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Sculptures en terre cuite

Lots recommandés

Torse de la déesse Diane la Chasseuse. Romaine. 2e-3e siècle après J.-C. Marbre. Provenance : collection privée, Tel Aviv. Collection privée, New York. Acheté chez Fortuna Fine Arts, New York, entre 1980 et 2000. Bon état de conservation, pas de restaurations. Mesures : 44,5 cm. de haut ; 52 cm. de haut avec piédestal. Sculpture romaine en marbre. Il s'agit du torse de Diane, la déesse de la chasse (semblable à l'Artémis grecque). Il s'agit d'une pièce autonome, travaillée en ronde-bosse pour être vue de chaque côté, de sorte que le chiton a été magistralement drapé avec de profonds plis naturalistes et en différentes couches, comme d'habiles kolpos au niveau des hanches. Dans le dos, un vêtement en diagonale sert de sangle au carquois. Déesse de la nature, des forêts et de la chasse, elle devait à l'origine porter un carquois avec un arc et des flèches, et était peut-être accompagnée d'un chien ou d'une pièce de gibier. L'influence de la statuaire grecque est évidente. Les Romains ont apporté deux innovations importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Cependant, ils ont suivi les modèles grecs pour une grande partie de leur production sculpturale, une base qui, à Rome, était combinée avec la tradition étrusque. Après les premiers contacts avec la Grèce classique par l'intermédiaire des colonies de Grande Grèce, les Romains conquièrent en 212 avant J.-C. Syracuse, une riche et importante colonie grecque de Sicile, qui était ornée d'un grand nombre d'œuvres hellénistiques. La ville fut mise à sac et ses trésors artistiques emmenés à Rome, où le nouveau style de ces œuvres remplaça bientôt la tradition étrusco-romaine qui avait prévalu jusqu'alors. Caton lui-même dénonce le pillage et la décoration de Rome avec des œuvres hellénistiques, qu'il considère comme une influence dangereuse sur la culture autochtone, et déplore que les Romains applaudissent les statues de Corinthe et d'Athènes, tout en ridiculisant la tradition décorative en terre cuite des anciens temples romains. Cependant, ces réactions d'opposition furent vaines ; l'art grec avait subjugué l'art étrusco-romain en général, au point que les statues grecques figuraient parmi les prix de guerre les plus convoités, étant exposées lors du cortège triomphal des généraux conquérants.

Estim. 25 000 - 28 000 EUR

A PINK SANDSTONE BUST OF VISHNU, MADHYA PRADESH - Tête de femme grecque, 6ème siècle avant JC. J.-C. Marbre. Provenance : Collection privée du professeur d'économie de l'Université Columbia, Vladimir Gregorievitch Simkhovitch (1874-1959), USA. Vladimir était un grand collectionneur d'art ancien et des œuvres de sa collection sont conservées au Smithsonian Musuem, au Metropolitan Museum, NY ou au Brooklyn Museum, entre autres. Publications : Ancient art from the V.G. Simkhovitch collection, Wolf Rudolph and Adriana Calinescu, Indiana University Art Museum. 1998. Page 42. En bon état. Mesures : 12,5 cm de haut ; 19 cm de haut avec le support. Tête grecque de la période archaïque, réalisée en terre cuite semi-bulle. Elle représente un homme imberbe, aux cheveux uniformes et au visage aimable, avec un sourire esquissé, typique de cette période. La période archaïque de la sculpture grecque se caractérise par un art solennel et une idéalisation conceptuelle claire, différente du naturalisme équilibré de la période classique. C'est aussi une époque où la sculpture grecque s'inspire des influences asiatiques et égyptiennes, réalisant un art d'une grande complexité formelle et d'une grande qualité esthétique à partir d'une culture presque aniconique. Cependant, à cette époque, la figure humaine était déjà le protagoniste de la sculpture grecque, même si le but n'était pas de représenter le corps humain mais de capturer un idéal, qu'il s'agisse de divinités ou de concepts, sous une forme matérielle. D'où les représentations hiératiques, plus divines que terrestres, avec un modelage simple qui n'entre pas dans les détails superflus, basé sur la géométrie et les conventions symboliques, comme le type de sourire que nous voyons dans cette terre cuite.

Estim. 5 000 - 5 500 EUR

A PINK SANDSTONE BUST OF VISHNU, MADHYA PRADESH - Paire de grosses dames assises ; Chine, dynastie Tang, 618-907 ap. J.-C. Terre cuite polychrome. Certificat de thermoluminescence joint. Dimensions : 34 x 14 x 15 cm (x2). Paire de sculptures réalisées en terre cuite, qui présentent deux dames de cour en position assise, l'une d'entre elles se distinguant par la présence d'un petit chien qui est placé à ses pieds. Les deux sculptures conservent leur polychromie, comme en témoignent les détails de leurs vêtements et leurs cheveux noirs. Ce type de figurines, appelées "grosses dames" en raison du canon de beauté de l'époque, quelque peu différent de celui d'aujourd'hui, représentait des courtisanes en grande tenue, mettant en valeur leurs costumes et leurs éléments grâce à la polychromie utilisée, conservant dans certains cas une légère courbure du corps qui ajoute de l'élégance. La dynastie Tang est considérée par les historiens comme une période de splendeur de la civilisation chinoise, égale ou même supérieure à la période Han. Issue d'une période de despotisme sous le cruel Yang Di, elle a été instaurée par Li Shimin qui, par piété filiale, a mis son père sur le trône avant d'assumer lui-même le rôle d'empereur et de fonder la dynastie Tang. Stimulé par les contacts avec l'Inde et le Moyen-Orient via la route de la soie, l'empire Tang connaît un essor créatif dans de nombreux domaines. Le bouddhisme, qui était apparu en Inde à l'époque de Confucius, continue de s'épanouir durant cette période et est adopté par la famille impériale, devenant ainsi un élément essentiel de la culture traditionnelle chinoise. Le développement de l'imprimerie a également étendu la diffusion des œuvres écrites, donnant naissance à l'âge d'or de l'art et de la littérature chinois.

Estim. 5 500 - 6 000 EUR

A MOLDED YAOZHOU CELADON 'CHRYSANTHEMUM' BOWL, NORTHERN SONG DYNASTY - VERRE À CÉLADON "CHRYSANTHEMUM" MOULÉ DE YAOZHOU, DYNASTIE SONG NORD Chine, 960-1127. De forme conique avec un bord évasé, l'intérieur soigneusement moulé avec trois fleurs stylisées en pleine floraison portées par une vigne sinueuse avec d'autres boutons de fleurs et des feuilles en volutes denses, le tout encerclant une fleur centrale de chrysanthème avec des pétales rayonnants, le tout recouvert d'une glaçure vert olive clair finement craquelée. Provenance : Jung's, Inc. à Wilmington, Delaware, États-Unis, 16 juin 1995. Lawrence H. Dunbar, Jr. (d. 2008), Chadds Ford, Pennsylvanie, États-Unis, acquis auprès de la personne susmentionnée, puis par descendance au sein de la famille. Avec une ancienne étiquette dactylographiée, "Bol en terre cuite de Yaozhou. Dynastie Song". Une copie de la facture originale de Jung's, Inc. datée du 16 juin 1995, accompagne ce lot. Jung's, Inc. était un magasin d'art et d'antiquités fondé par Shee Lup Jung (1922-2015). M. Jung a obtenu son doctorat en chimie à l'Université de Pennsylvanie en 1951, alors qu'il était employé comme chimiste de recherche pour DuPont. Inspiré par la passion de sa femme Mary pour les arts, M. Jung a lentement et méthodiquement étudié les glaçures et les céramiques anciennes, y compris leurs aspects chimiques et minéraux, acquérant une multitude de pièces d'étude pour la collection familiale. En 1975, il a créé Jung's, Inc. dans un lieu historique du centre de Wilmington, dans le Delaware, comme une galerie de type musée avec une sélection impressionnante de céramiques, ouverte uniquement sur rendez-vous et vendue principalement à des collectionneurs avertis et érudits comme Jung lui-même. Condition : Très bon état avec une usure ancienne mineure, des traces d'utilisation et quelques défauts de cuisson, y compris des creux de glaçure et des taches sombres, ainsi que quelques minuscules pertes de glaçure à l'intérieur. Poids : 445,1 g Dimensions : Diamètre 20,2 cm Avec une boîte de rangement chinoise, datant du milieu du 20e siècle. (2) Comparaison des résultats des ventes aux enchères : Type : Très proche Vente aux enchères : Christie's Hong Kong, 4 octobre 2018, lot 22 Prix : 250 000 HKD ou environ 32 000 EUR convertis et ajustés à l'inflation au moment de la rédaction Description : Un bol " chrysanthème " moulé yaozhou, dynastie des Song du Nord Remarque de l'expert : Comparez la forme, la glaçure, la tête de fleur centrale et la taille (19 cm) qui sont très proches. Notez les fleurs environnantes légèrement différentes. Comparaison des résultats de la vente aux enchères : Type : Très proche Vente aux enchères : Christie's Hong Kong, 2 octobre 2017, lot 83 Prix : 56 250 HKD ou environ 7 500 EUR convertis et ajustés à l'inflation au moment de la rédaction Description : Un bol " chrysanthème " moulé yaozhou, dynastie des Song du Nord Remarque de l'expert : Comparez la forme, la glaçure, la tête de fleur centrale et la taille (20,5 cm) qui sont très proches. Notez les fleurs environnantes légèrement différentes. 北宋耀州窯青釉菊花紋碗 中國, 960-1127年。短足,邊緣呈喇叭形,口外撇。碗內纏枝紋地上飾有菊花紋。通體施青釉,釉色青中泛黃,邊緣變薄,足邊無釉。 來源:美國特拉華州威爾明頓Jung藝廊,1995年6月16日;美國賓夕法尼亞查兹福特Lawrence H. Dunbar (逝世於 2008年),購於上述藝廊,在同一家族保存至今。隨附一份1995年5月6日出具的藝廊發票複印件。Jung藝廊是由Shee Lup Jung(1922-2015)成立的藝術古董店。Jung先生於 1951 年獲得賓夕法尼亞大學化學博士學位,當時他受聘為杜邦公司化學研究員。受妻子 Mary 對藝術的熱情啟發,Jung 先生開始緩慢但系統地研究古代釉料和陶瓷,包括它們的化學和礦物結構,為家族收藏提供大量的研究藏品。1975 年,他在特拉華州威爾明頓市中心的一個歷史悠久的地方成立了 Jung藝廊,這是一家博物館式的藝廊,收藏了令人印象深刻的陶瓷,只接受預約參觀,主要出售給與 Jung 本人一樣的知識淵博和學術收藏家。 品相:品相非常好,有輕微的磨損,使用痕跡和一些燒製缺陷,包括釉面凹陷和黑點,內部幾乎沒有釉料損失。 重量:445.1 克 尺寸:直徑20.2 厘米 二十世紀中葉中國箱子。 (2) 拍賣結果比較: 形制:非常相近 拍賣:香港佳士得,2018年10月4日,lot 22 價格:HKD 250 ,000(相當於今日EUR 32,000) 描述:北宋耀州窯菊花紋碗 專家評論:比較非常相近的外觀、釉面、碗中心菊花紋,以及差不多的尺寸(19 厘米)。請注意稍微不同的纏枝紋地。 拍賣結果比較: 形制:非常相近 拍賣:香港佳士得,2017年10月2日,lot 83 價格:HKD 56 ,250(相當於今日EUR 7,500) 描述:北宋耀州窯菊花紋碗 專家評論:比較非常相近的外觀、釉面、碗中心菊花紋,以及差不多的尺寸(20,5 厘米)。請注意稍微不同的纏枝紋地。

