Die Werke der Galerien

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F. Barbedienne - Kronleuchter Im Osmanischen Stil, F.barbedienne zugeschrieben, Frankreich, Circa 1870 Höhe. : 100 cm ; Durchm. : 55 cm Sehr schöner, orientalisch inspirierter Kronleuchter mit sechs Lichtarmen, hergestellt aus patinierter und vergoldeter Bronze. Raffinierte Ornamentik aus Arabesken, Schnüren und Lambrequins, die Posamenten nachahmen. Biografie : Ferdinand Barbedienne, geboren 1810, gestorben 1892 in Paris, gründete und leitete eine der bedeutendsten Kunstgießereien des 19. Jahrhunderts. Neben seiner eigenen Produktion arbeitete er für die renommiertesten Bildhauer wie Barrias, Clésinger und Carrier-Belleuse. In ihren illustrierten Katalogen erschienen sehr unterschiedliche Produkte wie Büsten, ornamentale Skulpturen (Pendel, Kandelaber, Wandleuchten...), die manchmal bis zur Lebensgröße reichten, oder auch Bronzen für die Möbelindustrie. Sein gesamtes Schaffen fand stets große Beachtung und seine Person wurde von der zeitgenössischen Kritik immer wieder geehrt, insbesondere, als er auf der Weltausstellung 1878 mit "einem Prinzen der Industrie und dem König der Bronze" verglichen wurde. Im Katalog der Ausstellung wurde Barbedienne sogar als Symbolfigur der Bronzegießer des 19. Jahrhunderts bezeichnet. Sein Ruhm verblasste mit den Jahren nicht, denn auf der Weltausstellung von 1889 dankten die Kritiker Barbedienne dafür, dass er durch die stets vorbildliche Qualität seiner Bronzen anderen Bronzegießern als Lehrmeister diente.

7.800 EUR

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Rime - All Moves, 2019, Acryl, Ölmarker auf Leinwand, 102 × 102 × 5 cm. Rime's Stil ist ein Konzentrat von Energien und besteht aus Farben, Bewegungen und Lichtquellen, denen der Künstler sein eigenes Vokabular hinzufügt, das aus Kreaturen aus der Welt der Cartoons, Symbolen und zahlreichen Details besteht.Rime (a.k.a. Jersey Joe) ist weitgehend von der Welt der Cartoons inspiriert und verbindet einen energischen Einsatz von Farbe mit einer Vielzahl von Details und Formen, die immer in Bewegung sind. In seinen entfesselten Kompositionen entfaltet er eine kontrollierte Gewalt in der Beherrschung seiner Gesten und der Variationen, die er auf die Dicke seines Strichs oder seiner Pinselstriche anwendet. Er fügt ein persönliches Vokabular mit Tiersymbolen und Figuren aus seiner Fantasie hinzu, die er wie Hieroglyphen oder eine stilisierte Schrift auf der Leinwand platziert. Seine zweidimensionalen Werke scheinen aus der Wand zu kommen, sowohl durch die Bewegung der Linien und Formen, die sie strukturieren, als auch durch die Lichtquellen, die er in seinen Kompositionen entstehen lässt. Jede Leinwand ist voller Details, Figuren und Symbole, und das Auge kann immer wieder Fragmente von Geschichten entdecken, die man sich nicht vorstellen kann. Wie bei einem bekannten Lied, dessen Sinn sich plötzlich erschließt, kann man Rimes Werke mit der Zeit betrachten und sich mit ihnen anfreunden. "Hinter jeder Linie, jeder Markierung steckt in meiner Malerei eine Form von Energie, die auch auf unbewusste Weise spürbar bleibt. Das ist es, was ich zu schaffen versuche. Ich habe mich lange damit beschäftigt, hier in Paris während der ganzen Zeit der Gefangenschaft: Ich habe versucht, mein Wohlbefinden wiederzufinden, die Probleme und die Schwere der Vergangenheit zu überwinden, zu lernen, dem Leben gegenüber ein wenig respektvoller zu sein... Wenn mir das gelingt, spiegelt sich das in meiner Arbeit wider". Rime (aka Jersey Joe) wurde 1979 in Brooklyn, NYC, geboren und begann 1991 in Staten Island, NYC, mit Graffiti zu sprayen, später in Soho, Manhattan, und New Jersey. Im Jahr 2003 reiste er zwei Monate lang durch Europa und erlangte unter den Pseudonymen Rime und Jersey Joe internationale Anerkennung. Nach seiner Rückkehr begann er, seine Arbeit in Galerien zu präsentieren. 2005 verließ er die Ostküste, um sich in Los Angeles niederzulassen. Dort schloss er sich der Crew MSK - Mad Society Kings - an, die aus Künstlern wie Reyes, Revok, Saber, Pose, Trav oder dem Künstlerkollektiv The Seventh Letter bestand. Seit 2021 lebt und arbeitet er in Vernon im Département Eure.Rime zog im Juli 2019 für sechs Monate als Resident in die Galerie Wallworks in Paris ein, um eine Pariser Ausstellung vorzubereiten. Diese Residenz wurde vom Covid bis Januar 2021 verlängert. "RIME hat eine fast beispiellose Leichtigkeit und Kenntnis des gesamten Vokabulars der Beschriftungsstile der Graffiti-Kunst. Er kann Stücke in praktisch jedem Stil aus der 50-jährigen Geschichte des Graffiti malen: Diese scheinen immer neu zu sein, beziehen sich auf nichts Bekanntes und sind immer seine eigenen. Verspielt und von Figuren bevölkert, ist RIMEs Werk voller Farben und Bewegungen und - von einfach bis komplex, von soft bis extrem - er ist einer der wenigen, die im Graffiti wirklich alles können. (...). RIMEs neue Werke im Atelier sind ein Konzentrat an Dynamik, das die Pinselstriche und Locken in Szene setzt, die er im Straßengraffiti zu perfektionieren pflegte. Sie kombinieren seine Praxis der Sprühfarbe mit einem unglaublichen Muskelgedächtnis und der Beherrschung der Gesten. Seine Figuren aus der Welt der Cartoons - sein Markenzeichen - sprießen aus seinen Pinselstrichen hervor, die oft auf Augen oder Nasen reduziert sind. Wie bei jedem Graffitikünstler werden die Farben seiner Stücke im Freien aus allem zusammengesetzt, was sich in der Tasche befindet, die er an diesem Tag mit auf das Feld genommen hat, und das ergibt spontane Werke, die oft aus Dutzenden von Farben bestehen. Im Atelier ist die Auswahl geringer und seine Leinwände enthalten einige wenige, gut gewählte Farben, die brillant miteinander korrespondieren."- Caleb Neelon, "Beyond the Streets, Vandalism as Contemporary Art", 2019

