Die Werke der Galerien

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Europe, WWI propaganda map - Fritz Elsner, 1914 - CARTE DE PROPAGANDE DE L'EUROPE DE LA PREMIÈRE GUERRE "Karikatur des deutschen Kriegsschauplatzes" [Charicature du théâtre de guerre allemand]. Lithographie en couleurs réalisée par Fritz Elsner en 1914, publiée à Cologne par F. Klotz et G. Cremer. Avec le cachet de collection d'un certain H.J. Francken d'Arnhem (NL). Tandis que les soldats de la Première Guerre mondiale se battaient sur différents fronts à travers l'Europe, les artistes et les services gouvernementaux sur le front intérieur se livraient à leur propre bataille de propagande par le biais d'affiches, de cartes postales et de souvenirs patriotiques. Les cartes comportant des éléments de propagande étaient très populaires. Elles étaient destinées à convaincre le public des mauvaises tendances d'un ennemi ou du fait qu'un conflit pouvait être gagné et valait la peine d'être sacrifié. Pendant la guerre, des deux côtés du front, elles ont été distribuées comme matériel d'agitation pour tenter d'élever l'esprit de combat des soldats et de la population à la maison. Elles étaient généralement vendues séparément et, comme c'est le cas ici, parfois montées sur du lin pour être renforcées. Le texte allemand situé sous la carte explique de manière peu subtile les différentes nations présentes sur ce théâtre de guerre [veuillez pardonner au traducteur de ne pas avoir trouvé de mots qui riment] : L'Allemagne : Allez-y ! Beaucoup d'ennemis, beaucoup d'honneur ! La France : Qu'est-ce que tu crois, espèce de coq préromain, Qui a commencé avec une poitrine pleine de haine, Tu voulais dévorer l'Allemagne, Pas moyen que tu réussisses ! Belgique : Pays stupide, tu aurais dû te décider plus tôt, Tu aurais dû faire de la place aux Allemands, Comme les choses seraient différentes pour toi maintenant, Tu aurais économisé beaucoup de sang et d'argent. La Russie : Vous pensiez mettre à sac ces guerriers allemands, Mais au lieu de cela, l'ours russe est battu avec un coin, de plus en plus. Angleterre : Garçon à la double langue, Tu voulais te cacher, Zeppelin va te réveiller. Serbie : Toi, l'origine de cette conspiration, La vague allemande ne t'épargnera pas, Horrible misérable, Souviens-toi de cela et n'oublie pas, Toi et tous les autres voleurs de moutons, Cela te coûtera des coups de fouet allemands. Le prix : Euro 975,-

975 EUR

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Grand Théâtre de l'Exposition - Jules Chéret, 1895-1900 - "Grand Théâtre de l'Exposition", lithographie en couleurs dessinée par Jules Chéret, publiée par l'imprimerie Chaix entre 1895 et 1900 pour ses "Maîtres de l'Affiche : publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers". Format (papier) : 40 x 29 cm. L'Exposition universelle de 1889 à Paris consacre un palais entier aux enfants (et à leurs parents) conçu par Emile Ulmann, qui en fait "une merveille d'élégance et d'ingéniosité". Au centre du Palais des enfants, une grande salle pouvait accueillir 800 personnes assises, plus celles qui se tenaient debout dans les allées. À l'extrémité de cette salle, une très grande scène est aménagée pour accueillir toutes sortes d'exhibitions, des acrobates, des spectacles divers comme les Folies-Bergère, et d'autres représentations théâtrales ; c'est le Grand Théâtre de l'Exposition. La série des Maîtres de l'Affiche est le résultat direct de l'intérêt international pour les affiches et les affichistes qui a atteint son apogée au milieu des années 1890 en Europe et en Amérique. Les chefs-d'œuvre d'artistes tels que Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec et Alphonse Mucha ont transformé les publicités commerciales en une forme d'art estimée, digne de l'adoration du public et de la recherche scientifique. Avec la vague de revues, de livres et d'expositions d'affiches de la décennie est apparu un désir sérieux de collectionner les œuvres d'art pour le plaisir personnel et l'étude - mais la taille même des affiches rendait le stockage difficile et souvent impossible. C'est de ce dilemme qu'est née la série "Maitres de l'Affiche". En offrant aux abonnés des réductions sur les affiches les plus importantes de l'époque, les collectionneurs et les amateurs ont pu constituer des archives miniatures d'affiches du monde entier. La série complète des Maitres de l'Affiche comprenait 256 planches lithographiques miniatures produites par des experts et représentant le meilleur de la Belle Époque. Pendant ses cinq années d'existence, de fin 1895 à 1900, la série a connu un énorme succès et continue d'être populaire aujourd'hui, offrant aux experts comme aux novices un aperçu pratique et éblouissant de certaines des plus belles réalisations dans le domaine de l'art de l'affiche. Il n'est pas surprenant que l'exquise collection des Maîtres de l'Affiche ait été conçue par Jules Chéret, inventeur du procédé lithographique à trois pierres et quasi-fondateur de l'affiche moderne. Dès les années 1860, les magnifiques créations de Chéret ont apporté élégance et couleur au paysage urbain de Paris et ont rapidement généré une industrie internationale. En 1866, Chéret ouvre sa propre imprimerie, qui deviendra par la suite une succursale de la grande maison d'édition française Imprimerie Chaix. Son rôle de directeur artistique chez Chaix fournit à Chéret la plate-forme et les ressources nécessaires pour lancer la série des Maitres. Les quatre premières planches paraissent en décembre 1895 et présentent des affiches de Chéret, Toulouse-Lautrec, Julius Price et Dudley Hardy. La série se poursuivra pendant soixante mois au total, jusqu'en novembre 1900, marquant véritablement l'apogée de l'engouement pour les affiches. Au final, il y aura 240 planches normales et 16 planches bonus. La série des Maîtres de l'Affiche fonctionnait un peu comme un magazine contemporain. L'amateur d'affiches avait la possibilité d'acheter les quatre planches du mois auprès d'un marchand spécialisé ou de s'abonner à la série pour une durée d'un an. En France, un abonnement d'un an coûte 27,- francs, ce qui équivaut à environ cinq à dix affiches originales en taille réelle de la série Maitres. La première planche de chaque mois est une affiche de Chéret lui-même, ce qui en fait l'artiste le plus représenté dans la série. En effet, les 60 planches régulières et les sept planches bonus de Chéret représentent près de 25 % de l'ensemble de la collection. Au total, 97 artistes du monde entier sont représentés dans la série des Maîtres de l'Affiche, dont plus de la moitié sont français. En revanche, seuls quatre artistes viennent d'Italie, six d'Allemagne et huit d'Angleterre. La collection présente un large éventail de styles populaires, dont l'Art nouveau classique d'Alphonse Mucha et de Privat Livemont, les illustrations d'Edward Penfield et d'Adolphe Willette, et les qualités graphiques de Toulouse-Lautrec et de Pierre Bonnard. Les affiches originales de grand format et les estampes des Maitres qu'elles ont inspirées n'ont jamais été considérées comme concurrentes, mais plutôt comme deux entités entièrement différentes. Alors que les affiches étaient grandes et audacieuses, les estampes étaient appréciées pour leur taille et leurs détails exquis. En outre, les affiches étaient souvent imprimées sur du papier journal bon marché en raison de leur courte durée de vie. Les estampes, quant à elles, étaient réalisées sur