Estim. 1 000 - 2 000 EUR

A MOLDED YAOZHOU CELADON 'CHRYSANTHEMUM' BOWL, NORTHERN SONG DYNASTY - Torse d'homme. Smyrne, IIIe siècle av. Terre cuite. Provenance : Smyrne, 1895-1905. Collection Paul Gaudin (Paris 1858-1921 Versailles), archéologue, ingénieur et grand mécène du musée du Louvre ; Acquis entre 1894 et 1905 et par filiation familiale. Vente publique, France, 2022. Mesures : 6,5 cm de haut ; 10,5 cm avec le support. Cette pièce fait partie d'une collection archéologique comprenant 670 lots, considérée comme la deuxième plus importante après celle du Louvre (1094 pièces) et devant celles du Musée archéologique d'Istanbul (135 fragments) et du British Museum (108). Selon Simone Besques (1972, p.155) "Il n'est guère de collections publiques ou privées qui ne contiennent des figurines de Smyrne, dont la plupart sont malheureusement fragmentaires. Néanmoins, elles témoignent du fait que, du IIIe siècle avant J.-C. au IIe siècle après J.-C., s'y trouvait le plus important atelier hellénistique et gréco-romain, tant par la qualité et l'originalité de sa production que par le fait que ces figurines sont restées intactes jusqu'à l'époque romaine". Smyrne était l'un des premiers centres de terre cuite d'Asie Mineure. La ville a été refondée par Lysimaque vers 288 avant J.-C., à une courte distance de son ancien emplacement. La poursuite des habitations jusqu'à une époque plus récente a rendu impossible toute fouille systématique. La plupart des figurines de Smyrne exposées dans les grands musées d'Europe et des États-Unis sont pour la plupart des fragments de tête. Les figurines de Smyrne sont facilement reconnaissables à la couleur de leur argile, qui varie du brun au rouge. L'argile est fine et homogène, et contient des traces d'or et d'argent. Certains échantillons conservent encore leurs couleurs. Ils sont soigneusement modelés. En termes de sujets, on retrouve de nombreux types populaires du grand art de la terre cuite de l'époque classique ou hellénistique, comme ceux d'Héraklès, des divinités et des athlètes. Un autre sujet de prédilection était les figures féminines habillées de type "tanagrien". On trouve également des figures dites "grotesques" présentant des déformations anatomiques exagérées. Elles représentaient probablement des personnes réelles souffrant de maladies déformantes. Le style des terres cuites de Smyrne présente de grandes similitudes avec celui de Myrina. Il est probable que les mêmes artistes de la terre cuite aient travaillé dans les deux villes. Il est plus probable qu'il y ait eu une relation pertinente à Pergame et à Cyme. D'autre part, certains types thématiques de l'atelier de Smyrne - les figures noires et les grotesques - font allusion à l'art de la terre cuite d'Alexandrie, ce qui assure une relation commerciale et artistique étroite avec cette ville. Les figurines de Smyrne étaient très prisées dans le monde antique. Elles étaient exportées vers Myrina, Priène, Pergame, Troie, Tarse, Délos, Athènes, Chypre et les villes de la mer Noire.

Estim. 300 - 400 EUR

A MOLDED YAOZHOU CELADON 'CHRYSANTHEMUM' BOWL, NORTHERN SONG DYNASTY - Figure féminine drapée. Période hellénistique, Tarentum, Grande-Grèce (IVe-IIIe siècle av. J.-C.). Terre cuite. Rapport de thermoluminescence joint. Mesures : 19 x 6 x 6. Cette figure féminine représente une jeune fille portant une longue tunique, travaillée avec un naturalisme poussé. Cela se voit dans la posture anecdotique - avec le bras droit en forme de cruche - et, surtout, dans le jeu virtuose du drapé, qui témoigne d'une maîtrise inhabituelle de la matière, de sorte que le tissu du manteau et de la tunique dynamise ses formes ductiles. La sculpture hellénistique représente la dernière période de l'évolution de la sculpture grecque, et s'est développée entre la mort d'Alexandre le Grand en 323 avant J.-C. et la conquête de l'Égypte par les Romains entre 30 et 31 avant J.-C.. Il s'agit d'un langage éclectique, séculaire et historiciste, qui prend comme point de départ l'héritage de la sculpture classique de la période précédente, auquel s'ajoutent de nouvelles influences orientales. Il s'agit également d'un raffinement de la représentation de l'anatomie humaine et de l'expressivité émotionnelle, ainsi que d'un changement fondamental de l'esthétique, qui s'éloigne de l'idéal pour représenter l'individu, du générique au spécifique. Ainsi, l'idéal éthique et pédagogique antérieur est abandonné au profit d'un nouvel accent mis sur les aspects humains quotidiens, dans un art qui aura pour but principal l'esthétique, bien qu'occasionnellement il soit aussi propagandiste. Ce nouvel intérêt pour l'homme et sa vie intérieure, ses émotions, ses problèmes et ses aspirations, se traduit par un style réaliste qui tend à mettre l'accent sur le drame, le prosaïsme et le mouvement. L'hellénisme a également fourni les premiers portraits individualisés et plausibles dans l'art occidental. Le sujet s'est également élargi pour inclure des représentations de la vieillesse et de l'enfance, des divinités mineures non olympiennes et des personnages secondaires de la mythologie, ainsi que des personnages populaires dans leur travail quotidien.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

A MOLDED YAOZHOU CELADON 'CHRYSANTHEMUM' BOWL, NORTHERN SONG DYNASTY - Lapin ; Chine, Dynastie Han, 206-220 AD. Terre cuite polychrome. Certificat de thermoluminescence joint. Mesures : 23 x 10 x 21,5 cm. Sculpture ronde représentant un lapin ou un lièvre de la période Tang réalisée en terre cuite. Des restes de polychromie sont visibles dans les yeux, l'intérieur des oreilles et le museau de l'animal, ce qui rend la pièce plus réaliste. Il s'agit d'une œuvre de grande qualité technique, notamment en ce qui concerne le modelage, car l'artiste a réussi à capter l'expressivité et le naturalisme anatomique de l'animal, sans négliger la stylisation typique de l'esthétique chinoise de l'époque. La dynastie des Han a régné sur la Chine entre 206 av. J.-C. et 220 ap. J.-C., soit plus de quatre siècles au cours desquels les structures politiques, sociales et économiques de la Chine ont été consolidées, conduisant le pays dans la période la plus glorieuse de son histoire. L'art de cette période est encore essentiellement funéraire, bien qu'il reflète le très haut niveau artistique qui était atteint tant dans les capitales que dans les provinces. Ces objets préservés nous renseignent sur la vie quotidienne et les coutumes de l'époque, car l'art devient beaucoup plus banal que les bronzes des périodes Zhou et Shang. Les structures des tombes ont également changé : les tombes Shang étaient verticales, tandis que les tombes Han étaient construites en forme de palais souterrains. Elles étaient décorées de reliefs estampillés de scènes de la vie du défunt, et un nouveau matériau, la laque, a été introduit comme support artistique. La plus célèbre aujourd'hui est cependant la production de poterie Han, faite de terre cuite et décorée d'engobes appliqués à froid, principalement noirs et rouges.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