9.500 EUR

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ÉCRITOIRE EN ÉBÈNE ET IVOIRE GRAVÉ, NAPLES, XVIIE SIECLE L'œuvre que nous présentons, issue d'une alliance entre un ébéniste et un graveur sur ivoire s'inscrit dans une production napolitaine d'objets de luxe, réalisée au début du XVIIeme siècle par un atelier formé par Iacobo Fiamengo et Giovanni Battista de Curtis. Ce rare écritoire est en placage d'ébène à plateau incliné et orné au centre d'une plaque d'ivoire gravée figurant Suzanne et les vieillards entourée de deux frises de piastres en ivoire et de huit médaillons carrés et rectangulaires en ivoire gravés figurant des scènes mythologiques, telles que Hercule et le lion de Némée, ainsi qu'une frise de pastilles aux motifs stylisés. Aux quatre angles, plaques gravées représentant les quatre vertus cardinales sous les traits de jeunes femmes munies de leurs attributs : la prudence (le miroir), la force (la colonne brisée), la justice (la balance) et la tempérance (l'eau qui se déverse). Les côtés en placage d'ébène sont animés de plaquettes d'ivoire gravées, à scènes de chasses. A l'arrière, trois médaillons rectangulaires figurant des scènes de l'Ancien Testament : la création d'Adam, la création d'Eve, et l'arbre du bien et du mal alternés de plaquettes figurant des pilastres ornés de termes. L'écritoire possède un tiroir latéral, et repose sur quatre pieds galettes. Naples, Italie, XVIIe siècle. Atelier de Iacobo Fiamengo et Giovanni Battista de Curtis Hauteur : 12,5 cm - Largeur : 44 cm - Profondeur : 38,5 cm Coffre-écritoires similaires Vente publique, Wannenes, Italie, 28/2/20 Musée de Milan, château des Sforza Œuvres attribués a I. Fiamengo et G.B de Curtus: Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg, signé De Curtis, Victoria and Albert Museum, Londres, Philadelphia Museum of Art, Los Angeles, County Museum of Art, Musée Benoît-De-Puydt de Bailleul, Musée de Saint Martin de Naples. Atelier Napolitain de Iacobo Fiamengo et Giovanni Battista de Curtis Après avoir annexé le Portugal en 1580, Espagne a gagné le monopole sur le commerce et importation de l'ivoire et de l'ébène, les matériaux les plus luxueux utilisés dans la création de meubles et objets. Dans les années 1590 les meubles et objets en placage d'ébène ornés de plaques d'ivoire gravés ont connu un engouement considérable en Espagne. Iacobo Fiamengo signe avec plusieurs graveurs sur ivoire des contrats de collaboration et engage entre autres Giovanni Battista de Curtis afin de travailler sur deux cabinets avec des scènes du Vieux testament et des métamorphoses d'Ovide. La signature de De Curtis apparaît sur le cabinet au musée des arts décoratifs de Hambourg, seul meuble avec une origine ainsi attestée. Ouvrage de référence : A. González-Palacios, "Giovanni Battista De Curtis, Iacobo Fiamengo e lo stipo manierista napoletano" dans Il tempio del gusto. Roma e il Regno delle Due Sicilie. Milan, 1984

5.800 EUR

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Romain Thiery - Romain Thiery, Requiem für Klaviere Nr. 33, 2017, Fotografie, 50 x 70 x 4 cm, Signiertes Werk Romain Thiery, 1988 in Bergerac geboren, ist ein Fotokünstler, der in der Nähe von Montpellier lebt und arbeitet. Romain ist ein Hobby-Pianist, der vor mehr als 15 Jahren aufgrund der Arbeit seiner Mutter, die auf Heimatfotografie spezialisiert ist, mit der Fotografie begann. Romain Thiery ist der Ansicht, dass das Klavier tief in den Tiefen unserer Kultur verwurzelt ist, und hat versucht, das Instrument aus einem originellen Blickwinkel zu erforschen. Er machte es sich zur Aufgabe, seine beiden größten Leidenschaften miteinander zu verbinden, und machte sich auf die Suche nach Gebäuden, in denen alte Klaviere verwahrlosen. Seit 2014 hat er über hundert Klaviere entdeckt, an ebenso vielen Orten von blendender Schönheit. Szenen, an denen er nie etwas verändert und den Ort so belässt, wie er ist. " Selbst in der Mitte eines n einem heruntergekommenen Raum behält das Klavier immer seine Kraft. Es ist da, es thront mit all seiner Noblesse". Neben seiner fotografischen Arbeit nimmt Romain, wenn möglich, vor Ort alle Klänge der Klaviere, die er entdeckt, Note für Note auf. Daraus entsteht eine Sammlung virtueller Instrumente, die er der Öffentlichkeit online und bei seinen Ausstellungen zur Verfügung stellt. Diese Methode ermöglicht es ihm, ein realistisches Klangmodell zu erstellen, den Klang dieser Klaviere zu verewigen und ihre Identitäten einzufangen. Diese Sample-Bibliotheken werden den verlassenen und manchmal schwer zugänglichen Klavieren ein zweites Leben geben, indem sie Hunderten von Musikern auf der ganzen Welt die Möglichkeit bieten, sie zum Klingen zu bringen. Diese Suche führte ihń in weite Teile Europas sowie in die Vereinigten Staaten. Die aus seinen Werken hervorgegangene Serie trägt den Titel Requiem po ur pianos und hat seinen Bekanntheitsgrad auf internationaler Ebene gesteigert. In den letzten Jahren hat er bei verschiedenen internationalen Fotowettbewerben große Preise für Fotografie gewonnen. Seine Einzel- und Gruppenausstellungen waren in Nordamerika, Europa und Asien zu sehen. Seine Fotografien wurden in Galerien und auf Festivals in New York, San Francisco, St. Petersburg, Tokio, Seoul, Paris, Madrid, Tel Aviv und vielen anderen Orten ausgestellt. Die renommiertesten Pressetitel haben seine Arbeit bereits gewürdigt oder auf ihren Seiten behandelt, wie El País, Der Spiegel, The Guardian, Daily Mail, Lonely Planet, Cultura Inquieta, Point de vue, Esquire, Beijing News... und in TV-Reportagen bei M6 (Frankreich), DW (Deutschland), Channel Cuatro (Spanien), TV5 Monde (Frankreich) und I24 News (Frankreich und Israel).

