214 - Frauenkopf. Rom, 1. Jahrhundert n. Chr.

Frauenkopf. Rom, 1. Jahrhundert n. Chr. Kalkstein. Maße: 12 x 10 x 8 cm; Gesamthöhe 18 cm. Herkunft: Familiennachlass von Ramon Martí Alsina und Ricard Martí Aguiló. Archäologische Sammlung, die seit den 1950er Jahren von aufeinanderfolgenden Generationen der Familie durch Ankäufe in europäischen Galerien und Auktionshäusern zusammengetragen wurde. Zuvor Teil der Privatsammlung G.M.H. in London. Seit den 1980er Jahren im Besitz des derzeitigen Eigentümers. Ein aus Kalkstein vollplastisch gearbeiteter römischer Kopf, der eine junge Frau mit rundem Gesicht, großen Augen und geschlossenem Mund darstellt, der ein Lächeln andeutet. Das Haar ist durch parallele, wellenförmige Einschnitte dargestellt und im Nacken zu einem gewundenen Zopf zusammengebunden. Die Römer führten zwei bedeutende Neuerungen in die Welt der Bildhauerei ein: die Porträtkunst und das historische Relief, die es in der griechischen Welt beide nicht gab. Bei einem Großteil ihres bildhauerischen Schaffens orientierten sie sich jedoch an griechischen Vorbildern – eine Grundlage, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert werden sollte. Nach ihrem ersten Kontakt mit dem klassischen Griechenland über die Kolonien von Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine wohlhabende und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit einer Vielzahl hellenistischer Kunstwerke geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ablöste. Kurz darauf, im Jahr 133 v. Chr., erbte das Römische Reich das Königreich Pergamon, Heimat einer eigenständigen und blühenden Schule hellenistischer Bildhauerkunst. Der gewaltige Pergamon-Altar, „Der Selbstmord des Gallus“ und die dramatische Skulpturengruppe „Laokoon und seine Söhne“ waren drei der bedeutendsten Schöpfungen dieser hellenistischen Schule. Darüber hinaus ließen sich nach der Eroberung Griechenlands im Jahr 146 v. Chr. die meisten griechischen Künstler in Rom nieder, und viele von ihnen widmeten sich der Anfertigung von Kopien griechischer Skulpturen, die zu jener Zeit in der Hauptstadt des Römischen Reiches sehr in Mode waren. So entstanden zahlreiche Kopien von Werken des Praxiteles, des Lysippos und klassischer Werke aus dem 5. Jahrhundert v. Chr., woraus sich die neoattische Schule Roms entwickelte, die erste neoklassizistische Bewegung in der Kunstgeschichte. Zwischen dem späten 2. Jahrhundert v. Chr. und dem frühen 1. Jahrhundert v. Chr. kam es zu einer Wende in dieser griechisch-puristischen Strömung, die in der Entstehung einer nationalen Bildhauerschule in Rom gipfelte, aus der Werke wie der Aenobarbus-Altar hervorgingen, die bereits ein typisch römisches Erzählkonzept einführten, das zu einer Chronik des Alltagslebens und zugleich des Erfolgs seines politischen Modells werden sollte. Diese Schule sollte der Vorläufer der großen kaiserlichen Kunst des Augustus sein, unter dessen Herrschaft Rom zur einflussreichsten Stadt des Reiches und zugleich zum neuen Zentrum der hellenistischen Kultur wurde – wie zuvor Pergamon und Alexandria –, was eine große Zahl griechischer Künstler und Handwerker anzog. Während der augusteischen Ära trug Rom zur Kontinuität und Erneuerung einer Tradition bei, die bereits seit Jahrhunderten hohes Ansehen genoss und den Charakter der gesamten Kunst in der Region geprägt hatte. In dieser neuen Phase wurden griechische Ästhetik und Techniken auf Themen angewendet, die für dieses neue Rom spezifisch waren. Nach der Idealisierung der augusteischen Zeit, dem Realismus der flavischen Ära und dem darauf folgenden Barockstil des 2. und 3. Jahrhunderts tendierte die römische Bildhauerei – geprägt durch das Christentum – dazu, entmenschlicht zu werden und immer idealisierter und symbolischer zu werden. Das Streben nach Realismus ging verloren, und es kam zu einer Hinwendung zu einem stilisierten Ansatz, der darauf abzielte, das Ideal, die Seele oder das Göttliche einzufangen, anstatt die menschliche Erscheinung der Figuren wiederzugeben. Im Einklang mit dieser neuen Ästhetik gewann der Schnitzstil eine große Härte, und die Figuren erhielten eine edle, feierliche Würde.