A Koma-Bulsa Seated Figure, "kronkronbua" - Figurine assise, "kronkronbua" Koma-Bulsa, Ghana Avec socle / with base Terracota. H 27,5 cm. Provenance : Andreas Vontobel (1931-2011), Waltalingen. kronkronbua = "enfants d'autrefois". Dans les années 1980, les premières figurines de ce style en argile cuite ont été découvertes dans la région du Haut-Ouest au Ghana, dans la zone aujourd'hui habitée par les Koma (par ex. à Yikpabongo, Tantuosi, Wumobri) et les Bulsa (Builsa). Les déterminations de l'âge par thermoluminescence ont daté les objets du 13e au 18e siècle de notre ère. Karl Ferdinand Schädler a décrit la nouvelle découverte de cette culture en 1987 comme suit : "Certains d'entre eux ont l'air de venir des gorges de Bandiagara et d'être des produits Dogon. Mais ce n'est qu'un petit nombre. La plupart de ces terres cuites d'une culture dont on ne sait rien ont plutôt l'air de venir de Somarzo ou d'être sorties de l'imagination d'un Jérôme Bosch : Des têtes dont les cervelles se terminent en pointe ou sont creusées à l'inverse en forme de coupe, avec des yeux en forme de lunettes ou des oreilles fixées à l'arrière de la tête, comme deux anses. Des bouches qui, séparées d'un visage quelconque, s'unissent à d'autres bouches pour former un nouvel être "parlant pour lui-même" ; à l'inverse, des visages qui se sont également unis à d'autres et qui, pourvus de bras et de jambes, semblent désormais provenir directement du monde souterrain. Il semble inutile de se demander de quel monde de pensées et d'idées sont issus ces figures, ces têtes et ces objets - qu'ils aient été façonnés en tant qu'offrandes funéraires, figures d'ancêtres ou de culte. Il est peut-être même rassurant de savoir que tous les nouveaux mystères découverts en Afrique ne peuvent pas être immédiatement élucidés, qu'une culture ne peut pas être disséquée comme un cadavre, du moins pendant un certain temps : Parce que ni les traditions orales ni les sous-produits archéologiques ne fournissent le moindre indice. Au lieu de cela, on devrait peut-être se contenter d'admirer, d'une part, l'ingéniosité de la conception et, d'autre part, la puissante expression expressive inhérente à ces sculptures. Si l'on se base sur ces deux critères et sur l'aspect extérieur des objets, il semble qu'il s'agisse de différents styles, voire de différentes cultures, qui se sont succédé ou qui - ce qui semble également possible - ont été créés de manière totalement indépendante dans la même région. L'un des styles présente un caractère maniériste : les traits du visage délibérément décalés, qui confèrent souvent aux personnages, pour la plupart des figures assises portant des colliers, des signes de dignité ou des couteaux de bras, une expression inquiétante, transcendantale, parfois même maligne - des princes d'un autre monde. Comme pour de nombreuses têtes apparemment singulières, qui se terminent généralement par un cou effilé, les têtes des personnages sont souvent creusées en forme de coupe. Les mains reposent généralement sur les genoux (parfois de manière tout à fait immotivée sur l'une des épaules) et les parties génitales - la plupart sont masculines - sont souvent surdimensionnées et clairement modelées. Les têtes, travaillées individuellement, sont en général beaucoup plus grandes que les personnages ; elles sont aussi souvent plus grossières dans leur exécution et leur style est beaucoup plus primitif et direct. Un autre style, qui s'exprime surtout dans les têtes d'êtres thériomorphes, présente souvent une bouche grande ouverte, apparemment criarde, et rappelle alors les gargouilles gothiques. Les gens de cette culture devaient accorder une attention particulière aux têtes de Janus et, en outre, aux êtres à plusieurs têtes. Les premières, conçues comme des sculptures individuelles, acquièrent parfois un caractère phallique grâce à leurs têtes coniques (elles sont également droites en bas, et non coniques comme les "têtes creuses" trouvées plantées autour des tombes). Ces derniers êtres à plusieurs têtes ont, comme les têtes individuelles janus, des têtes pointues également coniques ; le corps de ces derniers, dont on peut trouver jusqu'à quatre personnalités représentées dans une sculpture, est cependant formé de manière tout à fait rudimentaire comme un bloc rectangulaire, avec seulement des membres et des organes sexuels esquissés. Que va-t-on encore découvrir de cette région du nord du Ghana, aujourd'hui habitée par les Koma (également appelés Komba, Konkomba, Bekpokpak, etc.) ? Le village d'où proviennent les découvertes était-il également un lieu de transbordement de marchandises - noix de cola de la côte, or, sel, marchandises européennes, etc. - comme Salaga à la fin du siècle dernier, qui se trouvait sur la route de z

Estim. 300 - 600 CHF

PAUL SIMON - Méduse. Smyrne, 3e siècle avant J.-C. Terre cuite. Provenance : Smyrne, 1895-1905. Collection Paul Gaudin (Paris 1858-1921 Versailles), archéologue, ingénieur et grand mécène du musée du Louvre ; Acquis entre 1894 et 1905 et par filiation familiale. Vente publique, France, 2022. Mesures : 3,2 x 2,8 cm. Tête de Méduse en terre cuite. Dans la mythologie grecque, Méduse était un être chthonique féminin qui transformait en pierre ceux qui fixaient ses yeux. Cette pièce fait partie d'une collection archéologique de 670 fragments, considérée comme la deuxième plus importante après celle du Louvre (1094 fragments) et devant celles du Musée archéologique d'Istanbul (135) et du British Museum (108). Selon Simone Besques (1972, p.155) "Il n'est guère de collections publiques ou privées qui ne contiennent des figurines de Smyrne, dont la plupart sont malheureusement fragmentaires. Néanmoins, elles témoignent du fait que, du IIIe siècle avant J.-C. au IIe siècle après J.-C., s'y trouvait le plus important atelier hellénistique et gréco-romain, tant par la qualité et l'originalité de sa production que par le fait que ces figurines sont restées intactes jusqu'à l'époque romaine". Smyrne était l'un des premiers centres de terre cuite d'Asie Mineure. La ville a été refondée par Lysimaque vers 288 avant J.-C., à une courte distance de son ancien emplacement. La poursuite des habitations jusqu'à une époque plus récente a rendu impossible toute fouille systématique. La plupart des figurines de Smyrne exposées dans les grands musées d'Europe et des États-Unis sont pour la plupart des fragments de tête. Les figurines de Smyrne sont facilement reconnaissables à la couleur de leur argile, qui varie du brun au rouge. L'argile est fine et homogène, et contient des traces d'or et d'argent. Certains échantillons conservent encore leurs couleurs. Ils sont soigneusement modelés. En termes de sujets, on retrouve de nombreux types populaires du grand art de la terre cuite de l'époque classique ou hellénistique, comme ceux d'Héraklès, des divinités et des athlètes. Un autre sujet de prédilection était les figures féminines habillées de type "tanagrien". On trouve également des figures dites "grotesques" présentant des déformations anatomiques exagérées. Elles représentaient probablement des personnes réelles souffrant de maladies déformantes. Le style des terres cuites de Smyrne présente de grandes similitudes avec celui de Myrina. Il est probable que les mêmes artistes de la terre cuite aient travaillé dans les deux villes. Il est plus probable qu'il y ait eu une relation pertinente à Pergame et à Cyme. D'autre part, certains types thématiques de l'atelier de Smyrne - les figures noires et les grotesques - font allusion à l'art de la terre cuite d'Alexandrie, ce qui assure une relation commerciale et artistique étroite avec cette ville. Les figurines de Smyrne étaient très prisées dans le monde antique. Elles étaient exportées vers Myrina, Priène, Pergame, Troie, Tarse, Délos, Athènes, Chypre et les villes de la mer Noire.