3.500 EUR

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Ships in an estuary - Gerrit Groenewegen, c. 1800 - Tekening met pen en bruine en grijs gewassen inkt, van de hand van Gerrit Groenewegen (1754 - 1826). Afm. 32,8 x 48,6 mm. We zien een fregat dat voor anker ligt, daaromheen varen een sloep en platbodems met frisse koelte. Het wateroppervlak golft behoorlijk. Iets verderop nog een driemaster met gestreken zeilen. Schilderer en etser Groenewegen, bracht zijn gehele leven door in Rotterdam en woonde even buiten de toenmalige stad aan de Westzeedijk. Evenals zijn vader was hij scheepstimmerman. Bij een ongeval - hij raakte bekneld onder een sluitende valbrug - verloor hij echter al jong een deel van zijn rechterbeen waardoor hij dit vak niet meer kon kon uitoefenen. Hierna ontwikkelde hij zich als kunstenaar. Slechts zeven schilderijen zijn van hem bekend. Als tekenaar en etser was hij echter zeer productief. Zijn vroegste tekeningen dateren uit 1779, de laatste waarschijnlijk uit 1816. Vele van zijn tekeningen en aquarellen zijn topografisch en hebben Rotterdam en omgeving tot onderwerp met de nadruk op havens en de Maas, maar zijn specialiteit was het weergeven van schepen. Van Eijnden en Van der Willigen zeggen over Groenewegen in 1820 in hun Geschiedenis der Vaderlandsche Schilderkunst: "Hij teekent Schepen van allerlei soorten, en in allerlei rigtingen, in stille en woelende waters, met sapverwen [aquarelverf] en met Oostindischen inkt. Het Scheepstimmeren geleerd hebbende, is hem zulks in het naauwkeurig teekenen van Schepen bijzonder dienstig." Preis: Euro 2.950,- (inkl. Lijst)

2.950 EUR

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C215 - "Katze" Siebdruck auf Papier Nummeriert auf 30 Exemplare Vom Künstler signiert Format: 50 x 40 cm Einrahmung: kein Rahmen Das Werk erwerben C215 (geboren 1973) C215 ist eine unumgängliche Figur in der Geschichte der französischen Street Art und gilt als DER Meister der Schablone. Er wurde auf der ganzen Welt ausgestellt, von London über New York und Barcelona bis Sao Paulo, und begann 2005 in den Straßen der Pariser Vororte. Die Anonymen Als echter Porträtmaler bringt er den Realismus auf die Straße, aber nicht irgendeinen Realismus, einen Realismus, der vor Wahrheit schreit, markante Gesichter mit tiefen Blicken. Auf einer Mauer, einem Briefkasten oder einem Stromkasten hat er sich zunächst darauf konzentriert, das darzustellen, was man nicht sehen will: einen Clochard, ein schwules Paar, das sich küsst... allesamt Verlassene, Ausgestoßene oder Anonyme. Ohne Elitarismus und Egozentrismus malt er also den anderen, sehr oft in menschlicher Größe, und verleiht ihm eine Präsenz, einen Platz in unserer Gesellschaft. "Meine Werke stellen unsichtbare Menschen in den Rang von Berühmtheiten. Durch diese Gesichter möchte ich, dass die Passanten sich mit ihrer eigenen Menschlichkeit auseinandersetzen". Von der Straße in die Institution Im Jahr 2014 möchte er seinem künstlerischen Ansatz eine andere Dimension verleihen. Getrieben von dem Wunsch, sich nützlich zu machen, sich "bürgerschaftlich zu engagieren", realisiert er die Wanderausstellung "Douce France", die die vielen, manchmal widersprüchlichen Facetten der französischen Kultur zeigt und demonstriert. Eine Art "sarkastische Antwort auf diejenigen, die sich die Frage stellen, was die nationale Identität ist". Als leidenschaftlicher Historiker stellt sich C215 in den Dienst der Pädagogik. Er vermenschlicht den öffentlichen Raum, indem er die Porträts großer Namen darstellt, die wir auf Straßenschildern kennen, deren Gesichter wir aber oft nicht kennen. Von da an folgten institutionelle Ausstellungen. Zu nennen sind unter anderem "E=MC215, dialogue entre Sciences et art" im Musée des Arts et Métiers im Jahr 2015, "Radium 215" im Musée Curie im Jahr 2016, "100 ans après..." im Jahr 2018 zum Gedenken an den 100. Jahrestag des Waffenstillstands des Ersten Weltkriegs und zur Ehrung seiner Kämpfer im Musée de la Légion d'honneur sowie "Illustres" im Panthéon im selben Jahr, wo er die dort ruhenden Schriftsteller, Wissenschaftler, Politiker, Künstler und Freidenker ehrte. Derzeit stellt C215 im Musée de l'Ordre de la Libération und im Invalidenviertel in Paris eine Reihe von Porträts im Rahmen der Ausstellung "Entre Ombre et Lumière, Portraits de compagnons de la Libération" (Zwischen Schatten und Licht, Porträts von Gefährten der Befreiung) aus (weitere Informationen zur Ausstellung auf Seite 4). Die Idee dahinter ist, der jüngeren Generation eine andere, zeitgemäße Art und Weise zu bieten, sich mit Geschichte und Kultur zu beschäftigen. Sie bietet einen leichter zugänglichen Zugang und hofft, den Wunsch zu wecken, mehr zu erfahren. 2019 ist er der erste französische Künstler, der der Street-Art-Bewegung angehört, der in die ständige Sammlung eines Museums aufgenommen wird. Es handelt sich um die Sammlung des Mamac in Nizza (Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain). Nach der Schändung der Porträts von Simone Veil auf den Briefkästen des Rathauses des XIII. Arrondissements von Paris wurde C215 nämlich aufgefordert, die Porträts der großen Dame aus Nizza auf zwei Briefkästen zu reproduzieren, um zu warnen und diesen Kampf gegen den Hass zu führen. Er bekennt sich dazu: Sein urbanes Werk soll zusammenführen und nicht spalten, sei es um ein Werk, eine Idee oder einen Wert herum. Er verbindet gerne die Vergangenheit mit der Gegenwart, indem er die Geschichte in einem zeitgenössischen urbanen Kontext und einer sehr aktuellen künstlerischen Technik, dem Graffiti, porträtiert. Von der Straße bis zur Institution zeichnet C215 einen verdienten Weg als erfolgreicher und engagierter Künstler.