375 EUR

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Alphonse Giroux - Paire de Vases en émail cloisonné attribués à A. Giroux France Circa 1860 Email, Bronze patiné et doré Hauteur : 34,5 cm ; Largeur : 14,5 cm Paire de vases de forme carrés à col évasé en émail cloisonné à décor sur la panse de lambrequins fleuris à motifs orientalisants sur fond géométrique bleu et doré. La monture en bronze patiné et doré se compose d’une frise ajourée sur le col, de prises latérales à tête chien de Fô formant les anses ; le tout reposant sur quatre pieds en forme de tête d’éléphant. Biographie : Alphonse Giroux et Cie, célèbre magasin de tabletterie et de curiosités situé à Paris, 7 rue du Coq-Saint-Honoré, dont l’activité s’étend du Consulat à la fin du Second Empire. Cette entreprise est créée par François-Simon-Alphonse, puis dirigée à partir de 1838 par ses deux fils Alphonse-Gustave (1810-1886) et André (1801-1879). C’est à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1834, que la maison Giroux, spécialisée dans la fabrication d’objets raffinés, obtient une médaille d’argent. Louis XVIII, puis Charles X se fournissent en cadeaux chez Giroux pour « les Enfants de France ». Exécutant peu à peu des petits meubles, ils apparaissent pour la première fois en 1837 sous la rubrique « Ebénistes » dans l’Almanach de Paris. Cependant, c’est Alphonse-Gustave qui donne véritablement de l’expansion à leur activité, comme en témoigne le rapport du jury de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1839, le récompensant d’une Médaille d’argent. Il figure alors au 1er rang des commerces de luxe. A. Giroux participe à l’Exposition Universelle de Paris en 1855, où il présente un bonheur-du-jour en tilleul, sculpté d’un décor naturaliste luxuriant, et que l’impératrice Eugénie achète pour son palais de Compiègne. A. Giroux transfère en 1857 sa boutique 43, boulevard des Capucines et y exerce jusqu’en 1867, date à laquelle il cède sa maison et son enseigne à son cousin Ferdinand Duvinage et Harinkouck.

