47 - Neapolitanische Schule; frühes 18. Jahrhundert.

Neapolitanische Schule; frühes 18. Jahrhundert. „Heiliger Papst“. Silber. Weist Spuren einer Restaurierung auf. Auf dem Sockel befinden sich Punzierungen. Der Sockel stammt aus einer späteren Epoche. Maße: 50 x 21 x 14 cm; 9 x 18 cm (Sockeldurchmesser). Diese Silberskulptur von bemerkenswerter technischer Qualität und großem ornamentalen Reichtum ist ein interessantes Beispiel für eine religiöse Darstellung im kleinen Maßstab, bei der die Edelmut des Materials mit einer ausgeprägten naturalistischen Sensibilität und einer sorgfältigen Wiedergabe der Gesichtszüge kombiniert wird. Die Figur, die möglicherweise auf einem Holzkern modelliert wurde, stellt einen hochrangigen kirchlichen Würdenträger dar, der als Papst oder Bischof zu erkennen ist und liturgische Gewänder sowie eine Mitra trägt. In der einen Hand hält er ein dreistrahliges Pontifikalkreuz, ein Attribut höchster kirchlicher Würde und ein Symbol geistlicher Autorität, während er in der anderen Hand ein Buch, vermutlich die Bibel, als Anspielung auf die Lehre und die Weitergabe des Glaubens hält. Besonders bemerkenswert ist die Darstellung des Gesichts mit seinem gelassenen Ausdruck und außergewöhnlichem Naturalismus, eingerahmt von leicht gewelltem Haar. Die Sorgfalt, mit der die Gesichtszüge und Details der Kleidung wiedergegeben sind, sowie der Kontrast zwischen den silbernen Oberflächen und den Volumen der Figur unterstreichen das handwerkliche Können des Künstlers und seine Fähigkeit, der Darstellung Präsenz und Persönlichkeit zu verleihen. Aufgrund seiner Konzeption und formalen Gestaltung ist das Werk innerhalb der Tradition der neapolitanischen religiösen Bildhauerei und Silberschmiedekunst des 18. Jahrhunderts von besonderem Interesse. Aus stilistischer Sicht lässt sich das Werk in das neapolitanische Kunstmilieu des 18. Jahrhunderts einordnen, eine der bedeutendsten Traditionen der italienischen Barockbildhauerei. In dieser Zeit entstanden in Neapel außerordentlich zahlreiche religiöse Bildnisse aus polychromem Holz, Terrakotta, Silber und anderen Materialien, die sich durch das Streben nach überzeugendem Naturalismus und eine besondere Aufmerksamkeit für die Details der Kleidung, der Gesichtsausdrücke und der haptischen Eigenschaften auszeichneten. Die Kombination aus edlen Materialien und hölzernen Innenstrukturen ermöglichte es Bildhauern und Goldschmieden, Ergebnisse von großem visuellem Reichtum zu erzielen, insbesondere bei Darstellungen, die für den Gottesdienst und die private Andacht bestimmt waren. In diesem Zusammenhang zeichnet sich dieses Werk durch die Verschmelzung der barocken Bildhauertradition mit der für die religiöse Goldschmiedekunst charakteristischen Raffinesse aus. Seine historische Bedeutung muss auch im Kontext der tiefgreifenden Erneuerung der religiösen Bildkunst verstanden werden, die durch die Gegenreformation vorangetrieben wurde. Im Anschluss an die protestantische Reformation bekräftigte die katholische Kirche während des Konzils von Trient, insbesondere in dessen 25. Sitzung im Jahr 1563, den Wert sakraler Bilder. Das entsprechende Dekret bestätigte die Legitimität ihrer Verehrung, stellte fest, dass die den Bildern entgegengebrachte Ehrerbietung den heiligen Gestalten galt, die sie darstellten, und betonte die Notwendigkeit, Darstellungen zu vermeiden, die unanständig oder lehrwidrig waren. Diese Bestimmungen hatten tiefgreifende Auswirkungen auf die Entwicklung der katholischen Kunst im 17. und 18. Jahrhundert und förderten die Verbreitung von Darstellungen von Heiligen, Päpsten und anderen religiösen Persönlichkeiten, die sowohl für große kirchliche Räume als auch für den privaten Andachtsbereich bestimmt waren. Die religiöse Bildhauerei wurde somit zu einem bevorzugten Mittel zur Vermittlung der Lehre und zur Hervorhebung der geistlichen Autorität der Kirche – ein Kontext, in den dieses Werk eingeordnet werden muss. Es wurde restauriert.