165 EUR

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France - Abraham Ortelius, 1606 - 16TH CENTURY FRANCE "Gallia" [Gaul] Kupferstich, hergestellt von Baptista van Doetecum, erstmals veröffentlicht 1592 von Cornelisz. Claesz., dann von Johan Baptist Vrients, und in diesem Fall von Arbaham Ortelius im Jahr 1606 als Teil seines Atlas "Theatrum Orbis Terrarum" [Theater der Welt]. Mit originaler Handkolorierung. Rückseite: italienischer Text. Größe: 40 x 48,6 cm. Die Kartusche erwähnt, dass es sich um eine "geographische Beschreibung Galliens, neu überarbeitet an vielen Stellen und mit deutlichen Abgrenzungen der Grenzen der Regionen. Made by the authority of Petrus Plancius [who drew the map in 1592]. This land is bordered by the Rhine, the Alps, the Mediterranean Sea, the Pyrenees Mountains, the British and Germanic Aquitanian Ocean; the Romans commonly called it Gaul; within its limits are confined today: the most powerful Kingdom of the Franks, Savoy, the Counties of Burgundy, Helvetia, Alsace, Lorraine, Low Countries, and certain other regions.". Die Karte wurde zur Zeit der Religionskriege, einer Periode des Bürgerkriegs zwischen französischen Katholiken und Hugenotten, erstellt. Schätzungen zufolge starben zwischen zwei und vier Millionen Menschen durch Gewalt, Hunger oder Krankheiten, die direkt aus dem Konflikt resultierten. Abraham Ortelius (1527 - 1598) war ein Antwerpener Kartograph, Geograph und Kosmograph. Sein Theatrum Orbis Terrarum gilt als der erste moderne Atlas der Welt. Die Veröffentlichung seines Atlas im Jahr 1570 wird oft als offizieller Beginn des Goldenen Zeitalters der niederländischen Kartographie angesehen. Preis: Euro 1.750,-

1.750 EUR

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Plateau de scagliole, Italie XVIIe début XVIIIe siècle Dimensions : D 105 cm Très beau et grand plateau octogonal en scagliole. Contour en marbre et décor central d'un blason. Le blason composite comporte différentes représentations, cela pourrait donc évoquer une filiation entre plusieurs grandes familles. Cette réunion codifiée par des règles traduit le type d'union. Ici, la couronne sertie le surplombant et le manteau en hermine signifierait une appartenance royale. Les lances drapés sur chaque côté pourraient corréler avec une distinction honorifique. Décor que l'on retrouve dans le blason de Charle de Montmorency Damville. Probablement italien du XVIIIe siècle, ce blason écartelé au premier, à l'aigle bicéphale, le vol abaissé, couronné des deux têtes, est d'une illustre appartenance. L'aigle est, à cette époque, l'une des représentations les plus hautes en héraldique: souvent associé au Saint Empire. Il pourrait être attribué à la famille des Tocco de Céphalonie. En effet, les armoiries découvert sur la margelle d'un puits dans la forteresse médiévale d'Arta présente un blason qui a sénestre illustre un aigle bicéphale doublement couronné (relation à Byzance). Tel le notre, il se présente les ailes non déployées et le bec fermé, une couronne surplombant chaque tête. Cependant, à la différence du notre, il est d'or. D'autres armoiries, celles d'Enzo de Sardaigne pourrait, par similitude, correspondre également au notre. D'un aigle bicéphale, les ailes semis déployées, similaire par la simplicité de la représentation et sa couleur. Il ne porte pas les couronnes, cependant, Enzo de Sardaigne étant roi en 1238, il est incontestable que son blason fut modifié dans les siècles suivants par des alliances entre famille. La famille San Martino, de Sicile, possède un blason qui en deux points pourraient correspondre à celui du plateau scagliole. Le notre est écartelé à 4 d'azur, d'une fleur unique aux épines et à 2 d'azur, de deux fleurs du même. La représentation florale en héraldique n'est pas rare mais souvent à pétale seul. Une représentation à tige, moins courante pourrait s'apparenter à la famille San Martino Ramondetta qui présente " D'or, à la bande de gueules, accompagnée de deux roses du même, tigées et feuillées de sinople. " - Couronne princière. - Soutenu de l'aigle impérial, sable, le vol abaissé, couronné des deux têtes, tenant la bannière de Jérusalem avec la patte droite. (Sources: - Les armoiries de Sicile : c'est-à-dire la collection héraldique, pour Palizzolo Gravina, 1871-1875. - Encyclopédie héraldique et chevaleresque; Manuel nobiliaire, par Goffredo di Crollalanza, 1876-1877. ) En 1235, suite à un décret impérial de Frédérico II (du Saint-Empire), père d'Enzo de Sardaigne, La famille San Martino Ramondetta (venant d'une lignée noble) eu le privilège d'arborer “l'aigle impérial” dans son blason, celui ci tenant une bannière avec les armoiries de Jérusalem. Cela fait suite au grand acte de Raimondo S.(dont descend les San Martino), natif de Gascogne, seigneur de Miger et de Tourpes, qui était chevalier valeureux dans les guerres de la Terre Sainte Il fut le premier à escalader les murailles de la Ville Sainte pour y planter l'étendard des Chevaliers Croisés. Notre blason, écartelé au 3, d'un dextrochère de carnation tenant d'or une fleur à trois tiges. Cette représentation, bien qu'un peu différente, pourrait s'apparenter à la famille Desmarets. Enfin, la croix de Jérusalem, dit aussi croix de terre sainte, termine le blason dans la partie inférieure, sous le manteau en hermine. Travail italien du XVIIIe siècle .