Estim. 450 - 550 EUR

PAUL SIMON - Figure acéphale d'un homme en himation. Smyrne, IIIe siècle av. Terre cuite. Provenance : Smyrne, 1895-1905. Collection Paul Gaudin (Paris 1858-1921 Versailles), archéologue, ingénieur et grand mécène du musée du Louvre ; Acquis entre 1894 et 1905 et par filiation familiale. Vente publique, France, 2022. Mesures : 9,7 cm. Cette pièce fait partie d'une collection archéologique comprenant 670 lots, considérée comme la deuxième plus importante après celle du Louvre (1094 pièces) et devant celles du Musée archéologique d'Istanbul (135 fragments) et du British Museum (108). Selon Simone Besques (1972, p.155) "Il n'est guère de collections publiques ou privées qui ne contiennent des figurines de Smyrne, dont la plupart sont malheureusement fragmentaires. Néanmoins, elles témoignent du fait que, du IIIe siècle avant J.-C. au IIe siècle après J.-C., les plus importants ateliers hellénistiques et gréco-romains y étaient installés, tant par la qualité et l'originalité de leur production que par le fait que ces figurines sont restées intactes jusqu'à l'époque romaine". Smyrne était l'un des premiers centres de terre cuite d'Asie Mineure. La ville a été refondée par Lysimaque vers 288 avant J.-C., à une courte distance de son ancien emplacement. La poursuite des habitations jusqu'à une époque plus récente a rendu impossible toute fouille systématique. La plupart des figurines de Smyrne exposées dans les grands musées d'Europe et des États-Unis sont pour la plupart des fragments de tête. Les figurines de Smyrne sont facilement reconnaissables à la couleur de leur argile, qui varie du brun au rouge. L'argile est fine et homogène, et contient des traces d'or et d'argent. Certains échantillons conservent encore leurs couleurs. Ils sont soigneusement modelés. En termes de sujets, on retrouve de nombreux types populaires du grand art de la terre cuite de l'époque classique ou hellénistique, comme ceux d'Héraklès, des divinités et des athlètes. Un autre sujet de prédilection était les figures féminines habillées de type "tanagrien". On trouve également des figures dites "grotesques" présentant des déformations anatomiques exagérées. Elles représentaient probablement des personnes réelles souffrant de maladies déformantes. Le style des terres cuites de Smyrne présente de grandes similitudes avec celui de Myrina. Il est probable que les mêmes artistes de la terre cuite aient travaillé dans les deux villes. Il est plus probable qu'il y ait eu une relation pertinente à Pergame et à Cyme. D'autre part, certains types thématiques de l'atelier de Smyrne - les figures noires et les grotesques - font allusion à l'art de la terre cuite d'Alexandrie, ce qui assure une relation commerciale et artistique étroite avec cette ville. Les figurines de Smyrne étaient très prisées dans le monde antique. Elles étaient exportées vers Myrina, Priène, Pergame, Troie, Tarse, Délos, Athènes, Chypre et les villes de la mer Noire.

Estim. 300 - 350 EUR

PAUL SIMON - Sculpture d'un courtisan ; dynastie Han, Chine, 25-220 ap. J.-C. Terracotta. Dimensions : 34 x 25 x 16 cm. Sculpture destinée au trousseau funéraire ni Young, les mains posées sur les genoux, indiquant qu'il tenait probablement un instrument de musique. Figure ronde en terre cuite d'un courtisan assis les jambes croisées, élégamment vêtu, au visage souriant. La dynastie Han a régné sur la Chine entre 206 av. J.-C. et 220 ap. J.-C., soit plus de quatre siècles au cours desquels les structures politiques, sociales et économiques de la Chine se sont consolidées, entraînant le pays dans la période la plus glorieuse de son histoire. L'art de cette période est encore essentiellement funéraire, bien qu'il reflète le très haut niveau artistique qui était atteint tant dans les capitales que dans les provinces. Ces objets préservés nous renseignent sur la vie quotidienne et les coutumes de l'époque, car l'art devient beaucoup plus banal que les bronzes des périodes Zhou et Shang. Les structures des tombes ont également changé : les tombes Shang étaient verticales, tandis que les tombes Han étaient construites en forme de palais souterrains. Elles étaient décorées de reliefs estampillés de scènes de la vie du défunt, et un nouveau matériau, la laque, a été introduit comme support artistique. La production la plus célèbre aujourd'hui est cependant la poterie des Han, faite de terre cuite et généralement décorée d'engobes appliqués à froid, principalement noirs et rouges. La dynastie Han a régné sur la Chine entre 206 av. J.-C. et 220 ap. J.-C., soit plus de quatre siècles au cours desquels les structures politiques, sociales et économiques de la Chine ont été consolidées, entraînant le pays dans la période la plus glorieuse de son histoire. L'art de cette période est encore essentiellement funéraire, bien qu'il reflète le très haut niveau artistique qui était atteint tant dans les capitales que dans les provinces. Ces objets préservés nous renseignent sur la vie quotidienne et les coutumes de l'époque, car l'art devient beaucoup plus banal que les bronzes des périodes Zhou et Shang. Les structures des tombes ont également changé : les tombes Shang étaient verticales, tandis que les tombes Han étaient construites en forme de palais souterrains. Elles étaient décorées de reliefs estampillés de scènes de la vie du défunt, et un nouveau matériau, la laque, a été introduit comme support artistique.

Estim. 700 - 900 EUR

A LIFE-SIZED TERRACOTTA HEAD OF VAJRAPANI IN THE FORM OF HERACLES - TÊTE DE TERRACOTTA DE VAJRAPANI DE TAILLE RÉELLE EN FORME D'HERACLES Ancienne région du Gandhara, IVe-Ve siècle. Puissamment modelé, le visage est encadré par une dense pilosité faciale disposée en longues boucles volumineuses, des cheveux ondulés, une moustache ondulante sous un nez droit, et une barbe pleine entourant des lèvres pleines, les sourcils et les pupilles avec de la peinture à froid. Provenance : Arthur Huc (1854-1932). Marcel Huc, hérité du précédent. De là, par descendance au sein de la même famille. Arthur Huc était le rédacteur en chef de La Dépêche du Midi, à l'époque le principal journal de Toulouse, France. Il était également un critique d'art accompli et un mécène précoce de plusieurs artistes, dont Henri de Toulouse-Lautrec. En même temps, Arthur Huc était un grand collectionneur d'art asiatique, une passion qu'il avait héritée de son ancêtre légendaire Évariste Régis Huc, également connu sous le nom d'Abbé Huc (1813-1860), un prêtre catholique français et un voyageur qui devint célèbre pour ses récits de la Chine de l'époque Qing, de la Mongolie et surtout du Tibet, alors presque inconnu, dans son livre "Souvenirs d'un voyage en Tartarie, au Tibet et en Chine". Liste d'inventaire : En 1954, L. Magniette, huissier de justice à Toulouse (Huissier), fut chargé de dresser un inventaire complet de la collection héritée par Marcel Huc de son père, Arthur Huc, dit "Inventaire Huc". Le présent lot est répertorié dans cet inventaire comme suit : "Série de vingt deux têtes en terre-cuite. GANDHARA" (série de vingt-deux têtes en terre cuite. GANDHARA). Une copie de la liste d'inventaire et la page de garde accompagnent ce lot. Condition : Très bon état, tout à fait cohérent avec l'âge de la sculpture. Quelques défauts de cuisson, bosses et pertes aux endroits exposés, le bout du nez avec une petite réparation ancienne. Vestiges d'une couche de vernis appliquée il y a longtemps. Certains pigments anciens sont bien conservés, notamment au niveau des sourcils Licence d'exportation française : Certificat d'exportation pour un bien culturel Nr. 185423 en date du 3 juillet 2017 a été accordé et une copie accompagne ce lot. Poids : 10,2 kg Dimensions : Hauteur 48,5 cm (avec support), 32,5 cm (sans support) Cette grande tête en terre cuite est un héritage extrêmement rare de l'ancien royaume du Gandhara, qui incarne la richesse des interactions culturelles et des styles artistiques hybrides issus des influences hellénistiques et indiennes. Elle dépeint le bodhisattva Vajrapani, le protecteur du bouddhisme, représenté avec l'iconographie du dieu grec Hercule, qui était largement vénéré comme un héros et un sauveur en Asie occidentale au cours des premiers siècles de notre ère. Grand champion, mais comprenant néanmoins la condition humaine, Hercule était facilement assimilable au bouddhisme Mahayana. Comme les autres bodhisattvas du Gandhara, il est représenté comme un prince terrestre avec son port et sa posture aristocratiques, mais son visage naturaliste rappelle la sculpture gréco-romaine. Le royaume du Gandhara a duré de 530 avant J.-C. à 1021 après J.-C., date à laquelle son dernier roi a été assassiné par ses propres troupes. Il s'étendait sur des parties de l'Afghanistan et du Pakistan actuels. Le Gandhara est connu pour son style distinctif dans l'art bouddhiste, qui s'est développé à partir d'une fusion d'influences artistiques grecques, syriennes, perses et indiennes. Le style du Gandhara s'est épanoui et a atteint son apogée pendant la période Kushan, du 1er au 5e siècle. Au premier siècle de notre ère, le Gandhara a été le lieu de naissance de certaines des premières images bouddhistes. L 'utilisation de la céramique cuite au four à la place de la pierre, comme le schiste, a été populaire au cours de la dernière période du Gandhara, du IVe au VIe siècle. L'argile cuite était chère dans la région, car le bois nécessaire au processus de cuisson était rare. Par conséquent, une sculpture aussi coûteuse aurait été une offrande bouddhiste hautement méritoire. Seules quelques statues en terre cuite de cette période et de cette taille ont été enregistrées. En raison de la restriction de longueur sur Drouot, cette entrée est raccourcie. Pour une description complète, veuillez consulter le site www.zacke.at. 由于Drouot平台拍品叙述的长度限制,我们移除了中文叙述,完整中文叙述请至www.zacke.at查看。

