173 - Horace VERNET (1789–1863)

Horace VERNET (1789–1863) Die Schlacht von Las Navas de Tolosa, Studie Öl auf Leinwand H_38 cm B_46 cm Auf neue Leinwand gespannt, restauriert Verwandte Werke: -Horace Vernet, Die Schlacht von Las Navas de Tolosa, 16. Juli 1212, 1817, Öl auf Leinwand, 405 × 492 cm, Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, Inv. MV 4941. -Horace Vernet, Studie des weißen Pferdes für „Die Schlacht von Las Navas de Tolosa“, Öl auf Papier, auf Leinwand aufgezogen, 50 × 60,5 cm, Sotheby’s-Auktion, 27. Juni 2002, Los 138, Zuschlagspreis 72.050 € Literaturverzeichnis: -„Erläuterungen zu den Werken der Malerei, Bildhauerei, Architektur und Gravur lebender Künstler“, Paris, Salon von 1817. -Clément de Ris, 1881, Nr. 4941. -Claire Constans, 1980, Nr. 4555. -Valérie Bajou (Hrsg.), Horace Vernet (1789–1863), Ausstellungskatalog, Versailles, Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, 14. November 2023 – 17. März 2024, Dijon, Éditions Faton, 2023. Herkunft: -Aguttes-Auktion vom 10.12.2020, Los 87 -Französische Privatsammlung Im 19. Jahrhundert herrschte eine regelrechte Faszination für die mittelalterliche Geschichte und das ritterliche Ideal, insbesondere durch die Darstellung großer Schlachten. Bereits 1816 beauftragte Ludwig XVIII. Horace Vernet für 6.000 Francs mit einem großen Gemälde zur Erinnerung an die Schlacht von Las Navas de Tolosa. Das Werk, das 1817 auf dem Salon präsentiert wurde, befindet sich heute im Schloss Versailles. Unser Gemälde ist eine Vorstudie zu dieser bedeutenden Komposition von Vernet. Es stellt die Schlacht von Las Navas de Tolosa dar, die am 16. Juli 1212 von den christlichen Heeren gegen die Truppen der Almohaden gewonnen wurde. Bei diesem bedeutenden Ereignis der spanischen Reconquista standen sich die christlichen Truppen unter der Führung von Alfons VIII. von Kastilien, Peter II. von Aragon und Sancho VII. von Navarra gegen die Armee des Kalifen Muhammad al-Nasir gegenüber. Im Zentrum der Komposition gelingt es Sancho VII. von Navarra auf seinem weißen Pferd, die Ketten zu durchbrechen, die die feindliche Befestigung schützen, und damit den Weg für den Sieg der christlichen Heere zu ebnen. Im Anschluss an diese Schlacht beschloss er übrigens, die Ketten als Wappensymbol des Königreichs Navarra zu übernehmen. Vernet widmete der Vorbereitung seines Gemäldes besondere Aufmerksamkeit. Er fertigte zahlreiche Skizzen und Studien an, darunter eine Studie des weißen Pferdes, die 2002 bei Sotheby’s versteigert wurde, eine kleine Skizze, die 2023 in der Ausstellung gezeigt wurde, sowie mehrere weitere Studien, die auf dem Kunstmarkt auftauchten. Diese verschiedenen Werke zeugen von den umfangreichen Recherchen des Malers rund um seine Komposition. Unsere Studie, die bereits besonders ausgereift ist, greift das Wesentliche der endgültigen Komposition auf. Sie weist jedoch einen wesentlichen Unterschied zum endgültigen Gemälde auf. Die im Vordergrund dargestellten Mauren sind hier bekleidet, während Vernet sich in der endgültigen Fassung dafür entscheidet, sie weitgehend nackt darzustellen. Es ist wahrscheinlich, dass der Maler zunächst eine traditionellere Darstellung dieser Kämpfer ins Auge gefasst hatte, bevor er zu der Ansicht gelangte, dass ihre Kleidung ihnen kein ausreichend „barbarisches“ Aussehen verlieh. Ihre Nacktheit dient somit dazu, die Gewalt der Szene zu betonen und den Kontrast zwischen den beiden Heeren zu verstärken. Diese Änderung scheint dem Bestreben zu entsprechen, dieser Schlacht eine Dimension zu verleihen, die über die bloße historische Erzählung hinausgeht. Die Auseinandersetzung nimmt somit die Form eines fast biblischen Gegensatzes zwischen Gut und Böse an, in dem die christlichen Heere über einen Feind triumphieren, der bewusst als wild dargestellt wird. Im Zentrum der Komposition verkörpert Sancho VII. von Navarra, der die Ketten des Feindes zerbricht, diesen Sieg. Die Entscheidung, die Kämpfer nackt darzustellen, ermöglicht es dem Maler zudem, sein Gemälde den großen klassischen Kompositionen wie „Die Sabinerinnen“ von Jacques-Louis David anzunähern. Eine Restaurierung, die nach seinem letzten Verkauf durchgeführt wurde, ermöglichte zudem ein besseres Verständnis des vorbereitenden Charakters unseres Gemäldes. Durch das Entfernen mehrerer Übermalungen kamen bestimmte vom Künstler unvollendet gelassene Teile zum Vorschein, die besonders bei der Figur unten links sichtbar sind.