en el Museo Van Abbe y en una galería de arte de Eindhoven. En 1955, Ad Snijders pintó sus primeros óleos. Sus cuadros tuvieron un éxito inmediato. Se organizan exposiciones y en 1959 conoce a su primer coleccionista. A partir de 1960, también se le conoce en Italia y París. En 1962 recibe una beca del gobierno francés. Esto le dio la oportunidad de experimentar cada vez más con su talento, lo que marcó el periodo expresionista abstracto de 1960 a 1965. De 1964 a 1984, Snijders utilizó técnicas en las que combinaba fotografías, texto, pintura al óleo y acuarela. Para él, ésta era una nueva forma de expresarse y de introducir elementos más figurativos en su obra. Más tarde se pasó al dibujo a lápiz y al óleo. De 1985 a 1990, se concentró en esta técnica. El propio Ad Snijders ve su carrera como una expedición exploratoria. - Pinturas al óleo En la siguiente fase de su carrera, el pintor optó incondicionalmente por la pintura al óleo. Sus pinturas recientes están vinculadas a sus primeras obras del mismo modo que sus dibujos a lápiz de color. Aunque se trata de la misma mano, sus cuadros actuales muestran un mayor desenfado que las obras de los años cincuenta. Pero el origen de estos cuadros no es más que un aparente desenfado. Se trata siempre de una lucha sin fin en la que nada es evidente y cada cuadro es una conquista ganada a pulso. - Exposiciones La obra de Ad Snijders se ha expuesto internacionalmente y puede verse en museos de toda Holanda. Sus obras son coleccionadas por coleccionistas de arte internacionales. - Literatura Pintores holandeses 1750 - 1950 Por Pieter A. Scheen Ad Snijders Por Tjeu - Museos Van Abbemuseum, Eindhoven, Países Bajos

6.500 EUR

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Henri-Auguste Fourdinois - Excepcional gabinete neorrenacentista atribuido a H.-A. Fourdinois Francia 1893 Altura: 240 cm; Anchura: 124 cm; Profundidad: 56 cm Mueble de nogal tallado en estilo renacentista. La parte superior del frontón está decorada con urnas y dos putti que enmarcan una cartela fechada en "1893". En la parte superior, el mueble se abre a dos puertas ricamente decoradas con motivos arquitectónicos como pilastras, entablamentos y hornacinas en las que aparece una pareja en traje renacentista. En la parte inferior, dos cajones rematan la consola con dos hermosas cariátides como patas delanteras. El conjunto descansa sobre cuatro patas estriadas. Biografía: La Casa Fourdinois fue fundada en 1835 por Alexandre-Georges Fourdinois (1799-1871). La Exposición Universal de Londres de 1851 fue sin duda su primer gran éxito artístico y público. La obtención de la Gran Medalla por un aparador neorrenacentista desató la competencia entre los demás ebanistas, ya que la prensa saludó unánimemente su éxito. Su hijo Henri-Auguste (1830-1907), que se había formado en dibujo con el arquitecto Duban y el platero Morel en Londres, antes de trabajar con el broncista Paillard, se asoció con él en 1860. Su habilidad como dibujante se hizo notar en la Exposición Universal de Londres de 1862, donde el jurado le concedió dos medallas a la "Excelencia en la composición y la ejecución". Fourdinois diversificó sus actividades, añadiendo la tapicería a la ebanistería y la carpintería, creando "muebles completos y ricos". Henri-Auguste se encontró solo al frente de la empresa, que llevó a su más alto nivel en las Exposiciones Universales de 1867, ganando el Gran Premio (clases 14 y 15) y la Exposición de París de 1878. Además de los encargos para el Mobilier de la Couronne, también produjo muebles de gran calidad para la alta burguesía parisina. El periodo que va de 1862 a 1880 marca el apogeo de la empresa Fourdinois, que sigue siendo para muchos ebanistas, ya sean franceses, ingleses o americanos, el ejemplo a seguir, o incluso a destronar.