Estim. 4 000 - 8 000 EUR

A TERRACOTTA HEAD OF MAITREYA, GANDHARA - TÊTE DE TERRACOTTA DE MAITREYA, GANDHARA Ancienne région du Gandhara, 4e-5e siècle. La tête modelée avec des cheveux finement bouclés et portant un diadème minutieusement orné centré par une fleur stylisée, le visage avec des traits élégants, tels que les sourcils arqués finement incisés, les yeux en amande, le nez aquilin, le sourire doux, et les longs lobes d'oreille avec des boucles circulaires. Rapport d'analyse scientifique : Une analyse d'échantillon par thermoluminescence a été effectuée par Oxford Authentication, référence no. N116n12, datée du 18 octobre 2016, et correspond à la période de fabrication suggérée. Une copie du rapport d'analyse par thermoluminescence accompagne ce lot. Provenance : Arthur Huc (1854-1932). Marcel Huc, hérité du précédent. De là, par descendance au sein de la même famille. Arthur Huc était le rédacteur en chef de La Dépêche du Midi, à l'époque le principal journal de Toulouse, France. Il était également un critique d'art accompli et un mécène précoce de plusieurs artistes, dont Henri de Toulouse-Lautrec. En même temps, Arthur Huc était un grand collectionneur d'art asiatique, une passion qu'il avait héritée de son ancêtre légendaire Évariste Régis Huc, également connu sous le nom d'Abbé Huc (1813-1860), un prêtre catholique français et un voyageur qui devint célèbre pour ses récits de la Chine de l'époque Qing, de la Mongolie et surtout du Tibet, alors presque inconnu, dans son livre "Souvenirs d'un voyage en Tartarie, au Tibet et en Chine". Liste d'inventaire : En 1954, L. Magniette, huissier de justice à Toulouse (Huissier), fut chargé de dresser un inventaire complet de la collection héritée par Marcel Huc de son père, Arthur Huc, dit "Inventaire Huc". Le présent lot est répertorié dans cet inventaire comme suit : "Série de vingt deux têtes en terre-cuite. GANDHARA" (série de vingt-deux têtes en terre cuite. GANDHARA). Une copie de la liste d'inventaire et de la page de garde accompagnent ce lot. Licence d'exportation française : Certificat d'exportation pour un bien culturel Nr. 185456 daté du 30 juin 2017 a été accordé et une copie accompagne ce lot. Condition : Excellent état, presque unique, tout à fait cohérent avec l'âge de la sculpture. Quelques défauts de cuisson et perte de matière sur les zones exposées. Usure ancienne, intempéries, fissures et entailles mineures. Poids : 5,9 kg (avec support) Dimensions : Hauteur 28,5 cm (sans support) et 40,2 cm (avec support) Avec un support moderne en métal. (2) Le royaume du Gandhara a duré de 530 avant J.-C. à 1021 après J.-C., date à laquelle son dernier roi a été assassiné par ses propres troupes. Il s'étendait sur une partie de l'Afghanistan et du Pakistan actuels. Le Gandhara est connu pour son style distinctif dans l'art bouddhique, qui s'est développé à partir d'une fusion d'influences artistiques grecques, syriennes, perses et indiennes. Le style du Gandhara s'est épanoui et a atteint son apogée pendant la période Kushan, du 1er au 5e siècle. Au premier siècle de notre ère, le Gandhara est le lieu de naissance de certaines des premières images bouddhistes. L'utilisation de la céramique cuite au four au lieu de la pierre comme le schiste est devenue populaire au cours de la dernière période gandharienne, du 4e au 6e siècle de notre ère. L'argile cuite était chère dans la région, car le bois nécessaire au processus de cuisson était rare. Par conséquent, une sculpture aussi coûteuse aurait été une offrande bouddhiste hautement méritoire. Selon la tradition bouddhiste , Maitreya est un bodhisattva qui apparaîtra sur Terre dans le futur, atteindra l'illumination complète et enseignera le pur dharma. Selon les écritures, Maitreya sera le successeur du Bouddha actuel. La prophétie de l'arrivée de Maitreya fait référence à une époque future où le dharma aura été oublié par la plupart des habitants du monde terrestre. Dans l'art gréco-bouddhique du Gandhara, aux premiers siècles de notre ère dans le nord de l'Inde, Maitreya était la figure la plus populaire à être représentée avec le Bouddha Gautama. Comparaison des résultats d'enchères : Type : Related Vente aux enchères : Christie's New York, 17 octobre 2001, lot 3 Prix : 18 800 USD ou environ 31 000 EUR convertis et ajustés à l'inflation au moment de la rédaction Description : Tête en terre cuite d'un Bodhisattva, Gandhara, 4e/5e siècle Remarque d'expert : Notez la taille (24 cm) Comparaison des résultats d'enchères : Type : Relié Vente aux enchères : Christie's New York, 20 septembre 2000, lot 7 Prix : 28 200 USD ou environ 47 500 EUR convertis et ajustés à l'inflation au moment de la rédaction Description : Tête en terre cuite d'un Bodhisattva, Gandhara, IVe siècle Remarque d'expert : Notez la taille (30,4 cm) 由于Drouot平台拍品叙述的长度限制,我们移除了中文叙述,完整中文叙述请至www.zacke.at查看。

Estim. 1 500 - 3 000 EUR

A Koma-Bulsa Seated Figure, "kronkronbua" - Figurine assise, "kronkronbua" Koma-Bulsa, Ghana Sans socle / without base Terracota. H 18,5 cm. Provenance : Andreas Vontobel (1931-2011), Waltalingen. kronkronbua = "enfants d'autrefois". Dans les années 1980, les premières figurines de ce style en argile cuite ont été découvertes dans la région du Haut-Ouest au Ghana, dans la zone aujourd'hui habitée par les Koma (par ex. à Yikpabongo, Tantuosi, Wumobri) et les Bulsa (Builsa). Les déterminations d'âge par thermoluminescence ont daté les objets du 13e au 18e siècle de notre ère. Karl Ferdinand Schädler a décrit la nouvelle découverte de cette culture en 1987 comme suit : "Certains d'entre eux ont l'air de venir des gorges de Bandiagara et d'être des produits Dogon. Mais ce n'est qu'un petit nombre. La plupart de ces terres cuites d'une culture dont on ne sait rien ont plutôt l'air de venir de Somarzo ou d'être sorties de l'imagination d'un Jérôme Bosch : Des têtes dont les cervelles se terminent en pointe ou sont creusées à l'inverse en forme de coupe, avec des yeux en forme de lunettes ou des oreilles fixées à l'arrière de la tête, comme deux anses. Des bouches qui, séparées d'un visage quelconque, s'unissent à d'autres bouches pour former un nouvel être "parlant de lui-même" ; à l'inverse, des visages qui se sont également unis à d'autres et qui, pourvus de bras et de jambes, semblent désormais provenir directement du monde souterrain. Il semble inutile de se demander de quel monde de pensées et d'idées sont issus ces figures, ces têtes et ces objets - qu'ils aient été façonnés en tant qu'offrandes funéraires, figures d'ancêtres ou de culte. Il est peut-être même rassurant de savoir que tous les nouveaux mystères découverts en Afrique ne peuvent pas être immédiatement élucidés, qu'une culture ne peut pas être disséquée comme un cadavre, du moins pendant un certain temps : Parce que ni les traditions orales ni les sous-produits archéologiques ne fournissent le moindre indice. Au lieu de cela, on devrait peut-être se contenter d'admirer, d'une part, l'ingéniosité de la conception et, d'autre part, la puissante expression expressive inhérente à ces sculptures. Si l'on se base sur ces deux critères et sur l'aspect extérieur des objets, il semble qu'il s'agisse de différents styles, voire de différentes cultures, qui se sont succédé ou qui - ce qui semble également possible - ont été créés de manière totalement indépendante dans la même région. L'un des styles présente un caractère maniériste : les traits du visage délibérément décalés, qui confèrent souvent aux personnages, pour la plupart des figures assises portant des colliers, des signes de dignité ou des couteaux de bras, une expression inquiétante, transcendantale, parfois même maligne - des princes d'un autre monde. Comme pour de nombreuses têtes apparemment singulières, qui se terminent généralement par un cou effilé, les têtes des personnages sont souvent creusées en forme de coupe. Les mains reposent généralement sur les genoux (parfois de manière tout à fait immotivée sur l'une des épaules) et les parties génitales - la plupart sont masculines - sont souvent surdimensionnées et clairement modelées. Les têtes, travaillées individuellement, sont en général beaucoup plus grandes que les personnages ; elles sont aussi souvent plus grossières dans leur exécution et leur style est beaucoup plus primitif et direct. Un autre style, qui s'exprime surtout dans les têtes d'êtres thériomorphes, présente souvent une bouche grande ouverte, apparemment criarde, et rappelle alors les gargouilles gothiques. Les gens de cette culture devaient accorder une attention particulière aux têtes de Janus et, en outre, aux êtres à plusieurs têtes. Les premières, conçues comme des sculptures individuelles, acquièrent parfois un caractère phallique grâce à leurs têtes coniques (elles sont également droites en bas, et non coniques comme les "têtes creuses" trouvées plantées autour des tombes). Ces derniers êtres à plusieurs têtes ont, comme les têtes individuelles janus, des têtes pointues également coniques ; le corps de ces derniers, dont on peut trouver jusqu'à quatre personnalités représentées dans une sculpture, est cependant formé de manière tout à fait rudimentaire comme un bloc rectangulaire, avec seulement des membres et des organes sexuels esquissés. Que va-t-on encore découvrir de cette région du nord du Ghana, aujourd'hui habitée par les Koma (également appelés Komba, Konkomba, Bekpokpak, etc.) ? Le village d'où proviennent les découvertes était-il également un lieu de transbordement de marchandises - noix de cola de la côte, or, sel, marchandises européennes, etc. - comme Salaga à la fin du siècle dernier, qui se trouvait sur le W