Preis auf Anfrage

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Charles et Henri Beaubrun - Französische Schule des 17. Jahrhunderts, um 1645, Charles und Henri Beaubrun zugeschrieben. Seltenes Doppelporträt, das Ludwig XIV. und Philipp von Frankreich als Kinder darstellt. Der König von Frankreich ist hier etwa 7 Jahre alt und Philipp von Frankreich 5 Jahre. Ludwig XIV. wechselt im Alter von 7 Jahren offiziell zu den Männern und trägt daher Miniaturkleider, die der damaligen Männermode entsprechen, während Philipp ein Kleid trägt, ein kindliches Kleidungsstück, das unabhängig vom Geschlecht ist. Der zukünftige König von Frankreich wird wie folgt porträtiert: stehend, um drei Viertel gedreht, bekleidet mit einer Jacke aus bestickter Seide, Puffärmeln mit Rissen, einem Umlegekragen aus weißen Spitzen, einer Bluse, einem knielangen, flatternden, mit Spitzen verzierten Oberteil, Seidenstrümpfen und mit Spitzen verzierten Stiefelstrümpfen. Er trägt graue Trichterstiefel mit roten Absätzen, an denen goldene Sporen befestigt sind. Über seinem rechten Arm hängt sein scharlachroter Umhang, der mit Goldfäden bestickt und mit broschierter Seide gefüttert ist. Er hält seinen schwarzen Filzhut, der mit einer roten Schleife und einer breiten Straußenfeder geschmückt ist. Über der Schulter trägt er die blaue Schärpe und das Kreuz des Heilig-Geist-Ordens. Der feierliche Ausdruck in seinen Augen steht im Kontrast zu seinem Kindergesicht mit den vollen Wangen und der frischen Gesichtsfarbe, das von blondem lockigem Haar eingerahmt wird. Philipp zur Rechten ist in ein seidenes Gewand mit einer reich mit Spitzen verzierten Schürze gekleidet. Er trägt außerdem das blaue Band und das Kreuz des Heilig-Geist-Ordens. Er trägt entsprechend der Kindermode eine Mütze, die mit einer Straußenfeder verziert ist. Sein Gesicht wird von seinen dunkelbraunen Locken umrahmt. Louis taucht seine Hand in Philippes hochgezogene Schürze, die mit Blumen gefüllt ist. Diese Haltung zweier Brüder sowie die liebevolle Geste zeugen von der Nähe zweier Kinder, die der Maler durch das offizielle Porträt der Kronerben vermitteln wollte. Die Symbole der Monarchie: Die Krone und das Zepter liegen links von Ludwig auf dem Boden und bedeuten, dass er noch nicht das Alter erreicht hat, um sich krönen zu lassen. Ihre beiden Figuren sind vor dem Hintergrund eines breiten Vorhangs aus blauem Samt mit goldenen Fransen zu sehen, dessen kunstvoll konstruierte Falten die spiegelnden Reflexe des Stoffes zeigen. Der hochgezogene Vorhang gibt den Blick auf den fernen Horizont frei. Französische Schule des 17. Jahrhunderts, um 1645, Charles und Henri Beaubrun zugeschrieben. Öl auf Leinwand, Maße: h. 122 cm, l. 90 cm Bedeutender Rahmen aus vergoldetem und geschnitztem Holz aus der Zeit Ludwigs XIV. Maße gerahmt: h. 153 cm, l. 123 cm Dieses seltene Porträt gehört zu einer Reihe von Werken, die die Kindheit der beiden Prinzen illustrieren und die hauptsächlich von Anna von Österreich, der Mutter und Regentin, nach dem Tod Ludwigs XIII. in Auftrag gegeben wurden. Da sie ihren erbitterten Willen zum Ausdruck brachte, die Krone ihres Sohnes zu erhalten, nutzte sie die visuelle Kommunikation als souveränen Ausdruckskanal. Die Porträts dienen dazu, die königliche Macht zu stärken, die durch die Minderjährigkeit des jungen Ludwig XIV. geschwächt wurde. Die Förderung des Bildes Ludwigs XIV. selbst als Kind durch die Verbreitung seiner Porträts ermöglicht es, den Fortbestand der Monarchie zu festigen und die dynastische Permanenz zu gewährleisten. Die Anwesenheit eines zweiten Sohnes, Philippe d'Anjou, verstärkt noch die Stärke des königlichen Blutes und soll die Betrachter des Gemäldes beruhigen: Die Existenz eines zweiten Thronfolgers gleicht die Zerbrechlichkeit einer Monarchie aus, deren Zukunft nur von einem kaum siebenjährigen Kind abhängt. Wir haben es hier also mit einer Bestätigung von Kontinuität, Stabilität und dynastischer Legitimität zu tun. Verwandte Werke : 1. Eine Variante unseres Porträts wurde versteigert, Sotheby's, London, 31. Oktober 1990, Los 158 (Maße 134 x 98). 2. Anna von Österreich ist ihre Kinder, Schloss Versailles (MV 3369). 3. Ludwig XIV. und Philipp von Orleans, um 1642, Charles Beaubrun, Museo Sa Bassa Blanca, Mallorca, Spanien. 4. Anna von Österreich und ihre Söhne, Charles Beaubrun, um 1646, Nationalmuseum Stockholm Charles Beaubrun (1604-1692), Henri Beaubrun (1603-1677) Charles und Henri Beaubrun, die in ihrem Leben unzertrennlich sind, sind es auch in der Geschichte der französischen Malerei. Charles' Vater Mathieu de Beaubrun, ein Page des Kardinals von Joyeuse, wurde nach Rom geschickt, um seine Ausbildung zum Künstler zu vervollständigen und das Talent, das er seinem Sohn vererbt hatte, zu perfektionieren. Henri, dessen Vater ebenfalls Henri hieß, war Garderobendiener des Königs, was dem Sohn eine Stelle als Arkebusenhalter einbrachte. Ludwig XIII. erkannte die Leidenschaft des jungen Henri für die Malerei und nahm Interesse an seiner Ausbildung. Als Henri als Hofmaler an Popularität gewann, beteiligte er seinen Cousin Charles an neuen Aufträgen der Höflinge, und so begannen sie, gemeinsam an denselben Werken zu arbeiten, so dass es schwierig ist, die Hand des jeweiligen Malers zu unterscheiden. Die Cousins arbeiteten zwischen 1630 und 1675 zusammen, malten zahlreiche offizielle Porträts und spezialisierten sich auf königliche Porträts, indem sie unter Ludwig XIII. und Ludwig XIV. zu offiziellen Hofmalern ernannt wurden. In der Mitte des Jahrhunderts hatten sie großen Erfolg bei der Öffentlichkeit.

32.000 EUR

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Russia - Joan Blaeu, c. 1660 - 17th-CENTURY RUSSIA "Tabula Russiae...". Kupferstich von Russland mit Wappenkartusche, großem Insetplan von Moskau und kleinerer Insetansicht von Archangelsk. Veröffentlicht von Joan Blaeu in Amsterdam um 1660, als Teil einer lateinischen Ausgabe seines Atlas Maior. Von späterer Hand koloriert. Größe (Druck): ca. 43 x 55 cm. Der Atlas Maior war in seinen verschiedenen Ausgaben der größte Atlas, der je veröffentlicht wurde. Er war geradezu berühmt ("the greatest and finest atlas ever published" - Koeman) für seine Produktionswerte, seinen hohen typografischen Standard, die Qualität seiner Gravur, Ornamentierung, Bindung und Kolorierung. Blaeu's Atlas diente häufig als offizielles Geschenk der Niederländischen Republik an Prinzen und andere Autoritäten. Er ist einer der lavishsten und hochpreisigsten aller illustrierten Bücher des siebzehnten Jahrhunderts. Die Karten sind im Barockstil verschönert, und viele gehören zu den schönsten, die je angefertigt wurden. Diese Karte von Russland, ursprünglich Teil des Atlas Maior Band II, basiert auf Hessel Gerritsz' bedeutender Karte von Russland aus dem Jahr 1614, die er aus den von Isaac Massa zurückgebrachten Manuskripten zusammenstellte. Massa war ein wohlhabender niederländischer Getreidehändler und Gesandter nach Moskau während der Herrschaft von Boris Gudunow. Hessel Gerritsz wiederum war der erste exklusive Kartograph der niederländischen Ostindien-Kompanie und galt als einer der bedeutendsten niederländischen Kartographen des siebzehnten Jahrhunderts. Preis: €2.150,-