13.500 EUR

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Nebay - Sin título (Siège A Kiko), 2022, técnica mixta sobre asiento circular A Kiko del metro de París, 68 x 68 x 22 cm Mobiliario urbano personalizado y objetos de transporte público grafiteados y reinterpretados han invadido el espacio del sótano de la galería Wallworks para la insólita exposición "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". El acceso se realiza a través de una escalera cubierta de etiquetas y grafitis. Los artistas se han apoderado de todo tipo de elementos urbanos y de transporte público, como cabinas telefónicas, semáforos, farolas, señales de tráfico esmaltadas, cortinas de hierro, buzones, señales de metro de París, Moscú y Nueva York, cabezas de vaca de paradas de autobús, postes de señalización de carreteras y ferrocarriles, lavabos de la SNCF, asientos de la RATP y otras piezas de automóvil, por citar sólo algunas. Siete de las piezas presentadas en la inauguración -entre ellas la emblemática M amarilla de plástico, placas esmaltadas y una puerta de metro- están destinadas a ser customizadas por nuevos artistas y finalizadas en futuras performances artísticas. 36 artistas estadounidenses, europeos, sudasiáticos y rusos, procedentes de los movimientos del graffiti y el arte urbano, dan nueva vida a todos estos objetos cotidianos en un gran bazar de graffiti lleno de color. Esta nueva exposición colectiva sigue los pasos de las anteriores exposiciones colectivas de Claude Kunetz en las que participaron unos cincuenta artistas callejeros: "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) y "Dehors Dedans" (2016). Adaptando los conocimientos de su profesión original de productor cinematográfico al montaje de exposiciones, busca mobiliario urbano de época y lo cede a artistas para que lo personalicen. Recientemente adquiridos en la subasta de la RATP a favor del Recueil Social, las emblemáticas placas de metro de plástico amarillo M -iluminadas con luces de neón- y hierro esmaltado, así como los asientos circulares "A Kiko" -diseñados inicialmente, según sus diseñadores y creadores, para ser "resistentes a quemaduras, arañazos, grafitis (sic) y esfuerzos mecánicos"- se presentan tal cual en la inauguración. A continuación serán confiados a nuevos artistas que los personalizarán, dándoles los toques finales durante las representaciones artísticas que se celebrarán a lo largo de la exposición. Junto a algunas piezas más antiguas de exposiciones anteriores, dos grandes placas esmaltadas con los nombres de las estaciones de Trocadéro y Estrasburgo Saint-Denis, de COLORZ y PSYCKOZE respectivamente, completan esta colección de elementos de transporte público y mobiliario urbano, todos ellos reinterpretados libre y artísticamente.

1.900 EUR

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Art Nouveau columbine and rose - Georges Riom, ca. 1900 - "Ancolie et rose" [columbina y rosa], litografía en color realizada hacia 1900 por Georges Riom (1845-1969). Firmada en la parte superior. Tamaño: aprox. 39 x 18 cm. Este bello y pequeño cartel presenta una composición elegantemente asimétrica, típica del Art Nouveau. La naturaleza era a menudo la principal fuente de inspiración, llena de plantas y flores de tallo largo y graciosamente estilizadas. Las flores se representaban en un estilo que recordaba a las estampas japonesas: bidimensionales y casi abstractas, con una composición elegante y colores vibrantes. El famoso comerciante Siegfried Bing desempeñó un papel fundamental en el aumento de las influencias japonesas en el mundo del arte occidental. Los grabados importados por Bing encontraron un gran atractivo entre los artistas que buscaban un nuevo estilo, entre ellos Vincent van Gogh. Bing se especializó en arte japonés en su galería parisina L'Art Nouveau, de donde deriva el nombre francés del movimiento. La columbina, representada con sus llamativos pétalos y su forma única, desprende una sensación de alegría y elegancia. Los delgados tallos de la columbina y la disposición de las flores añaden movimiento y gracia a la composición. La rosa, símbolo de amor y belleza, es la pieza central. Es famosa por su encantadora fragancia, y la representación detallada de sus pétalos añade una sensación de refinamiento y ternura al cartel. Ambas flores se combinan en una composición armoniosa. Los contrastes entre las formas elegantes, los colores vibrantes y los detalles delicados crean un conjunto visualmente atractivo y cautivador. Precio: 450 euros