Estim. 300 - 600 CHF

AN EXTRAORDINARILY RARE AND SPECTACULAR TERRACOTTA RELIEF OF A THINKING PRINCE SIDDHARTA UNDER THE BODHI TREE, ANCIENT REGION OF GANDHARA - UNE RELIEF TERRACOTTA EXTRAORDINAIREMENT RARE ET SPECTACULAIRE D'UN PRINCE PENSEUR SIDDHARTA SOUS L'ARBRE BODHI, RÉGION ANCIENNE DE GANDHARA Rapport d'analyse scientifique : Une analyse de l'échantillon par thermoluminescence a été effectuée par Arcadia, Tecnologie Per I Beni Culturali, Milan, en date du 4 février 2019, référence no. 116L, 117L. Le résultat est cohérent avec la période de fabrication suggérée. Une copie du rapport d'analyse par thermoluminescence accompagne ce lot. Note de l'expert : Les fresques peintes sur les deux colonnes de la présente sculpture affichent une influence résolument chinoise. De nombreuses peintures murales de ce type ont été trouvées dans des tombes impériales en Chine datant de la période Qi du Nord (550-577), mais les peintures sur la présente sculpture sont parmi les plus anciennes fresques bouddhistes de l'histoire de l'humanité. Elles sont également étroitement liées aux peintures des plafonds et des murs des grottes d'Ajanta, qui ont été peintes entre 200 avant J.-C. et 600 après J.-C., et sont les plus anciennes fresques connues en Inde. Elles représentent les contes Jataka, des récits de la vie du Bouddha dans ses existences antérieures en tant que Bodhisattva. Les épisodes narratifs sont présentés les uns après les autres, mais pas dans un ordre linéaire. Leur identification est au cœur des recherches sur le sujet depuis la redécouverte du site en 1819. Période kouchane, IVe-VIe siècle. Superbement modelé, le prince Siddharta est debout en contrapposto, les pieds posés sur deux petits piédestaux de lotus, un éléphant caparaçonné prostré à ses pieds. Il a une main posée sur sa taille et l'autre levée, un doigt posé sur son front, dans une expression profondément pensive. Il porte des robes amples qui tombent en cascade dans des plis volumineux et sont richement ornées de bijoux fins et de foulards. Son visage serein aux yeux en amande aux paupières lourdes et aux lèvres minces forme un sourire calme. Ses cheveux disposés en mèches ondulées retenues par une coiffe florale élaborée. Le tout sous un dais représentant le légendaire arbre bodhi. Provenance : Une collection privée à Venise, Italie, acquise dans le commerce des antiquités italiennes entre 1985 et 1992. Leonardo Vigorelli, Bergame, acquis auprès des personnes susmentionnées. Leonardo Vigorelli est un marchand d'art italien à la retraite et un collectionneur réputé, spécialisé dans l'art africain et l'art ancien hindou-bouddhiste. Après des études d'anthropologie et des décennies de voyages et de recherches approfondies sur le terrain en Inde, dans la région de l'Himalaya, en Asie du Sud-Est et en Afrique, il a fondé la galerie d'art Dalton Somaré à Milan, en Italie, qui est aujourd'hui dirigée par ses deux fils. Condition : Superbe état, proportionnel à l'âge et présentant magnifiquement l'ensemble. Une certaine usure et des intempéries, des défauts de cuisson comme prévu, quelques entailles et fissures, des pertes dans les zones exposées, des restes d'ancien vernis. Les pigments anciens sont remarquablement bien conservés. Dans l'ensemble, tout à fait cohérent avec le grand âge de cette sculpture et sans signes visibles de réparations ou de retouches dignes d'être mentionnées. Trous percés lors du prélèvement d'échantillons. Dimensions : Taille 59 x 81 cm (sans le socle), Hauteur 63 cm (avec le socle) Montée sur un socle associé. (2) Le prince Siddharta est flanqué de deux apsaras volantes ainsi que de Maitreya à sa droite et de Padmapani à sa gauche, les bodhisattvas étant chacun debout sur des piédestaux de lotus et habillés de la même manière, Padmapani tenant une fleur de lotus dans sa main, tous deux soutenus par des auréoles et se tenant sous des auvents feuillus similaires, le tout encadré par deux colonnes massives, chacune avec une fresque superbement peinte, représentant un bodhisattva avec une auréole. Cette sculpture est un parfait exemple de la riche interaction culturelle et des styles artistiques hybrides de l'empire du Gandhara aux premiers siècles de notre ère. Elle représente le bodhisattva qui naîtra en tant que fondateur historique du bouddhisme, le prince Siddhartha, assis dans une demeure céleste appelée le paradis Tushita, où il enseigne aux dieux et médite sur sa future naissance. Comme les autres bodhisattvas du Gandhara, il ressemble à un prince terrestre, richement vêtu et orné de bijoux. Comparaison avec la littérature : Comparez une sculpture en terre cuite apparentée d'un prince Siddharta pensif, datée du 4e-6e siècle, dans la collection du Dallas Museum of Art, numéro d'objet 2010.17. Notez la pose similaire avec un doigt placé sur son front et un pied reposant sur un piédestal de lotus séparé. En raison de la restriction de longueur sur Drouot, cette entrée est abrégée. Pour une description complète, veuillez consulter le site www.zacke.at. 由于Drouot平台拍品叙述的长度限制,我们移除了中文叙述,完整中文叙述请至www.zacke.at查看。

Estim. 20 000 - 40 000 EUR

A PINK SANDSTONE BUST OF A GODDESS, GUPTA PERIOD - BUSTE DE DAME EN GRÈS ROSE, PÉRIODE GUPTA Inde du Nord, vers le 5e-6e siècle. Finement sculpté avec des seins proéminents et voluptueux, ornés de bijoux en perles, le visage serein avec des yeux en amande sous des sourcils légèrement arqués et des lèvres pleines formant un doux sourire, les cheveux bouclés attachés en un chignon haut, soutenu par une mandorle circulaire. Provenance : Stefaan Grusenmeyer, Bruxelles, Belgique, 1990. Une collection privée française, acquise auprès de l'auteur. Ancien numéro d'inventaire "285" sur le pied. Stefaan Grusenmeyer était un marchand d'art belge initialement basé à Gand. En 1983, il a ouvert une galerie à Bruxelles, que son fils Karim a reprise en 2000. La galerie est spécialisée dans la sculpture, l'archéologie, les bijoux et les arts décoratifs d'Asie du Sud-Est, de Chine et d'Inde. État : Bon état, proportionnel à l'âge. Usure importante, altération et érosion, pertes mineures, incrustations, une ancienne réparation mineure au menton, entailles, rayures, quelques fissures structurelles. Poids : 10,9 kg (avec support) Dimensions : Hauteur 35,3 cm (sans support) et 47,8 cm (avec support) Monté sur un support métallique moderne. (2) Comparaison avec la littérature : Comparez une tête de divinité féminine en terre cuite, datée du Ve siècle, dans la collection du Brooklyn Museum of Art, numéro d'accession 81.288. Comparaison avec le résultat d'une vente aux enchères : Type : Relié Vente aux enchères : Bonhams New York, 18 mars 2013, lot 39 Prix : 40 000 USD ou environ 49 500 EUR convertis et ajustés à l'inflation au moment de la rédaction Description : Une stèle en grès rouge de Durga, Inde centrale, Madhya Pradesh, période Gupta, vers le 5e siècle Remarque d'expert : Notez la taille (31 cm de haut)

