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jeu. 13 juin

"KAWS", Brian Donnelly (New Jersey, 1974). "4FT Companion XXL", 2007. Pour Medicom Toy. Vinyle coulé peint. Dimensions : 128 x 60 x 30 cm. La sculpture la plus emblématique de l'artiste américain KAWS, "4FT Companion", acquiert dans cette pièce produite par Medicom Toy des proportions XXL. Le personnage à tête ronde et aux grandes oreilles semble à la fois s'inspirer de Mickey Mouse et le transgresser, ses yeux de dessin animé étant remplacés par une paire de X. La signification de l'œuvre de KAWS est délibérément ouverte à l'interprétation. On peut y voir une critique de la culture populaire et du consumérisme. Les X dans les yeux peuvent également symboliser la censure ou la cécité mentale. Mais l'œuvre peut aussi être perçue comme une célébration de l'enfance et de la nostalgie. Brian Donnelly, connu professionnellement sous le nom de Kaws (stylisé en KAWS), est un artiste et designer américain. Son travail comprend l'utilisation répétée d'une série de personnages et de motifs figuratifs, dont certains remontent au début de sa carrière dans les années 1990, d'abord peints en 2D, puis réalisés en 3D. Les sculptures de Kaws mesurent de quelques centimètres à dix mètres de haut et sont réalisées dans divers matériaux, dont la fibre de verre, l'aluminium, le bois, le bronze et un ponton gonflable en acier. Ses œuvres sont exposées dans des galeries et des musées, font partie des collections permanentes d'institutions publiques et sont avidement collectionnées par des particuliers, dont le producteur de musique Swizz Beatz et le rappeur Pharrell Williams. Plusieurs livres illustrant son travail ont été publiés. Il vit et travaille à Brooklyn, New York, créant des sculptures, des peintures acryliques sur toile et des sérigraphies, tout en collaborant commercialement, principalement sur des jouets en édition limitée, mais aussi sur des vêtements, des skateboards et d'autres produits.Le travail de Kaws peut être caractérisé par une emphase sur la couleur et la ligne, des graphiques distinctifs, tels que l'utilisation répétée du "x" dans les mains et les yeux, et une réappropriation des icônes de la culture pop comme Mickey Mouse, le Bibendum, les Schtroumpfs, Snoopy et l'Éponge. Snoopy et Bob l'éponge. Ses personnages sont généralement représentés dans une pose timide ou impuissante, souvent avec les mains sur les yeux.

Estim. 40 000 - 50 000 EUR

jeu. 13 juin

"KAWS", BRIAN DONNELLY (New Jersey, 1974) pour Medicom Toy. "What Party". Édition ouverte. Vinyle peint. Signature estampillée de l'artiste et de l'éditeur sur la semelle. Avec boîte d'origine. Dimensions : 28 x 13 x 9 cm. Les "compagnons" de cette série ont pu être vus dans l'exposition "KAWS : What party", qui s'est tenue au Brooklyn Museum de New York en 2021. Elle rassemblait plus de 100 œuvres du célèbre artiste KAWS (originaire de Brooklyn). Parmi le large éventail de créations de Kaws, se distinguent les "Companions", des figures inspirées du personnage de Mickey Mouse, une icône que l'artiste connaît bien puisqu'il a commencé sa carrière aux Studios Disney en travaillant comme animateur. Ses compagnons portent également des gants blancs et les chaussures de la souris, mais à la place des yeux, ils ont deux croix. Son iconographie basée sur la culture populaire ne s'est pas seulement concentrée sur la figure de Mickey, mais il y a des compagnons basés sur Star Wars, Bob l'éponge ou les personnages de Sesame Street. L'artiste et designer américain Kaws se distingue par son travail distinctif qui s'étend sur plusieurs décennies. Son répertoire de personnages et de motifs figuratifs, certains créés par lui-même et d'autres réinterprétés à partir d'icônes existantes, a laissé une marque unique dans le monde de l'art contemporain. Les sculptures de Kaws présentent une diversité impressionnante, allant de dimensions réduites à des tours de dix mètres de haut. Fabriquées à partir de matériaux tels que la fibre de verre, l'aluminium, le bois, le bronze et même un ingénieux ponton gonflable en acier, ses créations sont une fusion de l'innovation technique et de l'expression artistique. Les œuvres de Kaws ont trouvé leur place dans les galeries et les musées, ainsi que dans les collections permanentes des institutions publiques. Elles ont également attiré l'attention de collectionneurs passionnés, dont le producteur de musique Swizz Beatz et le célèbre rappeur Pharrell Williams. De nombreux livres ont été publiés pour illustrer et analyser son œuvre puissante. Installé à Brooklyn, New York, Kaws ne se contente pas de créer des sculptures, mais explore également d'autres formes d'art telles que la peinture acrylique sur toile et la sérigraphie. Son influence s'étend au domaine commercial, où il a principalement collaboré à la production de jouets en édition limitée, ainsi qu'à la conception de vêtements, de planches à roulettes et d'autres produits. Le style distinctif de Kaws se caractérise par une emphase vibrante sur la couleur et la ligne, ainsi que par des graphiques emblématiques, tels que l'inclusion répétée du "x" dans les mains et les yeux. Son travail se distingue également par la réappropriation intelligente d'icônes de la culture pop, telles que Mickey Mouse, Bibendum, les Schtroumpfs, Snoopy et Bob l'éponge.

