24 - Il Padovanino

Il Padovanino Artemisia macht sich bereit, die Asche ihres Mannes Mausolos aufzunehmen 1630–1635 Öl auf Leinwand 78 × 102 cm Das Gemälde zeigt Artemisia II. von Karien, Schwester und Gattin von Mausolos, dem Herrscher von Halikarnassos, die in den antiken Quellen als Vorbild für eheliche Treue gepriesen wird. Nach der von Valerius Maximus überlieferten Erzählung ließ Artemisia nach dem Tod ihres Mannes dessen Asche in Wasser auflösen und trank sie, wodurch sie symbolisch zu seinem „lebenden Grab“ wurde. Das Gemälde fängt den Moment unmittelbar vor dieser extremen Geste ein. Die Königin, in sich versunken und trauernd, drückt die kostbare Urne mit der Asche des Mausolos fast an sich, während sie mit der linken Hand ein schneeweißes Taschentuch festhält – eine Anspielung auf die vergossenen Tränen. Daneben ist der Kelch zu sehen, der das Getränk aufnehmen soll, während die Krone an die königliche Würde des Verstorbenen erinnert. Die auf wenige Elemente reduzierte Kulisse – der Marmorschaft einer Säule, der Vorhang und ein Stück offenem Himmel vor einem fernen Bergpanorama – unterstreicht den feierlichen und zutiefst theatralischen Charakter der Szene.Das Werk entstand in der Reifephase des Schaffens von Alessandro Varotari, einer der Hauptvertreter der Erneuerung der venezianischen Malerei in den ersten Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts. Der aus Padua stammende Künstler entwickelte seine eigene Bildsprache, wobei er sich vor allem am chromatischen Klassizismus Tizians orientierte, den er bereits seit seiner Jugend studiert hatte, gleichzeitig aber während seines Aufenthalts in Rom auch die Einflüsse der emilianischen und bolognesischen Kultur in sich aufnahm.Die monumentale Figur der Artemisia, die Weichheit des Teints, das klare Profil des Gesichts und der weitläufige, bedächtige Rhythmus der Komposition finden bedeutende Entsprechungen in den Werken, die der Künstler um das vierte Jahrzehnt des Jahrhunderts schuf.Giuseppe Sava stellt eine erste Parallele zur „Sofonisba“ in der Nationalgalerie von Belgrad her, die auf die Jahre 1630–1631 datiert wird und in der eine ähnlich ausdrucksstarke Gestik, die Weichheit der Gliedmaßen und eine bewusst schlichte Kulisse wiederkehren. Ähnliche Parallelen zeigen sich bereits bei der Kleopatra im Museo de Arte in Ponce, vor allem in der sinnlichen Darstellung der Protagonistin, in der Klarheit der Gesichtszüge und in den Lichteffekten auf den Stoffen.Weitere Vergleichspunkte bilden die „Judith und die Magd“ im Stadtmuseum von Padua und vor allem „Eumenes und Rossana“ aus der Eremitage in Sankt Petersburg, ein Werk, das auf die Jahre 1630–1635 datiert werden kann. Letzteres weist eine Kompositionsstruktur auf, die dem vorliegenden Gemälde besonders nahekommt: halbfigurale Darstellungen, die in einem langsamen und feierlichen Rhythmus angeordnet sind, die Auflegung auf eine horizontale Fläche, die dezenten Faltenwürfe der Gewänder, die warmen Farbtöne und die glatten Gesichtskonturen.Gerade diese Ähnlichkeiten legen laut Sava eine Datierung des vorliegenden Artemisia-Gemäldes auf den Zeitraum zwischen 1630 und 1635 nahe, eine Phase, in der der Stil des Künstlers aus Padua eine besonders gelungene Synthese aus tizianischer Monumentalität, klassizistischer Eleganz und erzählerischer Intensität erreicht. In einem Rahmen.