7.800 EUR

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The Baptism - Frederik Hendrik Kaemmerer, 1879 - "Un babtême sous le Directoire", photogravure réalisée par Goupil & Co. d'après le tableau de Frederik Hendrik Kaemmerer, publiée par M. Knoedler & Co. en 1879, avec coloriage original à la main. Taille (paltemark) : 69,2 x 46,6 cm. Nous voyons un jeune couple pendant le Directoire, la période qui a suivi la Révolution française entre 1795 et 1799. Ils sortent de l'église tandis que la mère tient l'enfant nouvellement baptisé en robe de baptême, elle le regarde avec tendresse, le père (coiffé d'un bicorne) semble encore mal à l'aise. La jeune femme à la droite de la mère la regarde avec admiration. Derrière eux, un groupe d'invités bien habillés a été convié à la cérémonie. Les scènes classiques comme celle-ci renvoient à l'époque de la fin du XVIIIe siècle. La société parisienne y est représentée dans toute sa frivolité, avec ses robes élégantes et ses costumes extravagants. Elles étaient très prisées par les riches collectionneurs américains et européens de l'époque. Kaemmerer a rassemblé une impressionnante collection de robes et d'accessoires d'époque du XVIIIe siècle, qu'il a utilisés comme accessoires pour ses peintures. Avec le soutien et les encouragements du marchand d'art Goupil, Kaemmerer est devenu l'un des peintres de costumes les plus célèbres de l'époque à Paris. Frederik Hendrik Kaemmerer (1839-1902) grandit à La Haye. Il étudie à l'Académie royale des arts et est l'élève de Salomon Verveer, qui le forme à la tradition romantique. En 1865, Kaemmerer quitte La Haye pour Paris, attiré par les innovations artistiques qui s'y produisent. Il reçoit une formation classique à l'Académie des Beaux-Arts. Il étudie avec Jean-Léon Gérôme et passe à l'académisme, tout en conservant des racines romantiques. Pendant un certain temps, il se spécialise dans les œuvres de genre dans un cadre français du dix-huitième siècle. Il réussit à peindre des dames élégantes dans des robes de soie frivoles avec des nœuds et des rubans, accompagnées d'hommes courtois portant des bicornes sur la tête. En 1870, il expose pour la première fois au Salon de Paris et obtient une médaille en 1874. Kaemmerer possède un atelier à Paris, mais fait régulièrement des allers-retours à La Haye tout au long de sa vie. Il est productif, plus tard dans un style impressionniste, vend bien et expose avec succès, à Paris mais aussi aux Pays-Bas, notamment à Arnhem en 1893. En 1889, il remporte une médaille d'argent à l'exposition universelle de Paris. En 1902, il est intronisé dans la prestigieuse Légion d'honneur. Prix de vente : Euro 350,-

350 EUR

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Romain Thiery - Romain Thiery, Requiem für Klaviere Nr. 33, 2017, Fotografie, 50 x 70 x 4 cm, Signiertes Werk Romain Thiery, 1988 in Bergerac geboren, ist ein Fotokünstler, der in der Nähe von Montpellier lebt und arbeitet. Romain ist ein Hobby-Pianist, der vor mehr als 15 Jahren aufgrund der Arbeit seiner Mutter, die auf Heimatfotografie spezialisiert ist, mit der Fotografie begann. Romain Thiery ist der Ansicht, dass das Klavier tief in den Tiefen unserer Kultur verwurzelt ist, und hat versucht, das Instrument aus einem originellen Blickwinkel zu erforschen. Er machte es sich zur Aufgabe, seine beiden größten Leidenschaften miteinander zu verbinden, und machte sich auf die Suche nach Gebäuden, in denen alte Klaviere verwahrlosen. Seit 2014 hat er über hundert Klaviere entdeckt, an ebenso vielen Orten von blendender Schönheit. Szenen, an denen er nie etwas verändert und den Ort so belässt, wie er ist. " Selbst in der Mitte eines n einem heruntergekommenen Raum behält das Klavier immer seine Kraft. Es ist da, es thront mit all seiner Noblesse". Neben seiner fotografischen Arbeit nimmt Romain, wenn möglich, vor Ort alle Klänge der Klaviere, die er entdeckt, Note für Note auf. Daraus entsteht eine Sammlung virtueller Instrumente, die er der Öffentlichkeit online und bei seinen Ausstellungen zur Verfügung stellt. Diese Methode ermöglicht es ihm, ein realistisches Klangmodell zu erstellen, den Klang dieser Klaviere zu verewigen und ihre Identitäten einzufangen. Diese Sample-Bibliotheken werden den verlassenen und manchmal schwer zugänglichen Klavieren ein zweites Leben geben, indem sie Hunderten von Musikern auf der ganzen Welt die Möglichkeit bieten, sie zum Klingen zu bringen. Diese Suche führte ihń in weite Teile Europas sowie in die Vereinigten Staaten. Die aus seinen Werken hervorgegangene Serie trägt den Titel Requiem po ur pianos und hat seinen Bekanntheitsgrad auf internationaler Ebene gesteigert. In den letzten Jahren hat er bei verschiedenen internationalen Fotowettbewerben große Preise für Fotografie gewonnen. Seine Einzel- und Gruppenausstellungen waren in Nordamerika, Europa und Asien zu sehen. Seine Fotografien wurden in Galerien und auf Festivals in New York, San Francisco, St. Petersburg, Tokio, Seoul, Paris, Madrid, Tel Aviv und vielen anderen Orten ausgestellt. Die renommiertesten Pressetitel haben seine Arbeit bereits gewürdigt oder auf ihren Seiten behandelt, wie El País, Der Spiegel, The Guardian, Daily Mail, Lonely Planet, Cultura Inquieta, Point de vue, Esquire, Beijing News... und in TV-Reportagen bei M6 (Frankreich), DW (Deutschland), Channel Cuatro (Spanien), TV5 Monde (Frankreich) und I24 News (Frankreich und Israel).