450 EUR

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South-East Asia, East Indies - Emanuel Bowen, 1744 - "Mapa exacto de las Indias Orientales que muestra el curso del comercio europeo tanto en el continente como en las islas. Dibujado a partir de los mejores mapas y cartas modernos y ajustado por observaciones astronómicas" Grabado en cobre de Emanuel Bowen publicado en Londres en 1744. Con coloreado original a mano. Tamaño: 37 x 45 cm. Este elaborado mapa de las Indias Orientales se extiende desde Australia, Filipinas y las Islas Carolinas en el este hasta la India, las Maldivas y Afganistán en el oeste. El mapa es muy detallado. Se nombran muchas ciudades, montañas, ríos, islas y otros accidentes geográficos. El mapa contiene información sobre los vientos en el océano Índico y el mar de la China Meridional, con indicación de los meses en que los buques mercantes navegan de Europa a las Indias Orientales y viceversa. En la esquina inferior derecha aparece la costa de Australia, aquí denominada "Nueva Holanda". Arriba, en el ángulo superior derecho, una cartela con figuras locales muestra el título. Este mapa apareció en la obra de John Harris "Navigantium atque Itinerantium Bibliotheca, or A Complete Collection of Voyages and Travels", una de las mejores recopilaciones en lengua inglesa de los primeros viajes del siglo XVIII. Emanuel Bowen (1694-1767) fue un grabador y vendedor de estampas británico. Fue famoso sobre todo por sus atlas y mapas de condados. Aunque murió en la pobreza, fue ampliamente reconocido por su pericia y fue nombrado cartógrafo tanto de Jorge II de Inglaterra como de Luis XV de Francia. Su hijo, Thomas Bowen, continuó su actividad. También formó a muchos aprendices, dos de los cuales se convirtieron en destacados cartógrafos, Thomas Kitchin y Thomas Jeffreys. Precio: Euro 475,-

475 EUR

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Cheminée exceptionnelle d’époque Renaissance aux armes de Philippe Merlan Baron de Montpont (1503-1546) - Excepcional repisa renacentista con el escudo de armas de Philippe Merlan barón de Montpont (1503-1546). Realizado en 1534 para el castillo de Arnay-le-Duc, Borgoña. MARCAS E INSCRIPCIONES 1534, grabado en un compartimento empotrado y en el centro de la base de la campana de la chimenea; escudo de armas de la familia Merlan: "De gules, un león de oro sosteniendo en su mano diestra una media luna de plata coronada por un salmonete del mismo color, sobre un jefe de azur tres martas de sable", visible a ambos lados del friso que subraya la cornisa de la chimenea; IL EST QU'ADRESSE - DE GRAND BIEN MÉRITE, lema de los Merlan grabado en el dintel. PROCEDENCIA Ejecutado en 1534 para Philippe Merlan (1503-1546), barón de Montpont, señor de Jully-lez-Arnay-le-Duc, interventor y general de finanzas en Borgoña y Bresia bajo Francisco I, en su castillo de Arnay-le-Duc, Côte-d'Or, región Borgoña-Franco Condado; propiedad de su hijo, Gabriel Merlan (1528-1562), barón de Montpont y señor de Jully-lez-Arnay-le-Duc como su padre, tesorero de Francia y general de finanzas en Borgoña y Bresia; colección, después de 1562, de la familia de Chabot-Charny; vendida en 1634 por Françoise Bernarde de Montessus, condesa de Charroux y viuda de Charles de Chabot, marqués de Mirebeau, a Henri ii de Bourbon-Condé (1588-1646), primer príncipe de la sangre, par de Francia y gran veneur de Francia; recogida hasta 1675 por su hijo, Luis ii de Borbón-Condé (1621-1686), conocido como le Grand Condé, famoso conquistador de Rocroi (1643); devuelta en 1675 a la familia de Chabot, que la conservó hasta 1778; Durante este periodo, las tierras de Arnay pasaron de los Chabot a los Rohan, y de éstos a los Brionne por matrimonio; vendido en 1778 por Marie-Louise-Julie-Constance de Rohan, condesa de Brionne, a la casa real de las Damas de Saint-Cyr, que conservaron el castillo hasta la Revolución; sede del municipio, fue vendido en 1792 como propiedad nacional; A continuación, pasó de mano en mano hasta que, a mediados de la década de 1860, fue adquirido por Jean-François-Henri Bouruet (1801-1870), uno de los ricos propietarios de las famosas tiendas "Au Gagne-Petit" de París, quien procedió a despojarlo de gran parte de su carpintería, esculturas y ocho chimeneas, entre ellas la que aquí se muestra; Después de esta fecha, la chimenea se volvió a montar en una de las habitaciones del castillo neorrenacentista de Villemenon en Servon, Seine-et-Marne, que Jean-François-Henri Bouruet había construido en los mismos años. Vendido tras la muerte del Sr. Bouruet en 1870 por sus herederos, el castillo de Villemenon fue sucesivamente propiedad del Sr. Jeanson de 1870 a 1875, del Sr. Boutet de 1875 a 1911, del Sr. Drouin, del Sr. Méhu, banquero parisino, y finalmente de Hélène Martini (1924-2017), famosa directora de teatros, cabarets y salas de conciertos, apodada la "Reina de la noche parisina". Obra maestra del Renacimiento francés temprano, este imponente mantel tallado en piedra de Tonnerre (Yonne) fue creado bajo el reinado de Francisco I en 1534 para Philippe Merlan (1503-1546), barón de Montpont, señor de Jully-lez-Arnay-le-Duc, interventor y general de finanzas en Borgoña y Bresse, para decorar una de las salas principales del primer piso de su castillo de Arnay-le-duc, en la región de Côte-d'Or de Borgoña-Franco Condado. Presenta una rica decoración esculpida, dominada en el frente de su capilla derecha por dos grandes bajorrelieves oblongos que muestran jinetes desnudos, participando en una cacería de leones a la izquierda, y luchando entre sí a la derecha, Alegorías de la caza y de la guerra flanqueadas por cenefas biseladas con compartimentos cuadrados ricamente decorados con cabezas de querubines alados y jarrones con hojas, bordeados por frisos de óvalos, todo ello puntuado por pilastras con capiteles y finísimas decoraciones arabescas.