Estim. 4 000 - 8 000 EUR

Vũ Cao Đàm (1908-2000) - Tête de jeune garçon, circa 1945-1950 Terre cuite, signée au revers 20 x 6 x 10 cm - 7 7/8 x 2 3/8 x 4 in. 30 cm avec le socle - 11 3/4 in. with the base Une attestation d’inclusion au catalogue raisonné de l’artiste actuellement en préparation par Charlotte Aguttes-Reynier pour l’association des Artistes d’Asie à Paris sera remise à l’acquéreur PROVENANCE Atelier de Vu Cao Dam vers Vanves Collection privée, Ile de France (acquis dans l’atelier circa 1950) Collection privée, région parisienne (transmis familialement en 1983) Le Petit Robert définit en 1984 la sculpture en ces termes : « Représentation, suggestion d’un objet dans l’espace, au moyen d’une matière à laquelle on impose une forme déterminée, dans un but esthétique ; ensemble des techniques qui permettent cette représentation ». Au Vietnam, jusqu’à la création de l’École des Beaux-Arts de l’Indochine (EBAI) en 1925, les sculptures étaient destinées à un usage funéraire ou religieux. Au sein de l’EBAI, des cours de sculptures sont dispensés et ainsi, la production d’objets devient décorative. Vũ Cao Đàm, diplômé major de la seconde promotion en 1931, s’inscrit dans ce renouveau en choisissant comme département la sculpture. Son talent est très vite reconnu et lui permet d’exposer des pièces en bronze lors de l’Exposition Universelle de 1931 à Vincennes.   Sa production de sculptures reste néanmoins rare. Bien qu’aujourd’hui Vũ Cao Đàm soit largement reconnu pour ses talents de peintre, cette tête de jeune homme en bronze rappelle les amours premiers de l’artiste pour la sculpture et immortalise son talent hors pair. À son arrivée en France, son travail de sculpteur rencontre un succès certain et les demandes se succèdent. L’État commande notamment à l’artiste celle d’un buste à de Paul Reynaud, alors Président du Conseil. Dès le début de la deuxième Guerre mondiale, la rareté du bronze l’inscite à se tourner résolument vers la peinture. Il reviendra toutefois à la fin de sa vie vers ses passions premières, modeler l’argile et réaliser ses œuvres en terre cuite.  Từ điển Le Petit Robert 1984 định nghĩa khái niệm điêu khắc như sau : « sự thể hiện, tái hiện một vật thể trong không gian, bằng một chất liệu được sử dụng để tạo hình khối cụ thể, với một mục đích thẩm mỹ; tập hợp những kỹ thuật được sử dụng để hoàn thành tác phẩm ». Ở Việt Nam, cho đến trước khi trường Cao đẳng Mỹ thuật Đông Dương (EBAI) được thành lập vào năm 1925, các tác phẩm điêu khắc thường chỉ được sử dụng để phục vụ cho tang lễ hoặc cho mục đích tôn giáo. Với sự ra đời của các lớp học điêu khắc tại EBAI, giá trị nghệ thuật của các tác phẩm điêu khắc dần được công nhận. Vũ Cao Đàm, tốt nghiệp thủ khoa khóa II năm 1931, đã tham gia vào phong trào cách tân nghệ thuật này khi chọn theo học khoa điêu khắc của trường. Tài năng của ông nhanh chóng được công nhận và cho phép ông trưng bày các tác phẩm điêu khắc bằng đồng tại Triển lãm Quốc tế năm 1931 tại Vincennes. Tuy nhiên, các tác phẩm của ông rất khan hiếm. Dù cho Vũ Cao Đàm rất nổi tiếng với tài năng hội họa, nhưng tác phẩm chân dung cậu bé bằng đồng này lại gợi nhớ đến tình yêu đầu tiên của họa sĩ đối với nghệ thuật điêu khắc và khiến tài năng vô song của ông trở nên bất diệt với thời gian. Khi đến Pháp, sự nghiệp điêu khắc của họa sĩ đã gặt hái nhiều thành công và các đơn đặt hàng không ngừng gia tăng. Nhà nước đặt hàng ông một tác phẩm tượng bán thân của Paul Reynaud, Chủ tịch Hội đồng Bộ trưởng đương thời. Tới đầu Thế chiến thứ hai, sự khan hiếm của chất liệu đồng khiến ông quay lại với hội họa. Cho tới cuối đời, ông quay trở lại niềm đam mê những ngày đầu tiên, tạo hình với chất liệu đất sét và điêu khắc các tác phẩm đất nung.

Estim. 30 000 - 50 000 EUR

Vũ Cao Đàm (1908-2000) - Tête d'homme. Rome, 1er siècle après J.-C. Marbre. Dimensions : 30 x 15 x 15 cm. Le protagoniste de cette sculpture, un jeune homme, regarde le spectateur dans une attitude calme. Ses yeux, grands ouverts, attentifs et dirigés vers un point précis, révèlent l'agitation du jeune homme et se distinguent par leur caractère naturaliste. Les détails de son exécution, notamment la chevelure individualisée et la fermeté expressive de son visage, témoignent de l'habileté d'un artiste parfaitement formé à l'instruction sculpturale. Les Romains ont apporté deux innovations importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Cependant, ils ont suivi les modèles grecs pour une grande partie de leur production sculpturale, une base qui, à Rome, était combinée avec la tradition étrusque. Après les premiers contacts avec la Grèce classique par l'intermédiaire des colonies de Grande-Grèce, les Romains conquièrent en 212 avant J.-C. Syracuse, une riche et importante colonie grecque de Sicile, qui était ornée d'un grand nombre d'œuvres hellénistiques. La ville fut mise à sac et ses trésors artistiques emmenés à Rome, où le nouveau style de ces œuvres remplaça bientôt la tradition étrusco-romaine qui avait prévalu jusqu'alors. Caton lui-même dénonce le pillage et la décoration de Rome avec des œuvres hellénistiques, qu'il considère comme une influence dangereuse sur la culture autochtone, et déplore que les Romains applaudissent les statues de Corinthe et d'Athènes, tout en ridiculisant la tradition décorative en terre cuite des anciens temples romains. Cependant, ces réactions d'opposition furent vaines ; l'art grec avait subjugué l'art étrusco-romain en général, au point que les statues grecques figuraient parmi les prix de guerre les plus convoités, étant exposées lors du cortège triomphal des généraux conquérants.

Estim. 30 000 - 32 000 EUR

Two white painted terracotta sculptures, depicting an allegory on music and sculpture, 18thC, H 85 - 87,5 cm - Portrait d'un enfant. Culture romaine. 1er - 3e siècle après J.-C. Marbre. Provenance : Collection privée, Paris, France. Bon état de conservation, pas de restaurations. Dimensions : 20 cm de haut ; 26 cm de haut avec la base. Tête romaine d'un enfant. Le portrait se caractérise par ses traits nobles. Les cheveux légèrement bouclés encadrent les traits doux. Le double arc des sourcils rejoint l'arête du nez, sous laquelle se dessine une bouche aux lèvres fermées mais détendues, donnant une expression sereine à l'ensemble. Les oreilles ont été reproduites avec la même vraisemblance, reproduisant leurs plis et leurs replis. Les Romains ont apporté deux innovations importantes dans le monde de la sculpture : le portrait et le relief historique, qui n'existaient pas dans le monde grec. Cependant, ils ont suivi les modèles grecs pour une grande partie de leur production sculpturale, une base qui, à Rome, était combinée avec la tradition étrusque. Après les premiers contacts avec la Grèce classique par l'intermédiaire des colonies de Grande-Grèce, les Romains conquièrent en 212 avant J.-C. Syracuse, une riche et importante colonie grecque de Sicile, qui était ornée d'un grand nombre d'œuvres hellénistiques. La ville fut mise à sac et ses trésors artistiques emmenés à Rome, où le nouveau style de ces œuvres remplaça bientôt la tradition étrusco-romaine qui avait prévalu jusqu'alors. Caton lui-même dénonce le pillage et la décoration de Rome avec des œuvres hellénistiques, qu'il considère comme une influence dangereuse sur la culture autochtone, et déplore que les Romains applaudissent les statues de Corinthe et d'Athènes, tout en ridiculisant la tradition décorative en terre cuite des anciens temples romains. Cependant, ces réactions d'opposition furent vaines ; l'art grec avait subjugué l'art étrusco-romain en général, au point que les statues grecques figuraient parmi les prix de guerre les plus convoités, étant exposées lors du cortège triomphal des généraux conquérants.