3.500 EUR

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Henri Privat-Livemont - Rosen - Henri Privat-Livemont, c. 1900. Roses Variées" aus "Quatre Planches Fleurs Décoratives - Série 253", Farblithografie, gezeichnet von Henri Privat-Livemont. Veröffentlicht um 1900 von Clément, Tournier & Co. in Genf. Maße: 54,5 x 25 cm. Vor etwa 50 Millionen Jahren wurden die ersten Rosen Amerikas im heutigen Colorado entdeckt. Es wird angenommen, dass Rosen in vielen alten Zivilisationen der gemäßigten Breiten vor mindestens 5000 Jahren kultiviert wurden. Es ist bekannt, dass sie im antiken Babylon angebaut wurden. In ägyptischen Pyramidengräbern aus dem 14. Jahrhundert v. Chr. wurden Rosenmalereien entdeckt. Es ist bekannt, dass sie in chinesischen und griechischen Gärten seit mindestens 500 Jahren vor Christus angebaut wurden. Die wichtige Züchtung der Neuzeit begann langsam in Europa, etwa ab dem 17. Jahrhundert. Jahrhundert. Sie wurde durch die Einführung neuer Arten gefördert, insbesondere durch die Einführung der chinesischen Rose in Europa im 19. Jahrhunderts spielte Kaiserin Josephine von Frankreich eine wichtige Rolle, die die Entwicklung der Rosenzüchtung in ihren Gärten in Malmaison förderte. Henri Privat-Livemont (1861-1936) war ein Jugendstilkünstler aus Schaerbeek in Brüssel (Belgien). Von 1883 bis 1889 arbeitete und studierte er in den Ateliers von Lemaire, Lavastre und Duvignaud. Mit Lemaire gestaltete er das Bühnenbild des Théâtre Français sowie des Hôtel de Ville in Paris. Anschließend kehrte er nach Brüssel zurück, wo er an Theatern und Kasinos arbeitete. Preis: Euro 1.350,- (inkl. Rahmen)

1.350 EUR

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L'ATLAS - Leinwand "Passin Me By" Technik: Acryl und Spraydose auf Leinwand. Format: 100 x 60 cm Wird gerahmt in einer schwarzen amerikanischen Kiste verkauft. Jahr der Fertigstellung: 2021 Die Galerie At Down steht Ihnen für weitere Informationen über den Erwerb dieses Kunstwerks zur Verfügung. DER ATLAS Geboren 1978 Lebt und arbeitet in Paris, Frankreich 48° 51' 23.8104" N, 2° 21' 7.9992" E L'Atlas beginnt in den 90er Jahren mit Graffiti. Fasziniert von der Arbeit mit Linien und Schrift, geht er nach Marokko, Ägypten und Syrien, um die traditionelle arabische Kalligraphie zu studieren. Er interessiert sich besonders für die Koufi, eine geometrische Schrift, deren Codes er in das lateinische Alphabet überträgt und so seine eigene Typografie erschafft. Atlas experimentiert mit verschiedenen Medien wie Fotografie, Malerei und Video. Nachdem er eine Zeit lang im Filmgeschäft gearbeitet hatte, wo er die traditionellen Montagetechniken erlernte und einige Dokumentarfilme drehte, entwickelte er ein Bilduniversum, in dem jeder Buchstabe als Form und jede Form als Buchstabe betrachtet wird. Nach und nach erscheint ihm die Stadt selbst mit Zeichen beladen, deren fast abstrakte Spuren er mit einem Abdrucksystem sammelt. Akribischer Künstler auf der Suche nach einer gewissen Reinheit, sowohl in der Form als auch in der sparsamen Verwendung von Farben. Das östliche Denken, demzufolge Dualität eine Quelle der Komplementarität ist, nimmt in seinem Leben und in seiner Kunst einen wichtigen Platz ein. Daraus schöpft er den Kern seines künstlerischen Ansatzes. In der Tat lässt sich in einem Großteil seiner Kompositionen eine wiederkehrende Dichotomie zwischen Schwarz und Weiß beobachten. Er wird oft mit der italienischen Protestbewegung der späten 1960er Jahre, der Arte Povera, verglichen. Meist verzichtet er auf eine schwere Ausrüstung, die ihn von der Wirtschaft und den kulturellen Institutionen abhängig machen könnte. Er legt großen Wert auf den Prozess, genauer gesagt auf die kreative Geste Seine Arbeit mit Logos und Kalligraphie führt ihn zu anderen Formen der Intervention auf der Straße. Zusammen mit Zevs wird er zu einer Figur der Post-Graffiti-Strömung und entwirft eine Reihe von städtischen Interventionen wie das Zeichnen von Stadtkompassen, darunter einer gegenüber dem Centre Georges Pompidou, der manchmal mit dem Gaffer, einem seiner bevorzugten Werkzeuge, ausgeführt wird. Eine andere seiner Techniken besteht darin, durch Berührung Abdrücke von Kanaldeckeln zu nehmen. L'Atlas' Werk soll versöhnlich wirken, zwischen Stadt und Mensch, Außen und Innen. Mit der Zeit entwickelt sich seine künstlerische Praxis parallel zu seiner Präsenz auf der Straße hin zur Konzeption von Werken, die der Zeit widerstehen und sich ganz natürlich einschreiben, so wie sich Plakate oder Kompasse mit Klebeband in die Stadt einschreiben, an geeigneten Ausstellungsorten, ohne dabei den streitbaren und subversiven Geist zu verlieren, der sie kennzeichnet.