2.150 EUR

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Rime - Le Yo, 2014, Acryl und Filzstift auf amerikanischem Postfach von 1966,127 × 51 × 54 cm . Rime (a.k.a. Jersey Joe) ist von der Welt der Cartoons inspiriert und verbindet einen energischen Einsatz von Farbe mit einer Vielzahl von Details und sich ständig bewegenden Formen, wobei er sein eigenes Vokabular aus Kreaturen aus der Welt der Cartoons, Symbolen und zahlreichen Details hinzufügt. In seinen entfesselten Kompositionen entfaltet er eine kontrollierte Gewalt in der Beherrschung seiner Gesten und der Variationen, die er auf die Dicke seines Strichs oder seiner Pinselstriche anwendet. Er fügt ein persönliches Vokabular mit Tiersymbolen und Figuren aus seiner Fantasie hinzu, die er wie Hieroglyphen oder eine stilisierte Schrift auf der Leinwand platziert. Seine zweidimensionalen Werke scheinen aus der Wand zu kommen, sowohl durch die Bewegung der Linien und Formen, die sie strukturieren, als auch durch die Lichtquellen, die er in seinen Kompositionen entstehen lässt. Jede Leinwand ist voller Details, Figuren und Symbole, und das Auge kann immer wieder Fragmente von Geschichten entdecken, die man sich nicht vorstellen kann. Wie bei einem bekannten Lied, dessen Sinn sich plötzlich erschließt, kann man Rimes Werke mit der Zeit betrachten und sich mit ihnen anfreunden. "Hinter jeder Linie, jeder Markierung steckt in meiner Malerei eine Form von Energie, die auch auf unbewusste Weise spürbar bleibt. Das ist es, was ich zu schaffen versuche. Ich habe mich lange damit beschäftigt, hier in Paris während der ganzen Zeit der Gefangenschaft: Ich habe versucht, mein Wohlbefinden wiederzufinden, die Probleme und die Schwere der Vergangenheit zu überwinden, zu lernen, dem Leben gegenüber ein wenig respektvoller zu sein... Wenn mir das gelingt, spiegelt sich das in meiner Arbeit wider". Rime (aka Jersey Joe) wurde 1979 in Brooklyn, NYC, geboren und begann 1991 in Staten Island, NYC, mit Graffiti zu sprayen, später in Soho, Manhattan, und New Jersey. Im Jahr 2003 reiste er zwei Monate lang durch Europa und erlangte unter den Pseudonymen Rime und Jersey Joe internationale Anerkennung. Nach seiner Rückkehr begann er, seine Arbeit in Galerien zu präsentieren. 2005 verließ er die Ostküste, um sich in Los Angeles niederzulassen. Dort schloss er sich der Crew MSK - Mad Society Kings - an, die aus Künstlern wie Reyes, Revok, Saber, Pose, Trav oder dem Künstlerkollektiv The Seventh Letter bestand. Seit 2021 lebt und arbeitet er in Vernon im Département Eure.Rime zog im Juli 2019 für sechs Monate als Resident in die Galerie Wallworks in Paris ein, um eine Pariser Ausstellung vorzubereiten. Diese Residenz wurde vom Covid bis Januar 2021 verlängert. "RIME hat eine fast beispiellose Leichtigkeit und Kenntnis des gesamten Vokabulars der Beschriftungsstile der Graffiti-Kunst. Er kann Stücke in praktisch jedem Stil aus der 50-jährigen Geschichte des Graffiti malen: Diese scheinen immer neu zu sein, beziehen sich auf nichts Bekanntes und sind immer seine eigenen. Verspielt und von Figuren bevölkert, ist RIMEs Werk voller Farben und Bewegungen und - von einfach bis komplex, von soft bis extrem - er ist einer der wenigen, die im Graffiti wirklich alles können. (...). RIMEs neue Werke im Atelier sind ein Konzentrat an Dynamik, das die Pinselstriche und Locken in Szene setzt, die er im Straßengraffiti zu perfektionieren pflegte. Sie kombinieren seine Praxis der Sprühfarbe mit einem unglaublichen Muskelgedächtnis und der Beherrschung der Gesten. Seine Figuren aus der Welt der Cartoons - sein Markenzeichen - sprießen aus seinen Pinselstrichen hervor, die oft auf Augen oder Nasen reduziert sind. Wie bei jedem Graffitikünstler werden die Farben seiner Stücke im Freien aus allem zusammengesetzt, was sich in der Tasche befindet, die er an diesem Tag mit auf das Feld genommen hat, und das ergibt spontane Werke, die oft aus Dutzenden von Farben bestehen. Im Atelier ist die Auswahl geringer und seine Leinwände enthalten einige wenige, gut gewählte Farben, die brillant miteinander korrespondieren."- Caleb Neelon, "Beyond the Streets, Vandalism as Contemporary Art", 2019

4.400 EUR

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Manufacture de la Granja - Wunderschöner Kronleuchter aus Kristall, der der Kristallmanufaktur in La Granja, Spanien, 1880 zugeschrieben wird. H. : 120 cm; Durchm. : 125 cm Wunderschöner Kronleuchter aus geschliffenem Kristall mit drei Etagen, die durch Kronen mit Prismen-, Perlen- und Mirza-Dekor hervorgehoben werden. Die untere Ebene trägt zehn Lichtarme, die in Untertassen aus grün gefärbtem Kristall mit vergoldetem Pflanzendekor enden. Sie wird in der Mitte von einem balusterförmigen Schaft aus geschliffenem Kristall getragen, der mit Schalen aus grün gefärbtem Kristall verziert ist und von Innenleuchten beleuchtet wird. Ein Kronleuchter dieses Modells wird im Liria-Palast in Madrid aufbewahrt, der Residenz der Herzöge von Alba. Kommentar: Die Real Fábrica de Cristales de La Granja wurde 1727 auf Befehl des Bourbonenkönigs Philipp V. von Spanien in San Ildefonso gegründet, um unter anderem die Spiegel und das Eis für den Königspalast von La Granja zu liefern. In der königlichen Manufaktur arbeiteten zunächst französische (1746) und später deutsche und böhmische (1750) Glasmeister, die zu den qualifiziertesten in Europa im 18. Wie die Porzellanmanufaktur von Buen Retiro und die Tapisserie-Manufaktur von Santa Barbara trug auch die Kristallmanufaktur von La Granja zur Verbreitung der spanischen dekorativen Künste bei. Nach dem Spanischen Unabhängigkeitskrieg wurde die Manufaktur 1808 geschlossen, bevor sie 1815 unter der Herrschaft von Fernando VII. wiederbelebt wurde. Die Produktion wurde während des gesamten 19. Jahrhunderts fortgesetzt, von Privatunternehmern geleitet und nach Europa und Übersee exportiert. Um dieses Know-how zu würdigen, wurden 1982 eine Stiftung und ein Museum gegründet.