Precios a consultar

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Antonio BERNI - Ramona va a los toros, 1964 BERNI Antonio (Rosario, Argentina 1905 † 1981 Buenos Aires, Argentina) Xilografía original y gofrado. H970xW590mm. Prueba fina sobre papel de pergamino de alto gramaje, firmada a lápiz, titulada, fechada y numerada 20 /25. Lámina de la serie Ramona Montiel y sus amigos. Buenos márgenes. Montado en marco Antonio Berni es uno de los artistas argentinos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Su obra, de tintes surrealistas y premiada en la Bienal de Venecia de 1962, es inseparable de su compromiso político y social. A finales de los años 50, preocupado por la crisis económica de su país y por la suerte de las clases más desfavorecidas, Berni inventó dos personajes de inspiración folclórica, a los que dedicó amplios ciclos de collages, grabados y fotomontajes: "Juanito Laguna", hijo de un obrero y niño de las villas miseria de Buenos Aires, y "Ramona Montiel", antigua costurera de Puerto Príncipe convertida en prostituta, y tema de los dos grabados que presentamos aquí. Las monumentales xilografías del artista -por las que obtuvo el primer premio de grabado y dibujo en la Bienal de Venecia- son sorprendentes en más de un sentido. De efecto poderosamente decorativo, incorporan ingeniosos collages e impresiones de objetos recogidos en mercadillos o en los cubos de basura de las afueras de la capital argentina. La reutilización directa de estos desechos industriales -cuerdas, joyas, trozos de tela, etc.-, con los que Berni satura intencionadamente sus composiciones, da contenido a su crítica sociopolítica.