6.200 EUR

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François Honoré Georges Jacob Desmalter - Ein Paar Königskonsolen aus Mahagoni, geliefert für König Louis-Philippe im Schloss Neuilly, von François Honoré Georges JACOB-DESMALTER, Paris, 1813-1825. Mahagoni und Mahagonifurnier. Stempel ".IACOB", verwendet von 1813 bis 1825, von François Honoré Georges Jacob-Desmalter (1770-1841). Eisenmarken LP / N unter Königskrone und Inventarnummern 18611 und 18612. H. 98 x B. 82 x T. 40 cm. Provenienz Louis-Philippe d'Orléans, Herzog von Orléans und später König der Franzosen, im Schloss Neuilly. Historischer Hintergrund Das Schloss Neuilly gehörte 1648 dem Marquis de Nointel und wurde 1751 vom Architekten Cartaud für den Kanzler d'Argenson umgebaut. Nach seinem Tod ging das Schloss an Madame de Montesson, die morganatische Ehefrau von Louis-Philippe le Gros, Herzog von Orléans (1725-1785), dem Großvater des späteren Königs Louis-Philippe, über. 1804 kaufte Murat, der bereits Eigentümer des Schlosses Villiers war, das benachbarte Schloss Neuilly und vereinigte beide Schlösser. Murat wurde König von Neapel und das Schloss fiel wieder an die Krone zurück. Napoleon schenkte Neuilly seiner Schwester Pauline, die sich weigerte, dort zu wohnen. 1814 bot Ludwig XVIII. das Schloss seinem Neffen, dem Herzog von Angoulême, als Gestüt an, was jedoch nicht weiter verfolgt wurde. 1817 wurden die beiden Schlösser von Louis-Philippe, dem damaligen Herzog von Orléans, gegen die ihm gehörenden Stallungen von Chartres eingetauscht, in denen seit 1801 die Pferde der Krone untergebracht waren. Er vergrößerte das Anwesen und ließ mehrere Bauten errichten, um seine zahlreichen Kinder und seine Schwester Adelaïde unterzubringen. So wurde jeder Flügel oder Pavillon einem seiner Kinder zugeteilt, der Pavillon de Villiers wurde zum Beispiel von seinem Sohn, dem Herzog von Aumale, bewohnt. Die Familie d'Orléans schätzte dieses Anwesen vor den Toren von Paris sehr und verbrachte während der Herrschaft von Louis-Philippe lange Zeit dort. Am 25. Februar 1848 wurde das Schloss von einer Bande von Aufständischen in Brand gesteckt und geplündert. Das Schloss Neuilly wurde 1852 von Napoleon III. beschlagnahmt und der Park in 700 Lose aufgeteilt. Es blieb nur der vom Architekten Fontaine für Murat errichtete Nordflügel erhalten, der während der Juli-Monarchie von Madame Adelaïde bewohnt wurde. Heute wird er von der Kongregation der Schwestern des Heiligen Thomas von Villeneuve bewohnt.

12.000 EUR

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Crush - Stamped for Life, 2012, Aquarell auf Cansonpapier 310 g/m², Hintergrund im Siebdruckverfahren, 76 x 57 cm. Crash, ein Pionier der Streetart in den USA, der weltweit ausgestellt wird, definiert sich in erster Linie als Graffiti-Künstler. Für die Galerie Wallworks kreiert er hier eine spezielle Serie von 34 Werken auf Papier, die nach zwei althergebrachten Ausdrucksweisen hergestellt werden: Siebdruck und Aquarell. Jedes Einzelstück wird anschließend mit Aquarell, Tusche, Acryl oder auch mit Collagen aufgewertet. Die Sammlung wird ergänzt durch Werke auf Nummernschildern amerikanischer Autos sowie zehn Gemälde auf Leinwand, die für seine Produktion der letzten zwanzig Jahre typisch sind. Das Universum von Crash, das frei von amerikanischen Comics und Pop Art inspiriert ist, vermischt hier zahlreiche persönliche Referenzen mit denen der Street Art (die Schriftzüge, die goldenen Ketten...), den Codes der Comics der 60er und 70er Jahre (die Onomatopoetika, die Schocks und Explosionen darstellen...) oder der Pop Art (die bunten Punkte und, expliziter, die Anspielung auf Roy Lichtensteins Werk Whaam! aus dem Jahr 1963). Der Name der Serie - Stamped for Life - erinnert den Künstler daran, dass nichts ausgelöscht wird, dass er sich lebenslang von dem, was ihn inspiriert und was er ist, geprägt fühlt: "I have been stamped for life". John Matos wurde 1961 in New York geboren. Mitte der 1970er Jahre nahm er den Namen Crash an und begann bereits im Alter von 13 Jahren, Graffiti auf den U-Bahn-Linien der Bronx anzubringen. 1979 schloss er sich den Künstlern Kel, Daze, Zephyr, Dondi und Futura im Graffiti Studio an, einem Projekt, das von dem Sammler Sam Esses finanziert wurde und ihnen die Möglichkeit gab, auf die Leinwand zu gehen. Sie alle besuchten das legendäre Fashion Moda, das 1978 von Stefan Eins gegründet wurde und Kultstatus in der New Yorker Szene genießt. Hier trafen sich unter anderem Keith Haring, Jenny Holzer und zahlreiche Graffitikünstler. 1980 veranstaltete Crash dort die Ausstellung mit dem ahnungsvollen Titel "GAS: Graffiti Art Success". Der Erfolg war in der Tat so groß, dass das New Museum of Contemporary Art in Manhattan die Ausstellung im selben Jahr leicht überarbeitet unter dem Titel "Events, Fashion Moda" übernahm. Die Ausstellungen in Fashion Moda zogen die Aufmerksamkeit amerikanischer und später auch europäischer Galerien auf sich und trugen so zum Aufschwung der Graffiti-Bewegung bei. Ab 1983 wurde Crash fast zehn Jahre lang von der Sydney Janis Gallery in New York vertreten, wo er sich die Wände mit Keith Haring und Jean-Michel Basquiat teilte. Ende 1984 wurde er eingeladen, an der Ausstellung "5/5 Figuration Libre, France/USA" im Musée d'art moderne de la Ville de Paris teilzunehmen, zusammen mit Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé und Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi und Kenny Scharf. Seine Werke wurden in den gesamten USA sowie in Spanien, Frankreich und den Niederlanden ausgestellt. Sein unverkennbarer Stil verbindet Graffiti-Schriftzüge mit Porträts, die von Comics, Pop Art oder Roy Lichtensteins Ben-Day-Verfahren inspiriert sind. Neben seinen Ausstellungen realisierte Crash auch mehrere Projekte für große Marken, wie 1988 für die niederländische Peter Stuyvesant Stiftung oder 1995 für British American Tabacco und die Lucky Strike Kollektion. 1996 gestaltete er eine elektrische Gitarre - das Modell Stratocaster der Marke Fender - für Eric Clapton, die der Sänger auf einer Tournee im Jahr 2001 benutzte. Fender brachte 50 Exemplare der Gitarre unter dem Namen Crashocasters auf den Markt. In jüngerer Zeit entwarf er ein Visual für Absolut Vodka. Im Jahr 2011 wurde er von TUMI beauftragt, vier Gepäckstücke für die Linie Tumi-Tag zu entwerfen. Crashs Werke wurden von zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen auf der ganzen Welt erworben, darunter das Brooklyn Museum und das MoMA in New York, das NOMA in New Orleans, das Cornell Museum in Florida, die Rubell Collection in Miami, die Frederick R. Weisman Foundation in Los Angeles, die Dakis Joannou Foundation in Athen, das Mambo in Bologna, das Groninger Museum in Groningen, das Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam, das Stedelijk Museum in Amsterdam...