52.000 EUR

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Chontal - CHONTAL - Personnage‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎  ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎  Personnage debout - CHONTAL - GUERRERO - Mexique - 350 – 100 AV. J.-C. - Précolombien Hauteur : 30,1 cm Largeur : 11,1 cm Epaisseur : 6,4 cm Trachyandésite vert-gris porphyrique Documents (originaux) remis à l’acquéreur : - Certificat d’authenticité de la Galerie Mermoz, Santo Micali, Expert, (CNE) Compagnie Nationale des Experts - Certificat Art Loss Register - Passeport de libre circulation - Rapport de microanalyses - Facture Éloge de la simplicité, ce personnage debout stylisé est un très bel exemple du génie des artisans du Guerrero qui, avec une grande économie de moyens, sont parvenus à donner vie à des figures d’un modernisme achevé, empreintes, selon l’expression d’Alain Bosquet 1, de « cette géométrie du mystère ». Sculptée dans une roche verte, matière précieuse par excellence car apparentée symboliquement à l’eau et à la fertilité dans la pensée précolombienne, cette pièce faisait sans doute partie d’un groupe d’offrandes rituelles, suivant une coutume ancestrale, pleine d’espérances pour les ancêtres défunts, qui étaient censés, grâce au culte qui leur était ainsi rendu, poursuivre leur chemin au-delà de la mort et veiller depuis le monde des esprits sur les générations à venir. Le visage ne comporte que l’essentiel : des sourcils épais légèrement inclinés et un nez long et large, formant un T, caractéristique des œuvres de l’art Chontal. Comme murés dans la pierre, les yeux, les oreilles et la bouche sont inexistants, et pourtant, ce personnage impassible est bel et bien présent, sous l’effet d’un subtil jeu d’ombres et de lumières, créant sous les arcades sourcilières, un regard profond et intériorisé. Là est son pouvoir et sa force d’attraction.   De profil, on observe que la tête penche vers l’avant et que la partie supérieure est bombée. De part et d’autre du nez, les larges joues tombent en pente douce jusqu’au bas du visage, en arc de cercle. La tête est

Preis auf Anfrage

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Sente - Ohne Titel (Gare de l'Est), 2022, Sprühfarbe und Filzstift auf emaillierter Platte der Pariser Metro, 37 x 210 cm Customized urban furniture and graffitied and reinterpreted objects of public transportation have been invading the underground space of the Wallworks gallery for the exceptional exhibition "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Der Zugang erfolgt über eine Treppe, die mit Tags und Graffiti bedeckt ist. Die Künstler haben sich aller Arten von Elementen der Stadt und des öffentlichen Verkehrs bemächtigt: Telefonzellen, Ampeln, Straßenlaternen, Emailleschilder, eiserne Vorhänge, Briefkästen, Schilder der U-Bahnen von Paris, Moskau und New York, Kuhköpfe von Bushaltestellen, Straßen- und Eisenbahnschilder, SNCF-Waschbecken, Sitze der RATP und andere Autoersatzteile... Sieben noch unberührte Ausstellungsstücke - darunter das ikonische M aus gelbem Plastik, emaillierte Schilder und eine U-Bahn-Tür - sollen von neuen Künstlern angepasst und in künftigen Kunstperformances fertiggestellt werden.Aus der Graffiti-Bewegung oder der urbanen Kunst kommend, erwecken 36 amerikanische, europäische, südasiatische und russische Künstler all diese Alltagsgegenstände in einem großen, farbenfrohen Graffiti-Basar zu neuem Leben. Diese neue Gruppenshow knüpft an das Prinzip früherer Gruppenausstellungen mit rund 50 Street Artists an - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) und "Dehors Dedans" (2016) -, für das Claude Kunetz ein Geheimnis hat. Er adaptiert das Know-how aus seinem ursprünglichen Beruf als Filmproduzent für den Ausstellungsaufbau, indem er Vintage-Stadtmobiliar aufspürt und es Künstlern anvertraut, damit diese es individuell gestalten. Das ikonische gelbe Plastik-M - mit Neonlicht hinterleuchtet - und die emaillierten Eisenschilder der Metro sowie die runden Sitze "A Kiko", die laut ihren Designern und Konstrukteuren ursprünglich als "resistent gegen Verbrennungen, Kratzer, Graffiti (sic) und mechanische Beanspruchung" konzipiert waren, wurden kürzlich bei einer Auktion der RATP zugunsten von Recueil Social erworben und werden ab der Vernissage in ihrer ursprünglichen Form präsentiert. Anschließend werden sie neuen Künstlern anvertraut, die sie anpassen und ihnen in künstlerischen Performances während der gesamten Ausstellung den letzten Schliff geben. Neben einigen älteren Stücken aus früheren Ausstellungen vervollständigen zwei große Emailleschilder mit den Namen der Stationen Trocadéro und Strasbourg Saint-Denis, die von COLORZ bzw. PSYCKOZE gestaltet wurden, diese Reihe von Elementen der öffentlichen Verkehrsmittel und des Stadtmobiliars, die alle frei und künstlerisch neu interpretiert wurden.

1.900 EUR

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Erik Buch (1923-1973) & Heltborg Møbler - Barschrank aus Palisanderholz mit zwei Glasschiebetüren, die zu Regalen führen, von denen eines mit zwei Eiswürfelhaltern ausgestattet ist, die durch eine Reihe von acht Flaschenkästen getrennt sind. Oberseite schwarz lackiert. Verlagsetikett auf der Innenseite. Um 1960. Maße: H: 110 cm x T: 40 cm x B: 115 cm. Abnutzungen, kleine Mängel. Biografie: Der dänische Industriedesigner Erik Buch (ausgesprochen "Buck") wurde 1923 in Kopenhagen geboren. Wie viele seiner dänischen Zeitgenossen kombinierte Buch Stoff und Leder mit reich gemaserten Hölzern wie poliertem Teakholz, Eiche und Palisander. Seinen ersten Erfolg feierte Buch mit dem Stuhl Modell 49 (1949). Der Stuhl, der in den Stilen geschnitzt und Esszimmer produziert wurde, beinhaltet eine geschwungene, "schwebende" Sitzfläche und eine klassisch moderne skandinavische Ästhetik. Der Barhocker Modell 61 (1961) ist vielleicht sein berühmtester Entwurf und hat eine typisch skandinavische Basis und organisch geschnitzte Linien. Viele von Buchs Arbeiten wurden nach dem Jahr benannt, in dem sie entworfen wurden, insbesondere jene, die von der Tischlerei und Möbelfirma Oddense Maskinsnedkeri produziert wurden. Oddense wurde Ende der 1960er oder Anfang der 1970er Jahre in O.D. Møbler umbenannt, was sich auch auf den Etiketten der späteren Produktionen von Modell 61 wiederfindet. Weitere Arbeiten von Buch sind der Captain's Chair (1955) für Ørum Møbler, der Esszimmerstuhl Modell 310 für Chr. Christiansen (1960er Jahre) und ein T-förmiger Barhocker aus Palisanderholz für Dyrlund (1960er Jahre).

