44 - Neapolitanische Schule. Italien. 17.–18. Jahrhundert.

Neapolitanische Schule. Italien. 17.–18. Jahrhundert. „Zwei Studien für ein Decken- oder Gewölbefresko“ Öl auf Leinwand. In geschnitzten, patinierten Holzrahmen aus der Entstehungszeit. 71 x 45 cm und 71 x 46 cm. Dieses außergewöhnliche Gemäldepaar auf Leinwand umfasst Vorentwürfe für Deckenverzierungen. Es handelt sich um zwei Werke von großem künstlerischem Wert, die sich durch ihren dramatischen Umgang mit der Perspektive, ihr eindrucksvolles Chiaroscuro und ihre schwebenden allegorischen Figuren auszeichnen. Als Werke der neapolitanischen Schule weisen sie deren unverkennbare Merkmale auf: eine ausgeprägte Zeichenkunst, eine akademische Pinselführung und eine bemerkenswerte technische Meisterschaft. Solimena war einer der einflussreichsten Meister der europäischen Dekorationsmalerei, bekannt für seine monumentalen Fresken und dynamischen Kompositionen für barocke Decken, Kuppeln und Gewölbe. In beiden Skizzen fällt vor allem die skulpturale Wucht der Figuren auf. Durch ein raffiniertes Wechselspiel von Licht und Schatten modelliert der Künstler ihre Körper im Raum und verleiht ihnen eine kraftvolle, fast greifbare physische Präsenz. Die beiden Skizzen wirken fast wie Variationen einer einzigen Komposition, die vielleicht als Alternativen zur Auswahl gedacht waren. Ihre Anordnungen weisen weitgehend dieselbe Struktur auf, mit dreieckigen Figurengruppen und ausgeprägten Diagonalen, unterscheiden sich jedoch in ihrer Farbgebung und der Positionierung bestimmter Figuren. Beide werden von derselben Szene gekrönt, während andere Figuren mit Variationen der dargestellten religiösen oder mythologischen Charaktere wiederkehren. Im unteren Bereich zeigen beide dieselbe allegorische Szene. Es handelt sich um zwei Kompositionen, die von der für den Barock charakteristischen Theatralik und Dynamik geprägt sind, mit verkürzten Figuren und komplexen Posen, die den Blick des Betrachters lenken und die Szene mit Bewegung erfüllen. Beide Skizzen bedienen sich der „Sotto-in-sù“-Perspektive, bei der der Künstler die Technik des Blickes von unten nach oben einsetzt, um eine optische Täuschung zu erzeugen, durch die die Decke direkt in den Himmel zu münden scheint. Wir werden versuchen, so viel wie möglich von der komplexen Choreografie dieser beiden Kompositionen zu entschlüsseln, die von etwa zehn Figuren – Engeln, Gottheiten, mythologischen Gestalten sowie allegorischen oder religiösen Figuren – bevölkert sind, die in dynamischen, aufsteigenden Spiralen angeordnet sind, welche den Blick des Betrachters nach oben lenken und uns völlig sprachlos machen. Im oberen Mittelbereich beider Gemälde krönt ein triumphierender Christus zwei weibliche Heilige, die – unterstützt von einem Cherub – einen Pilaster, eine Säule oder ein architektonisches Fragment halten, sich daran anlehnen oder es stützen. Ihre Gewänder unterscheiden sich in den beiden Versionen. Möglicherweise stellen sie die Heilige Barbara oder die Heilige Bibiana dar. Die Heilige Barbara, die häufiger dargestellte der beiden: Warum trägt sie einen Pilaster? Obwohl ihr Hauptattribut ein Turm mit drei Fenstern ist, der die Heilige Dreifaltigkeit symbolisiert, wird sie in Gemälden und Skulpturen der Renaissance oft neben einem Pilaster dargestellt. Dies bezieht sich auf ihr Martyrium durch die Hand ihres Vaters und symbolisiert die Stärke ihres Glaubens, der selbst angesichts von Leid und Tod unerschütterlich blieb – fest wie eine Säule. Die Heilige Bibiana hingegen wird mit einer Säule oder einem Pilaster in Verbindung gebracht, da sie der Überlieferung zufolge in Rom den Märtyrertod erlitt, nachdem sie an eine Säule gefesselt und mit Bleigewichten gegeißelt worden war, bis sie starb. Im Falle der Heiligen Barbara spielt Christus auf ihre Weisheit an, indem er das Evangelium in der Hand hält. Im Falle der Heiligen Bibiana verweist er auf ihre unerschütterliche Liebe und ihre Bereitschaft, lieber Leiden zu ertragen und Blut zu vergießen, als ihrem Glauben abzuschwören, und drückt durch die Geste seiner Hand glühende Liebe aus. Unmittelbar unter dieser mit einem Lorbeerkranz gekrönten Figur finden wir in beiden Gemälden einen mythologischen Helden. Im ersten blickt er den Betrachter an und trägt eine schwere Keule über der Schulter – die Waffe, mit der er den Nemeischen Löwen besiegte. Es handelt sich um Herakles, der in der römischen Mythologie als Herkules bekannt ist. In der zweiten Skizze taucht Herkules erneut auf, diesmal von hinten gesehen und in Rot gekleidet. Vor seinem nackten, muskulösen Rücken hält er seinen legendären Bogen, mit dem er mehrere seiner zwölf Aufgaben vollbrachte, darunter den Sieg über die furchterregenden Stymphalischen Vögel und die Verwundung der Lernäischen Hydra. In der Skizze, in der Herkules nach vorne blickt, in Gold gekleidet ist und seine Keule über der Schulter trägt, erscheint zu seiner Rechten ein kräftiger junger Mann. Es ist der Gefährte, der den Helden in seinen Mythen häufig begleitet: sein Neffe Iolaus, sein treuer Knappe und Wagenlenker, der für seinen Mut und dafür bekannt ist, Herkules beim Sieg über die Lernäische Hydra geholfen zu haben. Während des Kampfes versengte Iolaus mit einer brennenden Fackel die abgetrennten Hälse des Ungeheuers, um zu verhindern, dass neue Köpfe nachwuchsen. Er lehnt sich an den Nemeischen Löwen, das von seinem Onkel bezwungene Tier, aus dessen Fell dieser einen Helm und eine Schutzhülle anfertigte. In der Mythologie verkörpert Iolaus absolute Treue und unerschütterliche Unterstützung im Kampf. Auf beiden Skizzen sehen wir rechts von Herkules weibliche Heilige aus der christlichen Hagiographie, die – wie es Solimenas Art war – ohne Heiligenschein oder strahlende Aureole dargestellt sind. Auf einem Gemälde ist die Heilige