1.800 EUR

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Colorz - Ohne Titel (Tête de vache Alibert), 2012, Sprühfarbe und Marker auf RATP-Kuhkopf, 46 x 52 x 41 cm Customized Stadtmöbel und Graffiti-beschmierte und neu interpretierte Objekte des öffentlichen Nahverkehrs haben den Kellerraum der Galerie Wallworks für die ungewöhnliche Ausstellung "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL" erobert. Der Zugang erfolgt über eine Treppe, die mit Tags und Graffiti bedeckt ist. Die Künstler haben sich aller Arten von Elementen der Stadt und des öffentlichen Verkehrs bemächtigt: Telefonzellen, Ampeln, Straßenlaternen, Emailleschilder, eiserne Vorhänge, Briefkästen, Schilder der U-Bahnen von Paris, Moskau und New York, Kuhköpfe von Bushaltestellen, Straßen- und Eisenbahnschilder, SNCF-Waschbecken, Sitze der RATP und andere Autoersatzteile... Sieben Stücke, die bei der Vernissage noch unberührt präsentiert wurden - darunter das ikonische M aus gelbem Plastik, emaillierte Schilder und eine U-Bahn-Tür - sollen von neuen Künstlern angepasst und bei künftigen Kunstperformances fertiggestellt werden.Aus der Graffiti-Bewegung oder der urbanen Kunst: 36 amerikanische, europäische, südasiatische und russische Künstler erwecken all diese Alltagsgegenstände zu neuem Leben in einem großen, farbenfrohen Graffiti-Basar. Diese neue Gruppenshow knüpft an das Prinzip früherer Gruppenausstellungen mit rund 50 Street Artists an - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) und "Dehors Dedans" (2016) -, für das Claude Kunetz ein Geheimnis hat. Er adaptiert das Know-how aus seinem ursprünglichen Beruf als Filmproduzent für die Ausstellungsgestaltung, indem er Vintage-Stadtmöbel aufspürt und sie Künstlern zur individuellen Gestaltung anvertraut. Das ikonische gelbe Plastik-M - mit Neonlicht hinterleuchtet - und die emaillierten Eisenschilder der Metro sowie die runden Sitze "A Kiko", die laut ihren Designern und Konstrukteuren ursprünglich als "resistent gegen Verbrennungen, Kratzer, Graffiti (sic) und mechanische Beanspruchung" konzipiert waren, wurden kürzlich bei einer Auktion der RATP zugunsten von Recueil Social erworben und werden ab der Vernissage in ihrer ursprünglichen Form präsentiert. Anschließend werden sie neuen Künstlern anvertraut, die sie individuell gestalten und ihnen in Kunstperformances während der gesamten Ausstellung den letzten Schliff verleihen. Neben einigen älteren Stücken aus früheren Ausstellungen vervollständigen zwei große Emailleschilder mit den Namen der Stationen Trocadéro und Strasbourg Saint-Denis, die von COLORZ bzw. PSYCKOZE gestaltet wurden, diese Reihe von Elementen der öffentlichen Verkehrsmittel und des Stadtmobiliars, die alle frei und künstlerisch neu interpretiert wurden.