Estim. 16 000 - 18 000 EUR

Two white painted terracotta sculptures, depicting an allegory on music and sculpture, 18thC, H 85 - 87,5 cm - Cheval ; Chine, dynastie Han, 206 av. J.-C. - 220 ap. J.-C. Terre cuite polychrome. Certificat de thermoluminescence joint. Mesures : 25 x 29 x 11 cm. Sculpture ronde réalisée en terre cuite, dans laquelle l'auteur reproduit la figure d'un cheval. La pièce est très statique, avec une posture hiératique et une composition totalement symétrique. Il est probable que cette œuvre faisait partie d'un trousseau funéraire, car ce type de figure était surtout conçu à cette fin, et le cheval est un animal très prisé dans la culture asiatique. La dynastie des Han a régné sur la Chine entre 206 av. J.-C. et 220 apr. J.-C., soit plus de quatre siècles au cours desquels les structures politiques, sociales et économiques de la Chine se sont consolidées, entraînant le pays dans la période la plus glorieuse de son histoire. L'art de cette période est encore essentiellement funéraire, bien qu'il reflète le très haut niveau artistique qui sera atteint tant dans les capitales que dans les provinces. Ces objets conservés nous renseignent sur la vie quotidienne et les coutumes de l'époque, car l'art devient beaucoup plus banal que les bronzes des périodes Zhou et Shang. Les structures des tombes ont également changé : les tombes Shang étaient verticales, tandis que les tombes Han étaient construites en forme de palais souterrains. Elles étaient décorées de reliefs estampillés de scènes de la vie du défunt, et un nouveau matériau, la laque, a été introduit comme support artistique. La plus célèbre aujourd'hui est cependant la production de poterie Han, faite de terre cuite et décorée d'engobes appliqués à froid, principalement noirs et rouges.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

A Koma-Bulsa Terracotta Head - Tête en terre cuite Koma-Bulsa, Ghana Avec socle / with base Terracota. H 13 cm. Provenance : Collection privée suisse, Soleure. Acquis in situ (1990). kronkronbua = "enfants d'autrefois". Dans les années 1980, les premières figurines de ce style en argile cuite ont été découvertes dans la région du Haut-Ouest au Ghana, dans la zone aujourd'hui habitée par les Koma (par ex. à Yikpabongo, Tantuosi, Wumobri) et les Bulsa (Builsa). Les déterminations d'âge par thermoluminescence ont daté les objets du 13e au 18e siècle de notre ère. Karl Ferdinand Schädler a décrit la nouvelle découverte de cette culture en 1987 comme suit : "Certains d'entre eux ont l'air de venir des gorges de Bandiagara et d'être des produits Dogon. Mais ce n'est qu'un petit nombre. La plupart de ces terres cuites d'une culture dont on ne sait rien ont plutôt l'air de venir de Somarzo ou d'être sorties de l'imagination d'un Jérôme Bosch : Des têtes dont les cervelles se terminent en pointe ou sont creusées à l'inverse en forme de coupe, avec des yeux en forme de lunettes ou des oreilles fixées à l'arrière de la tête, comme deux anses. Des bouches qui, séparées d'un visage quelconque, s'unissent à d'autres bouches pour former un nouvel être "parlant pour lui-même" ; à l'inverse, des visages qui se sont également unis à d'autres et qui, pourvus de bras et de jambes, semblent désormais provenir directement du monde souterrain. Il semble inutile de se demander de quel monde de pensées et d'idées sont issus ces figures, ces têtes et ces objets - qu'ils aient été façonnés en tant qu'offrandes funéraires, figures d'ancêtres ou de culte. Il est peut-être même rassurant de savoir que tous les nouveaux mystères découverts en Afrique ne peuvent pas être immédiatement élucidés, qu'une culture ne peut pas être disséquée comme un cadavre, du moins pendant un certain temps : Parce que ni les traditions orales ni les sous-produits archéologiques ne fournissent le moindre indice. Au lieu de cela, on devrait peut-être se contenter d'admirer, d'une part, l'ingéniosité de la conception et, d'autre part, la puissante expression expressive inhérente à ces sculptures. Si l'on se base sur ces deux critères et sur l'aspect extérieur des objets, il semble qu'il s'agisse de différents styles, voire de différentes cultures, qui se sont succédé ou qui - ce qui semble également possible - ont été créés de manière totalement indépendante dans la même région. L'un des styles présente un caractère maniériste : les traits du visage délibérément décalés, qui confèrent souvent aux personnages, pour la plupart des figures assises portant des colliers, des signes de dignité ou des couteaux de bras, une expression inquiétante, transcendantale, parfois même maligne - des princes d'un autre monde. Comme pour de nombreuses têtes apparemment singulières, qui se terminent généralement par un cou effilé, les têtes des personnages sont souvent creusées en forme de coupe. Les mains reposent généralement sur les genoux (parfois de manière tout à fait immotivée sur l'une des épaules) et les parties génitales - la plupart sont masculines - sont souvent surdimensionnées et clairement modelées. Les têtes, travaillées individuellement, sont en général beaucoup plus grandes que les personnages ; elles sont aussi souvent plus grossières dans leur exécution et leur style est beaucoup plus primitif et direct. Un autre style, qui s'exprime surtout dans les têtes d'êtres thériomorphes, présente souvent une bouche grande ouverte, apparemment criarde, et rappelle alors les gargouilles gothiques. Les gens de cette culture devaient accorder une attention particulière aux têtes de Janus et, en outre, aux êtres à plusieurs têtes. Les premières, conçues comme des sculptures individuelles, acquièrent parfois un caractère phallique grâce à leurs têtes coniques (elles sont également droites en bas, et non coniques comme les "têtes creuses" trouvées plantées autour des tombes). Ces derniers êtres à plusieurs têtes ont, comme les têtes individuelles janus, des têtes pointues également coniques ; le corps de ces derniers, dont on peut trouver jusqu'à quatre personnalités représentées dans une sculpture, est cependant formé de manière tout à fait rudimentaire comme un bloc rectangulaire, avec seulement des membres et des organes sexuels esquissés. Que va-t-on encore découvrir de cette région du nord du Ghana, aujourd'hui habitée par les Koma (également appelés Komba, Konkomba, Bekpokpak, etc.) ? Le village d'où proviennent les découvertes était-il également un lieu de transbordement de marchandises - noix de cola de la côte, or, sel, marchandises européennes, etc. - comme Salaga, à la fin du siècle dernier, qui se trouvait sur le chemin de l'indépendance.

Estim. 200 - 400 CHF

Bras gauche d'une sculpture. Smyrne, IIIe siècle av. Terre cuite. Provenance : Smyrne, 1895-1905. Collection Paul Gaudin (Paris 1858-1921 Versailles), archéologue, ingénieur et grand mécène du musée du Louvre ; Acquis entre 1894 et 1905 et par filiation familiale. Vente publique, France, 2022. Mesures : 4,7 cm. 7,2 cm. monté sur un socle. Cette pièce fait partie d'une collection archéologique de 670 fragments, considérée comme la deuxième plus importante après celle du Louvre (1094 fragments) et devant celles du Musée archéologique d'Istanbul (135) et du British Museum (108). Selon Simone Besques (1972, p.155) "Il n'est guère de collections publiques ou privées qui ne contiennent des figurines de Smyrne, dont la plupart sont malheureusement fragmentaires. Néanmoins, elles témoignent du fait que, du IIIe siècle avant J.-C. au IIe siècle après J.-C., s'y trouvait le plus important atelier hellénistique et gréco-romain, tant par la qualité et l'originalité de sa production que par le fait que ces figurines sont restées intactes jusqu'à l'époque romaine". Smyrne était l'un des premiers centres de terre cuite d'Asie Mineure. La ville a été refondée par Lysimaque vers 288 avant J.-C., à une courte distance de son ancien emplacement. La poursuite des habitations jusqu'à une époque plus récente a rendu impossible toute fouille systématique. La plupart des figurines de Smyrne exposées dans les grands musées d'Europe et des États-Unis sont pour la plupart des fragments de tête. Les figurines de Smyrne sont facilement reconnaissables à la couleur de leur argile, qui varie du brun au rouge. L'argile est fine et homogène, et contient des traces d'or et d'argent. Certains échantillons conservent encore leurs couleurs. Ils sont soigneusement modelés. En termes de sujets, on retrouve de nombreux types populaires du grand art de la terre cuite de l'époque classique ou hellénistique, comme ceux d'Héraklès, des divinités et des athlètes. Un autre sujet de prédilection était les figures féminines habillées de type "tanagrien". On trouve également des figures dites "grotesques" présentant des déformations anatomiques exagérées. Elles représentaient probablement des personnes réelles souffrant de maladies déformantes. Le style des terres cuites de Smyrne présente de grandes similitudes avec celui de Myrina. Il est probable que les mêmes artistes de la terre cuite aient travaillé dans les deux villes. Il est plus probable qu'il y ait eu une relation pertinente à Pergame et à Cyme. D'autre part, certains types thématiques de l'atelier de Smyrne - les figures noires et les grotesques - font allusion à l'art de la terre cuite d'Alexandrie, ce qui assure une relation commerciale et artistique étroite avec cette ville. Les figurines de Smyrne étaient très prisées dans le monde antique. Elles étaient exportées vers Myrina, Priène, Pergame, Troie, Tarse, Délos, Athènes, Chypre et les villes de la mer Noire.

Estim. 150 - 250 EUR