12.000 EUR

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Norway - Cornelis Danckerts, c. 1696 - Norvegia Regnum Divisum in suos Diocaeses Nidrosiensem, Bergensem, Opsloensem, et Stavangriensem. Et Praefecturam Bahusiae. Mapa grabado a doble página en bello color original, publicado en Amsterdam aprox. 1696 por Cornelis Danckerts. Tamaño: 58 x 50 cm. El mapa nos muestra la parte sur del Reino de Noruega dividida en la diócesis de Nidaros (actual Trontheim), Bergen, Oslo y Stavanger y la prefectura de Bohuslän (Båhuslen). En la esquina superior izquierda hay un mapa del norte de Noruega que muestra la región de Finnmark. El siglo XVII fue testigo de una serie de guerras entre Dinamarca-Noruega y Suecia. En la guerra de Kalmar, entre 1611 y 1613, fueron reclutados 8.000 campesinos noruegos. A pesar de la falta de entrenamiento, Dinamarca-Noruega ganó y Suecia abandonó sus pretensiones sobre las tierras situadas entre Tysfjord y Varangerfjord. Con la participación danesa en la Guerra de los Treinta Años en 1618-48, se creó un nuevo sistema de reclutamiento en el que el país se subdividía en 6.000 legd, cada uno de los cuales debía mantener a un soldado. Dinamarca-Noruega perdió la guerra y se vio obligada a ceder Jämtland y Härjedalen a Suecia. La Segunda Guerra del Norte, de 1657 a 1660, tuvo como resultado la cesión de Bohuslän a Suecia. El monarca danés se elevó a rey absoluto y hereditario de Dinamarca (incluida Noruega) en 1661, eliminando el poder de los nobles. Se introdujo un nuevo sistema administrativo. En Copenhague se establecieron departamentos organizados por carteras, mientras que Noruega se dividió en condados, cada uno de ellos dirigido por un gobernador de distrito, y subdividido a su vez en bailiwicks. Se nombraron unos 1.600 funcionarios en todo el país. Este mapa se realizó cuando Ulrik Fredrik Gyldenløve era virrey de Noruega. Está adornado con una representación de Neptuno y una sirena bajo la cartela del título y coronado con el escudo de armas noruego. La familia Danckerts fueron notables vendedores de estampas y mapas, y grabadores en Ámsterdam durante casi cien años, entre 1630 y 1727. Entre 1680 y 1700, Justus y sus tres hijos Cornelis, Theodorus y Justus II publicaron varias ediciones de su Atlas Danckerts. Sus mapas eran más solicitados por la maravillosa calidad decorativa de sus grabados que por su precisión. Precio: Euro 725,-

725 EUR

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F. & D. Malý - Karel Reisner, 1895-1900 - "F. & D. Malý", litografía en color de Karel Reisner (1868-1913) publicada originalmente por Anton Vitek, aquí publicada por la Imprenta Chaix entre 1895-1900 para su "Maîtres de l'Affiche: publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Tamaño (papel): 40 x 29 cm. Cartel publicitario Art Nouveau de la joyería y platería F. & D. Malý, en la Postovská ulitce de Praga, que "vende una gran selección de artículos de moda de producción propia". La serie Maitres de l'Affiche fue el resultado directo del interés internacional por los carteles y los cartelistas, que alcanzó su apogeo a mediados de la década de 1890 en Europa y América. Las obras maestras de artistas como Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec y Alphonse Mucha transformaron los anuncios comerciales en una forma de arte digna de adoración pública y estudio. Junto con la oleada de revistas, libros y exposiciones de carteles de la década, surgió un serio deseo de coleccionar las obras de arte para el disfrute personal y el estudio, pero el enorme tamaño de los carteles hacía que su almacenamiento fuera incómodo y a menudo imposible. La serie Maitres de l'Affiche ("Maestros del cartel") nació de este dilema. Al ofrecer a los suscriptores descuentos en los carteles más importantes de la época, los coleccionistas y aficionados pudieron crear archivos en miniatura de carteles de todo el mundo. La serie completa Maitres de l'Affiche contaba con 256 planchas litográficas en miniatura producidas por expertos que representaban lo mejor de la Belle Époque. Durante sus cinco años de existencia, de finales de 1895 a 1900, la serie tuvo un enorme éxito, y sigue siendo popular hoy en día, ofreciendo a expertos y novatos por igual una visión conveniente y deslumbrante de algunos de los mejores logros en el arte del cartel. No es de extrañar que la exquisita colección Maitres de l'Affiche fuera obra de Jules Chéret, inventor del proceso litográfico de tres piedras y virtual fundador del cartel moderno. Ya en la década de 1860, las magníficas creaciones de Chéret aportaron elegancia y color al paisaje urbano de París y pronto generaron una industria internacional. En 1866, Chéret abrió su propia imprenta, que acabaría convirtiéndose en una sucursal de la gran editorial francesa Imprimerie Chaix. Su papel como director artístico en Chaix proporcionó a Chéret la plataforma y los recursos necesarios para lanzar la serie Maitres. Las cuatro primeras láminas salieron a la venta en diciembre de 1895 con carteles de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price y Dudley Hardy. La serie se prolongó durante sesenta meses, hasta noviembre de 1900, cuando alcanzó su punto álgido. Al final, hubo un total de 240 láminas normales y 16 adicionales. La serie Maitres de l'Affiche funcionaba como una revista contemporánea. Los aficionados a los carteles tenían la opción de comprar las cuatro láminas del mes en curso a un comerciante especializado, o bien suscribirse a la serie durante un año. En Francia, una suscripción de un año costaba 27,- francos, lo que equivalía aproximadamente a entre cinco y diez versiones originales a tamaño natural de los carteles destacados en la serie Maitres. La primera lámina de cada mes era un cartel del propio Chéret, lo que le convertía en el artista más representado en la serie. De hecho, las 60 láminas normales y las siete adicionales de Chéret representan casi el 25% de toda la colección. En total, 97 artistas de todo el mundo están representados en la serie Maitres de l'Affiche, aunque más de la mitad son franceses. En cambio, sólo cuatro eran italianos, seis alemanes y ocho ingleses. En la colección se aprecian diversos estilos populares, como el Art Nouveau clásico de Alphonse Mucha y Privat Livemont, las ilustraciones de Edward Penfield y Adolphe Willette, y las calidades gráficas de Toulouse-Lautrec y Pierre Bonnard. Los carteles originales a tamaño natural y los grabados de Maitres en los que se inspiraron nunca se consideraron competidores, sino dos entidades completamente distintas. Mientras que los carteles eran grandes y atrevidos, los grabados eran apreciados por su exquisito tamaño y detalle. Además, los carteles se imprimían a menudo en papel de periódico barato debido a su corta duración. Los grabados, por el contrario, se hacían en papel muy fino y con técnicas de impresión demasiado complejas para objetos de mayor tamaño. El coleccionismo de grabados era una afición muy popular por derecho propio mucho antes de que los carteles se pusieran de moda. Chéret introdujo el cartel moderno, pero no fue hasta Moulin Rouge, de Toulouse-Lautrec, en 1891, cuando los carteles se convirtieron en una forma de arte que los coleccionistas consideraban digna de su atención. En muchos sentidos, la serie Maitres puede considerarse como la unión exitosa de las modas del cartel y el grabado. En su prefacio al volumen I de la serie Maitres, Roger Marx, un notable historiador y crítico de arte del siglo XIX, describió las calles de París como "un museo en la brisa". Escribió que