1.500 EUR

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Lazoo - Action May 68, 2018, Mischtechnik auf dem Originalumschlag des Magazins "Action", 54 × 37 cm 42 Urban-Art-Künstler äußern sich auf Original-Titelseiten der militanten Zeitung "Action" aus dem Mai 68. Die Galerie Wallworks wurde 2011 von Claude Kunetz in Paris gegründet und hat sich schnell einen Platz in der Graffiti-Kunstszene erobert. Sie veranstaltet Solo-Shows, die französischen (Nebay, Tilt) oder amerikanischen (Rime, Haze) Graffiti-Künstlern gewidmet sind, sowie Gruppen-Shows, bei denen die Künstler eingeladen werden, Stadtmobiliar zu individualisieren. Ursprünglich als Filmproduzent tätig, passt Claude Kunetz sein Produktionswissen an die Gestaltung von Ausstellungen an, indem er Vintage-Stadtmobiliar zusammenstellt, das er Künstlern aus der Graffiti-Bewegung und der Urban Art als Gestaltungsmittel anvertraut. Mit "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) und "Dehors Dedans" (2016) hat er sich auf diese Ausstellungen spezialisiert, für die zahlreiche Graffiti- und Street-Artists auf allen Arten von Stadtmobiliar tätig werden: Telefonzellen, Briefkästen, Ampeln, Leuchtschilder, Straßenlaternen, U-Bahn-Schilder, emaillierte Straßenschilder, eiserne Vorhänge, Bushaltestellen, Straßen- und Eisenbahnschilder, Zugbänke, Autoersatzteile... Anlässlich des 50. Jahrestags des Mai 68 wiederholte er das Experiment, indem er den Künstlern diesmal Originalausgaben der Zeitung Action anvertraute. Die erste Ausgabe der von dem Journalisten Jean Schalit gegründeten Zeitung Action erschien am 7. Mai 1968. Sie diente als Sprachrohr für die Forderungen mehrerer Studentenbewegungen und Lyzeen-Aktionskomitees. Die Seiten von Action wurden von zahlreichen Zeichnern wie Siné, Topor und Wolinski gestaltet. All diese Dokumente, die seit 50 Jahren aufbewahrt werden, wurden damals von Claude Kunetz gesammelt, als er als Vorpubertärer bei seinen Eltern in der Rue Gay-Lussac lebte. Beeindruckt von der Hektik der Barrikaden, die er von seinem Fenster aus beobachtete, machte er sich daran, diese Dokumente methodisch zu sammeln. Die Ausstellung zeigt außerdem eine Auswahl an Flugblättern und Dokumenten aus der damaligen Zeit.

1.500 EUR

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André Charles Boulle - André Charles BOULLE 1642-1732 Dimensions : H 80 cm x L 182 cm x P 89 cm De forme rectangulaire, il ouvre à trois tiroirs en ceinture, à décor de marqueterie en contrepartie : de laiton sur fond d’ébène. Il repose sur des pieds cambrés. Ornementation de bronzes ciselés et dorés : lingotière en bec de corbin, écoinçons en palmette, angles en têtes des pieds, cadres moulurés, entrées de serrure aux masques de Bacchus, poignées tombantes aux pastilles en rosette, chutes aux satyres, sabots en acanthe montantes, masque de Bacchante et masque de Sylème en tablier sur les côtés. Dessus gainé de cuir. Les tiroirs sont montés en noyer. Attribué à André-Charles BOULLE (1642-1732) - Vers 1710 (Une entrée de serrure rapportée, renforts sous le plateau et restaurations d’usages) Bibliographie : Alexandre Maral - « Girardon Le sculpteur de Louis XIV » Edt. ARTHENA - 2015, Alexandre Pradère - « Les Ebénistes Français de Louis XIV à la Révolution » Edt CHENE - 1989, Jean Réné. Ronfort - « André Charles Boulle Un nouveau style pour l’Europe » cat. expo. Frankfurt - 2009. Pierre Kjellbergrg, « Le mobilier français du XVIIIe siècle -Paris 1986 – page 110. Musée des Arts et Décoratifs, Paris, (inv. 723B) - Dessin d’André Charles Boulle, vers 1710, plume lavée de bistre. Notre bureau plat est réalisé suivant le dessin du bureau inventé par André-Charles Boulle dans les premières années du XVIIIe siècle. Les grands bronzes en tablier sur les côtés représentent les masques de Bacchante et de Sylème. L’entrée de serrure représente Héraclite et elle est conforme au dessin d’André-Charles Boulle (inv. 723B). Le dessin des chutes en bronze représentant des têtes de satyres est d'après l'historien et conservateur du Château de Versailles Alexandre Maral, du Sculpteur du Roi : François Girardon (1628-1715) (Paris, musée du Louvre, département des Arts graphique « Girardon Le sculpteur de Louis XIV » par Alexandre Maral - Edt. ARTHENA 2015) - (Reproduction Fig. 45 page 71). Le noyer employé pour la fabrication des tiroirs est en noyer dit "noyer noir", choisis avec soins et qui ne présente aucune trace des gelées de 1705. Il s'agit d'une fabrication, qui serait, vers 1710.