3.000 EUR

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Manufacture d'Aubusson - Tapisserie d'Aubusson "Le Banquet de Cléopâtre" France XVIIIe siècle Hauteur : 290 cm ; Largeur : 350 cm Importante tapisserie illustrant le Banquet de Cléopâtre, scène tirée de l’Histoire des amours de Marc-Antoine et Cléopâtre. Cléopâtre et Marc-Antoine, richement vêtus, assistent à un banquet opulent dans un jardin, entourés de soldats et de serviteurs. Cléopâtre s’apprête à dissoudre une perle dans le verre de Marc-Antoine. Une élégante bordure abondamment ornée de fleurs et de feuillages encadre la scène. Cet épisode, raconté par Pline dans son Histoire Naturelle (extrait du livre IX : Cléopâtre et les perles), illustre le faste et les excès des banquets organisés par Cléopâtre. Se vantant de pouvoir dépenser en un seul dîner dix millions de sesterces pour impressionner son hôte, elle dissout dans du vinaigre l’une de ses boucles d’oreilles constituée des plus grosses perles jumelles au monde. Marc-Antoine doit alors s’incliner. Ce thème a fait l’objet de nombreux tissages au cours des siècles dans différentes manufactures, d’après les cartons d’Isaac Moillon (1614-1673), Karl Mander II (1579-1623), Juste d’Egmont (1601-1674) ou encore Charles Person (1609-1667). Une tapisserie permettait de décorer richement une demeure et de garder la chaleur à l’intérieur d’une pièce en coupant le rayonnement froid des pierres. Elle pouvait se démonter facilement et rapidement pour être transportée dans une autre demeure. D’un décor de millefleurs au début de l’art de la tapisserie, les lissiers sont parvenus à augmenter les surfaces tissées permettant ainsi le déroulement narratif d’une histoire (récits bibliques, mythologiques ou littéraires) par le biais de tentures, ensemble de tapisseries sur un même sujet.

24.500 EUR

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Porcelaine de Paris - Paar Vasen mit Blumendekor, Manufacture de Porcelaine de Paris Frankreich Circa 1880 Porzellan AS-Marke des Zeichners auf dem Boden der Vase Höhe: 58 cm; Durchmesser: 27 cm Ein schönes Paar balusterförmiger Vasen aus weißem Porzellan, die auf allen vier Seiten reich mit schönen mehrfarbigen Blumenkompositionen dekoriert sind, die von goldenen Porzellanhenkeln eingerahmt werden, aus denen Trauben herabfallen. Die Vasen sind am Hals und an den Füßen mit Blumenkränzen verziert. Die Porzellanmanufaktur von Paris Paris, die Hauptstadt der Kunst, der Mode und des Luxus, konnte, als im 18. Jahrhundert um 1765 in Saint-Yrieix-la-Perche in der Nähe von Limoges Kaolin entdeckt wurde, nicht umhin, ein Porzellan von hohem Ansehen herzustellen. Das Pariser Porzellan, allgemein als "Vieux Paris" bekannt, ist ein reinweißes, milchiges, hochglänzendes Hartporzellan, das mit Farbe und sehr oft mit Gold verziert ist. In Paris gab es Porzellanfabriken, die ein sehr hohes Niveau hatten und ihre eigenen Markenzeichen trugen. In den Hinterzimmern der Geschäfte wurden jedoch vor allem die in der Gegend von Limoges gebrannten Weißwaren dekoriert. Ohne Marke haben diese Weißen oft Buchstaben oder Zahlen, die mit Emaille überzogen sind. Dabei handelt es sich nicht um das Zeichen eines Dekorateurs oder einer Fabrik. Es ist ganz einfach ein Zeichen, das der Arbeiter vor dem Brennen machte, um seine Arbeit zu erkennen und sich die so hergestellten Stücke regulieren zu lassen. Bibliografie - Faïence et Porcelaine de Paris XVIIIe-XIXe siècles, Régine de Plinval de Guillebon, Editions Faton, 1995. - La Porcelaine Française, Claude Dauguet und Dorothée Guilleme - Brulon, Editions Ch. Massin

12.500 EUR

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Paar Parfümbrenner aus Cloisonné-Emaille China Anfang des 19. Jahrhunderts Cloisonné-Emaille, Vergoldete Bronze Höhe: 29 cm; Durchmesser: 18 cm Seltenes Paar chinesischer Töpfe aus polychromem Cloisonné-Email mit vergoldeter Bronzefassung. Der Bauch ist mit geometrischen Trennwänden und Ornamenten mit Blumen und Schmetterlingen bedeckt und steht auf einem dreibeinigen Sockel mit Elefantenköpfen. Gekrönt wird das Ganze von einem Deckel aus vergoldeter Bronze mit einem Ying-Long-Drachen im Hochrelief, der auf einem Ring ruht und dessen Henkel von Jiao-Long-Drachen gebildet werden. Kleine Fehler in der Emaille, Abnutzung. Bitte beachten Sie die Fotografien. Kommentar: Die Technik der Cloisonné-Emails wurde Anfang des 15. Jahrhunderts in China eingeführt und weiterentwickelt. Sie besteht darin, dass auf einem Bronzekern Trennwände angebracht werden, um Waben zu bilden, in denen die Emails aufgetragen werden. Nach dem Brennen der Emails und dem Schleifen werden die Bronzeteile vergoldet. Die ersten chinesischen Cloisonné-Glasuren der Ming-Dynastie (Ming-Dynastie ?? 1368-1644) waren kaiserliche Auftragsarbeiten für den tibetanischen Kult. Die Farben der Glasuren - türkisblau und lapislazuliblau, schwarz, weiß und grün - sind kräftig. Jahrhundert wird die Farbpalette von Rosa bis Violett, Hellbraun und nuancierten Grüntönen erweitert, und die Pflanzen- und Tierdarstellungen spiegeln den taoistischen Einfluss wider. Es gibt Gebrauchs- und Dekorationsgegenstände aus Cloisonné-Emaille und vergoldeter Bronze: Vasen in den Formen Yenyen, Hu, Gu, Zun, Doppelkrug, Becken, Parfümbrenner, Aquarien, Möbel (Tische, Paravents und Schirme) Platten, Schalen, Teller und sogar Tierdarstellungen. Im 18. Jahrhundert ermöglichten neue Techniken die Herstellung immer größerer und detailgenauerer Gegenstände. Jahrhundert brachten die französischen Truppen unter Napoleon III. nach der englisch-französischen Militärkampagne gegen die kaiserliche Armee in China im Jahr 1860 einen Teil des Schatzes des chinesischen Kaiserhofs aus dem Sommerpalast mit und gründeten 1863 das berühmte Musée Chinois de l'impératrice Eugénie im Palast von Fontainebleau. Die chinesischen Cloisonnés lösten in Europa eine beispiellose Begeisterung aus.

3.200 EUR