375 EUR

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Sabre carp - Marcus Elieser Bloch, 1782-1795 - Cyprinus Cultratus/Die Ziege/La Rafoir/The Knife-Carp" (lámina 37), grabado en cobre realizado por Ludwig Schmidt a partir del dibujo de Krüger jr, para la obra de Markus Elieser Bloch "Allgemeine Naturgeschichte der Fische" publicada en Berlín entre 1782 y 1795. Con coloreado a mano original. Tamaño: 19 x 38 cm. El trabajo de Bloch sobre la "Allgemeine Naturgeschichte der Fische" ocupó una parte considerable de su vida, y se considera que sentó las bases de la ciencia de la ictiología. La publicación fue alentada por una gran suscripción, y pasó rápidamente por cinco ediciones en alemán y en francés. Bloch apenas alteró la ordenación sistemática de Peter Artedi y Carl Linnaeus, aunque estaba dispuesto a introducir en la clasificación algunas modificaciones en función de la estructura de las branquias. Al número de géneros antes establecido, consideró necesario añadir diecinueve nuevos, y describió 276 especies nuevas para la ciencia, muchas de ellas habitantes de las partes más remotas del océano, y por la brillantez de sus colores, o la singularidad de sus formas, tanto objetos de admiración popular como de curiosidad científica. Bloch está considerado el ictiólogo más importante del siglo XVIII. La carpa sable, también conocida como pez sable, es una especie de pez de agua dulce que se encuentra en algunas partes de Europa y Asia. Pertenece a la familia Cyprinidae, que también incluye a las carpas, los pececillos y la carpa común. La carpa sable es una especie resistente que tolera una amplia gama de condiciones del agua, incluidos los niveles bajos de oxígeno y la mala calidad del agua. Es una especie omnívora que se alimenta de diversos organismos, como algas, insectos y pequeños crustáceos. La carpa sable suele medir entre 20 y 30 centímetros y puede pesar hasta 1 kilogramo. Hoy en día, la carpa sable no se considera una especie de importancia comercial, pero es un pez de caza popular entre los pescadores y también se utiliza con fines ornamentales en estanques y acuarios. Precio: 350 euros

