72 - FRANCISCO DE HERRERA „DER ÄLTERE“ (Sevilla, um 1590 – Madrid, um 1654).

FRANCISCO DE HERRERA „DER ÄLTERE“ (Sevilla, um 1590 – Madrid, um 1654). „Die Vermehrung der Brote und Fische“. Öl auf Leinwand. Das Gemälde weist Lücken in der Farbschicht auf. Maße: 187 x 164 cm. Die Szene stellt den Moment dar, in dem Jesus vor einer hungrigen Menschenmenge fünf Brote und zwei Fische vermehrt, um die Anwesenden zu speisen, und so eine Geste des Mitgefühls in eine Manifestation seiner göttlichen Natur verwandelt. Die Komposition lenkt die Aufmerksamkeit auf Christus und die um ihn herum angeordneten Figuren und bildet so einen narrativen Kern. Das Format und der kompositorische Ansatz lassen eine interessante Verbindung zur sevillanischen Malerei der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts erkennen, insbesondere zum Stil von Francisco de Herrera dem Älteren, einem der Schlüsselkünstler im Übergang vom Spätmanierismus zum barocken Naturalismus in Sevilla. Besonders bedeutsam ist ein Vergleich mit den beiden bekannten Kompositionen zu diesem Thema, die Herrera dem Älteren zugeschrieben werden. Die erste ist die monumentale *Vermehrung der Brote und Fische* in der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando (Inventarnr. 0840), ein Gemälde mit den Maßen 305 × 540 cm. Es handelt sich um eine Komposition mit breiter horizontaler Ausdehnung, in der sich die Episode durch eine große Figurengruppe entfaltet. Das hier vorgestellte Werk verfolgt einen konzentrierteren Ansatz, indem es das Bildfeld einengt und Christus stärker in den Vordergrund rückt. Dieser Ansatz ermöglicht eine interessante kompositorische Beziehung zur Leinwand der Akademie. Ebenfalls beachtenswert ist die Version im Goya-Museum in Castres (Frankreich) mit der Inventarnummer 89-2-1. Dieses Gemälde, das kleiner ist (111,3 × 81,7 cm), ist unter dem Namen Herrera der Ältere katalogisiert und stammt aus der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. In seinem Museumseintrag wird es als mögliche erste Skizze oder Vorstudie für die monumentale Komposition in der Akademie angesehen. Obwohl es dieselbe Episode aus dem Evangelium darstellt, weist es eine andere Anordnung der Figuren und eine einzigartige Gestaltung des Bildraums auf. Die Existenz dieser unterschiedlichen Herangehensweisen an dasselbe Thema unterstreicht Herreras Interesse an der Entwicklung und Neuformulierung religiöser Kompositionen von großer erzählerischer Komplexität. In diesem Zusammenhang ist das betreffende Gemälde aufgrund seiner einzigartigen Auswahl der Episode von besonderem Interesse. In diesem Gemälde zeigen sich mehrere der charakteristischsten Merkmale der künstlerischen Sprache von Herrera dem Älteren, insbesondere seine kühne Konzeption der menschlichen Figur und sein unverwechselbarer Sinn für Naturalismus. Bemerkenswert ist die Körperlichkeit der Figuren, die durch solide Volumen und eine Anatomie von großer Präsenz gestaltet wird, sowie die Ausdruckskraft der Gesichter mit ihren individuellen Zügen und einer gewissen, fast volkstümlichen Intensität. Die Komposition, die durch die Gruppierung der Figuren im Vordergrund und die Öffnung hin zu einer von Figuren bevölkerten Landschaft in der Ferne strukturiert ist, offenbart sein erzählerisches Geschick und sein Interesse an der Schaffung räumlicher Tiefe. Ebenso bedeutsam ist der Umgang mit dem Licht, das die Körper durch markante Hell-Dunkel-Kontraste formt, gepaart mit einer Palette aus erdigen, ockerfarbenen und rötlichen Tönen, die durch die Blau- und Grautöne der Landschaft ausgeglichen werden. Der mit Energie und Freiheit ausgeführte Pinselstrich – besonders sichtbar in der Kleidung und in bestimmten Bereichen des Hintergrunds – spiegelt den Einfluss von Juan de Roelas wider, den Herrera zu einem kraftvolleren und persönlicheren Stil weiterentwickelte. Als Sohn des Malers Juan de Herrera wurde Francisco Herrera wahrscheinlich im Atelier seines Vaters ausgebildet. Dank seiner religiösen Auftragsarbeiten erlangte er große Anerkennung. Im Jahr 1650 zog er nach Madrid, wo er bis zu seinem Tod blieb. Seine Werke befinden sich in Institutionen wie dem Prado-Museum, dem Museum der Schönen Künste in Sevilla und dem Louvre. An einigen Stellen fehlt die Farbschicht.