24 - Katalanische Schule: Ende des 15. Jahrhunderts – Anfang des 16. Jahrhunderts.

Katalanische Schule: Ende des 15. Jahrhunderts – Anfang des 16. Jahrhunderts. „Das Wunder des Heiligen Blasius“. Tempera, Öl und Vergoldung auf Holztafel. Die Rückseite wurde verstärkt. Maße: 55 x 52 cm; 62 x 59 cm (Rahmen). Provenienz: Nachlass von Ramon Martí Alsina und Ricard Martí Aguiló. Kunst- und Kulturerbesammlung, die auf das Vermächtnis der katalanischen Maler Ramon Martí Alsina (1826–1894), einer wegweisenden Figur des katalanischen Realismus des 19. Jahrhunderts, und seines Sohnes Ricard Martí Aguiló (1857–1935) zurückgeht. Die Sammlung, die über mehrere Generationen hinweg weitergegeben und erweitert wurde, vereint Werke aus den ursprünglichen Beständen beider Künstler sowie Ankäufe ihrer Nachkommen. Mit dem Ziel, das Familienerbe zu bewahren und wiederherzustellen, erwarben die Nachkommen aktiv Werke der Maler zurück, sobald diese auf den Markt kamen, und erweiterten die Sammlung schrittweise um Gemälde, Skulpturen, archäologische Artefakte und andere Objekte von künstlerischer und historischer Bedeutung. Dieses Werk bildete wahrscheinlich eines der Seitenflügel eines Altarbildes, das dem Heiligen Blasius von Sebaste, Bischof und Märtyrer, gewidmet war. Die Figur des Heiligen nimmt die Mitte der Komposition ein und ist in den seiner bischöflichen Würde entsprechenden liturgischen Gewändern dargestellt: einem Pluvial und einer Mitra. Er trägt einen Bischofsstab und hält dem Betrachter zugewandt ein aufgeschlagenes Buch in der Hand, auf dessen Seiten der Name des Heiligen noch lesbar ist – ein Detail, das zur Identifizierung der zentralen Figur der Szene beiträgt. Der Heilige Blasius erscheint sitzend auf einem großen Mühlstein, der auf wundersame Weise auf der Oberfläche eines kleinen Teiches schwebt. Vor ihm stehen zwei Ritter, von denen einer sein Staunen über das Wunder durch eine ausdrucksstarke Geste der Überraschung zum Ausdruck bringt. Diese Figur trägt eine kurze grüne Tunika, unter der die inneren Brokatärmel sichtbar sind, sowie rote Strümpfe und einen kurzkrempigen Hut derselben Farbe. Die Kostbarkeit der Stoffe und die Farbkombination seiner Kleidung deuten auf einen hohen sozialen Status hin. Ebenso liefern die stilistischen Merkmale dieser Gewänder einen wichtigen Anhaltspunkt für die Datierung des Gemäldes auf die Zeit zwischen dem späten 15. und dem frühen 16. Jahrhundert. Hinter den Figuren im Vordergrund erstreckt sich eine weitläufige Panoramalandschaft, die den Blick des Betrachters auf einen Hain und eine ummauerte Stadt lenkt, deren Mauern von Türmen und Zinnen gekrönt sind. Im Hintergrund vervollständigt ein naturalistisch wirkender Himmel die Komposition und trägt dazu bei, ein stärkeres Gefühl für räumliche Tiefe zu erzeugen. Dieses Interesse an der Landschaftsdarstellung sowie an der Herausarbeitung verschiedener Ebenen und der Beobachtung natürlicher und architektonischer Elemente stellt eines der bedeutendsten Merkmale der bildnerischen Erneuerung dar, die die katalanische Kunst im 15. Jahrhundert erlebte. Diese Neuerungen stehen im Zusammenhang mit dem Einfluss des sogenannten „Neuen flämischen Realismus“, einer künstlerischen Strömung, die von Meistern wie Jan van Eyck, Robert Campin und Rogier van der Weyden vertreten wurde und deren Beiträge die europäische Malerei jener Zeit tiefgreifend veränderten. Die Akribie der Darstellung, die Aufmerksamkeit für materielle Eigenschaften und die Gestaltung von Räumen mit zunehmendem Realismus trugen zur Herausbildung einer Bildsprache bei, die aufgrund ihrer Tragweite und Bedeutung zeitweise mit der Entwicklung der italienischen Renaissance gleichgesetzt wurde, sodass man von einer Art „nördlicher Renaissance“ sprach.Die Rezeption dieser Vorbilder in den spanischen Gebieten und insbesondere in Katalonien bedeutete jedoch keine wörtliche Übernahme flämischer Neuerungen, sondern vielmehr deren Anpassung an lokale technische und ästhetische Traditionen sowie an die sozialen, wirtschaftlichen und religiösen Gegebenheiten der Zeit. Diese Tafel ist ein Zeugnis dieser Verschmelzung künstlerischer Sprachen. Es ist überwiegend in Tempera gemalt, mit einigen Retuschen in Öl, und bewahrt Techniken, die für die gotische Tradition charakteristisch sind, während es gleichzeitig Lösungen einbezieht, die darauf abzielen, den Naturalismus und den visuellen Reichtum der Darstellung zu verstärken. Zu diesem Eindruck von Pracht tragen die vergoldeten Details bei, die mit der „Embutido“- oder „Embotit“-Technik ausgeführt wurden – einem Verfahren, bei dem Blattgold auf zuvor in Gips modellierte Reliefs aufgebracht wird. Diese Technik erzeugt Effekte von Volumen und Relief, die besonders an Elementen der Kleidung und der bischöflichen Ikonografie sichtbar sind, wie zum Beispiel am Bischofsstab, der Mitra und dem Heiligenschein des Heiligen. Die Vergoldung erfüllt nicht nur eine ornamentale Funktion; sie trägt auch dazu bei, die sakrale Würde der Figur zu unterstreichen und den feierlichen Charakter des Bildes zu verstärken, ganz im Sinne der ästhetischen und devotionalen Werte der gotischen Malerei. Die Rückseite der Tafel weist hingegen Spuren ihrer materiellen Geschichte und der Eingriffe auf, denen sie unterzogen wurde. Neben mehreren hölzernen Querstreben aus einer modernen Restaurierung sind noch Reste des sogenannten gotischen „Endrapat“ zu erkennen – einer Technik, bei der Leinenstreifen auf die Fugen zwischen den Brettern geklebt wurden, aus denen der Untergrund bestand. Dieser Vorgang, der während der Vorbereitung der Tafel durchgeführt wurde, diente dazu,