350 EUR

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Indonesia, Strait of Bali - Laurie and Whittle, 1794 - CARTA NÁUTICA DE INDONESIA "Un nuevo plano de los estrechos situados al este de Java y Madura, comúnmente llamados los estrechos de Bali y de Pondi y Respondi". Grabado en cobre de "The East-India Pilot, or Oriental Navigator" publicado en Londres por Robert Laurie y James Whittle en 1794. Coloreado por una mano posterior. Tamaño aprox. 35, 6 x 50,8 cm. Carta náutica del estrecho de Bali, Indonesia, desde la extensión oriental de Java hasta incluir la mitad occidental de Bali y las islas de Madura y Respondi (Sapudi). Un recuadro cerca del borde izquierdo detalla la bahía de Ballambouang en Java. Java fue un gran productor de arroz durante la época colonial. Madura y la mayor parte de Java estuvieron bajo la influencia holandesa durante este periodo. El mapa ofrece numerosos detalles, como sondeos de profundidad, notas sobre el fondo marino, comentarios sobre arrecifes, líneas de rumbo, bajíos, accidentes costeros, topónimos y una gran cantidad de información práctica para el navegante. Desde el punto de vista cartográfico, esta carta deriva de mapas anteriores preparados para el Neptuno Oriental de Jean-Baptiste d'Apres de Mannevillette de 1745. De Manevillette basó su carta, como se indica en el título, en "observaciones y comentarios de los barcos ingleses; el Winchelsea, comandado por el erudito Sr. Howe". Howe, a partir de cuyos estudios se ha delineado el plano de la parte oriental de Madura y los Estrechos; el Chesterfield en 1760; el Royal George en 1766; y de los buques franceses, l'Elephant y le Chameau, 1759: de acuerdo también con las observaciones realizadas por los buques ingleses, Onslow, Triton, Sandwich, Osterley, en 1758; Tavistock y Hawke en 1759". Precio: Euro975,- (sin IVA/BTW)

975 EUR

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TANC - ULTRAMARINA 82 Óleo sobre lienzo pintado directamente sobre el tubo. 86 x 76 cm Enmarcado en caja americana negra. Firmado y fechado al dorso "Tanc 2021". La galería At Down está a su disposición para más información sobre la adquisición de esta obra. TANC : Nacido en 1979 en París. Vive y trabaja en París. Tanc ya ha expuesto en todo el mundo. Lo que le caracteriza es la singularidad de su estilo, una característica que se entiende mejor cuando se sabe que Tanc creció con el graffiti. Considera que el arte callejero es efímero y que la acción es más importante que el resultado. Para él, "ser artista es una forma de vida", la inversión debe ser total y la integridad absoluta. A principios de la década de 2000, se concentró en el trabajo de estudio e inmediatamente se distinguió de los grafiteros tradicionales con su obra basada en la línea. Una investigación de síntesis. Primero su nombre, luego las etiquetas en general, después la gente, la música y, por último, su tema favorito: la vida. Esencialmente basado en la línea, su obra no busca ser perfecta sino espontánea. Es el estado en el que se encuentra el que definirá su densidad y su rigor. El latido de su corazón impulsa su brazo como un metrónomo, no debe intentar controlar este flujo sino simplemente comprender la composición que hace aparecer en equilibrio entre su consciente y su inconsciente. Compone su música y sus cuadros de forma espontánea. Denso o ligero, riguroso o desestructurado, Tanc no juega, vive su arte. Firma sus lienzos Tanc como firma las paredes con sus etiquetas desde su adolescencia. Esta disciplina es ante todo la salida instintiva de una necesidad de expresarse: reclama el espacio urbano gritando su nombre a la ciudad con fuerza. Pronto, las letras desaparecieron y Tanc se embarcó en una búsqueda formal abstracta. Al concentrar su obra en la línea y el color, renueva la investigación pictórica clásica confrontándola con la vivacidad primaria del arte callejero: preponderancia de la acción, perfección del gesto, aceptación del azar y expresión de una fuerte singularidad. Ante todo, sus obras llaman la atención por su intensidad, su musicalidad y la vibración de las luces y los materiales. La acción, la energía y la emoción del artista llegan al espectador de la forma más sensual, íntima e inmediata.

4.800 EUR