Preis auf Anfrage

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Französische Schule des 17. Jahrhunderts Porträt von Marguerite d'Ornano, Comtesse de Grignan, Entourage von Daniel Dumonstier (1574-1646), um 1620-1630. Öl auf Leinwand, Maße: H. 59 cm, B. 49 cm. Vergoldeter und geschnitzter Holzrahmen mit Eichenlaubdekor und Eicheln. Maße gerahmt: H. 67 cm, L. 77 cm Dargestellt in Dreiviertelansicht, auf halbem Körper, den Kopf dem Betrachter zugewandt, das heitere Gesicht ein halbes Lächeln skizzierend. Das gekämmte, gelockte blonde Haar ist zu einem nach hinten wehenden Dutt zusammengefasst. Trotz des schlichten Kostüms schmückt eine Perlenreihe, die mit einem roten Band verbunden ist, ihre Frisur. Am Hals trägt sie eine sehr breite weiße Spitzenfraise, die ihren Kopf umschließt und ihre zarte Haut und ihren frischen Teint hervorhebt. Sie trägt eine weiße Bluse und darüber ein schwarzes Seidenkleid mit Puffärmeln, die ineinander übergehen, wobei ihre sehr enge Taille einen Kontrast zur Weite der Erdbeere bildet. Der Ausschnitt ihres Kleides ist mit einer eleganten und schlichten Schleife aus schwarzer Seide verziert. Unser Gemälde ist stark beleuchtet und zeigt eine reduzierte Farbpalette, die von dem makellosen Weiß der Erdbeere und dem Schwarz des Kleides dominiert wird, wodurch starke Kontraste und Schatten entstehen. Die roten Farbtupfer der Schleife und der Lippen des Modells heben sich vor diesem monochromen Hintergrund intensiv ab. Der Einfluss von Frans Pourbus ist in diesem Porträt deutlich zu erkennen. Die Palette ist schlicht, aber reich an vielen Details des Kostüms, die dem Modell, das sich vor einem graugrünen Hintergrund abhebt, Bedeutung verleihen. Dennoch werden die steife Haltung und der protzige Charakter durch eine typisch französische Feinheit und Zartheit der Ausführung gemildert. Diese nicht schmeichelhafte Sensibilität unseres Künstlers lässt das Modell berührender und lebendiger erscheinen. Trotz eines relativen Mangels an Informationen über französische Porträtmaler des frühen 17. Jahrhunderts können wir uns Daniel Dumonstier annähern, einem französischen Zeichner, der vor allem für seine Werke bekannt ist, die von einem starken psychologischen Realismus geprägt sind. Eine weitere Variante dieses Porträts ist im Musée de la Ville de Saintes (Inv. 1976.1.2B) zu sehen, diese Version ist im unteren Teil stärker verkürzt und lässt Platz für den Namen des Modells. Marguerite d'Ornano, (? -1655, Grignan), Tochter von Henri Francois d'Ornano, Marschall von Frankreich, heiratete 1628 Louis Gaucher de Castellane, Graf von Grignan, und ließ sich im Schloss von Grignan, dem Besitz ihres Mannes, nieder, wo sie 1655 verstarb. Von ihren zahlreichen Nachkommen hatte François Jules de Castellane, Graf von Grignan (1632-1714), die berühmteste Nachkommenschaft. Er heiratete 1669 in dritter Ehe Francois de Sevigné, Marquise de Sevigné, die Tochter der berühmten Briefschreiberin Marie de Rabutin-Chantal.

12.500 EUR

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Asp (fish) - Markus Elieser Bloch, 1782-1795 - L'ASP "Cyprinus Aspius/Der Raapfe/La Raphe" (planche 7), gravure sur cuivre réalisée par Ludwig Schmidt d'après le dessin de Krüger jr, pour l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" de Markus Elieser Bloch publiée à Berlin entre 1782 et 1795. Avec coloriage original à la main. Dimensions : 19 x 38 cm. Selon Bloch dans son Allgemeine Naturgeschichte der Fische, un ouvrage complet en 12 volumes, magnifiquement illustré, sur les poissons : "L'aspe est l'un de ces poissons de rivière qui atteignent une taille considérable : il n'est pas rare, du moins dans cette région, d'en trouver un de dix à douze livres. Il fait en quelque sorte la transition entre le poisson terrestre et le poisson carnassier, car, comme le premier, il se nourrit d'herbes et de vers, mais il mange aussi du poisson, comme le second. Mais comme il n'est pas doté de mâchoires aussi grandes que les prédateurs privilégiés parmi les habitants de l'eau, il doit se contenter de petits poissons. Il aime les terrains clairs, se plaît dans les rivières qui n'ont pas de courant rapide, et laisse son frai sur les pierres du fond vers la fin du mois de mars. Il a une chair blanche et savoureuse, qui est grasse en dehors de la période de frai, et qui a la particularité de se désagréger à la cuisson, au grand dam des cuisiniers. En outre, sa chair est pleine de petits os et, comme elle est molle et grasse, elle ne constitue pas le meilleur aliment pour un estomac fragile". Le travail de Bloch sur l'"Allgemeine Naturgeschichte der Fische" a occupé une grande partie de sa vie et est considéré comme ayant jeté les bases de la science de l'ichtyologie. La publication a été encouragée par une souscription importante et a connu rapidement cinq éditions en allemand et en français. Bloch n'apporta que peu ou pas de modifications à l'arrangement systématique de Peter Artedi et Carl Linnaeus, bien qu'il ait été disposé à introduire dans la classification certaines modifications dépendant de la structure des branchies. Au nombre de genres déjà établis, il a jugé nécessaire d'en ajouter dix-neuf nouveaux, et il a décrit 276 espèces nouvelles pour la science, dont beaucoup habitent les parties les plus reculées de l'océan et sont, par l'éclat de leurs couleurs ou la singularité de leurs formes, autant d'objets d'admiration populaire que de curiosité scientifique. Bloch est considéré comme l'ichtyologiste le plus important du 18e siècle. Prix de vente : Euro 275,-

275 EUR