Estim. 1 400 - 1 600 EUR

jeu. 13 juin

JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "La Caixa. 75 ans". Lithographie, exemplaire 41/100. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 89 x 61 cm ; 92 x 65 cm (cadre). Affiche réalisée par Joan Miró à l'occasion du 75e anniversaire de la Caja de Pensiones para la Vejez y de Ahorros de Cataluña y Baleares, plus connue sous le nom de Caja de Pensiones, d'abord, et de la Caixa, ensuite. Joan Miró est l'une des grandes figures internationales de l'art du XXe siècle. Il s'est formé à Barcelone, d'abord à l'Escuela de la Lonja, puis à l'Academia Galí, à l'esprit plus novateur. C'est dans cette école et au Cercle artistique de Sant Lluc, également à Barcelone, que le jeune Miró rencontre certains de ses grands amis, comme le critique Sebastià Gasch, le poète J.V. Foix, le peintre Josep Llorens Artigas et le promoteur artistique Joan Prats. Ainsi, depuis ses années de formation, il est directement lié aux cercles les plus avant-gardistes de Barcelone et, dès le début de l'année 1918, il organise sa première exposition dans les galeries Dalmau de Barcelone. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. Ce seront les années cruciales de sa carrière artistique, au cours desquelles Miró découvrira son langage personnel. À Paris, il se lie d'amitié avec André Masson, autour duquel se constitue le groupe dit de la rue Blomet, futur noyau du surréalisme. Ainsi, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, avec lesquels il partage de nombreuses approches théoriques, son style mûrit ; il tente de transposer la poésie surréaliste au visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. À partir de ce moment, son style entame une évolution qui le conduit à des œuvres plus éthérées, dans lesquelles les formes et les figures organiques sont réduites à des points, des lignes et des taches de couleur abstraits. En 1924, il signe le premier manifeste surréaliste, bien que l'évolution de son œuvre, trop complexe, ne permette pas de l'inscrire dans une orthodoxie particulière. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. À partir des années trente, Miró devient l'une des figures les plus marquantes de la scène artistique internationale et l'un des artistes clés du XXe siècle. C'est précisément à cette époque que l'artiste, anticonformiste par nature, entre dans une phase qu'il appelle le "meurtre de la peinture", au cours de laquelle il renonce volontairement à être peintre et expérimente d'autres techniques, telles que le collage, le dessin sur papier de différentes textures ou la construction d'"objets" avec des éléments trouvés, sa première approche de la sculpture. Ainsi, s'il reprend rapidement la peinture, Miró n'abandonne jamais son désir d'expérimenter toutes sortes de matériaux et de techniques, comme la céramique, le bronze, la pierre, les techniques graphiques et même, depuis 1970, la tapisserie. Il rentre en Espagne en 1941 et, la même année, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. De 1956 à sa mort en 1983, il vit à Palma de Majorque dans une sorte d'exil intérieur, tandis que sa renommée internationale grandit. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses récompenses, comme les grands prix de la Biennale de Venise en 1954 et de la Fondation Guggenheim en 1959, le prix Carnegie de peinture en 1966, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya (1978) et des Beaux-Arts (1980), et a été nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Aujourd'hui, son œuvre est exposée à la Fondation Joan Miró de Barcelone, inaugurée en 1975, ainsi que dans les principaux musées d'art contemporain du monde entier, tels que la Thyssen-Bornemisza, le MoMA de New York, le musée Reina Sofia de Madrid, la National Gallery de Washington ou le MNAM de Paris.

Estim. 3 400 - 3 800 EUR

jeu. 13 juin

JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). "Europe, retour des ténèbres", 2022. Acrylique sur toile collée sur carton. Certificat joint délivré par l'artiste. Signé, daté et situé au dos. Dimensions : 162 x 130 cm. Les natures mortes de Castillo sont des images imprégnées de fantaisie et d'un sens de la décoration qui provient de Matisse. Sa peinture est construite avec des formes qui se déploient dans l'espace avec des effets d'une grande originalité plastique. Branches, feuilles, oiseaux et fruits lévitent ou se perchent sur une table ou servent de support pour la maintenir en équilibre sur le fond du tableau. Jorge Castillo se passionne pour le dessin depuis son enfance et c'est à l'âge de dix ans qu'il réalise sa première copie de Rubens avec des crayons de couleur. Selon lui, la peinture de Rubens lui a permis de comprendre le cubisme de Braque et de Picasso. Il a vécu en Argentine, en Espagne, en France, en Italie, en Allemagne et aux États-Unis, et vit à Ibiza depuis 2008. Il a grandi à Buenos Aires, où il passait de longues heures sur le port, tout en se consacrant à la peinture et à l'écriture. C'est à cette époque qu'il commence à exposer ses peintures, notamment au Salón de Mayo. Il publie également des poèmes et des nouvelles dans des revues. Cependant, à l'âge de vingt-deux ans, il décide de quitter sa ville et de se rendre à Paris. Mais pour des raisons économiques, il s'installe en Espagne, plus précisément à Madrid, où il passe six ans entre 1957 et 1963, dont les trois premiers en tant que vagabond. Mais le contact avec Viola et Jorge Cela, impressionnés par ses dessins, change le cours de sa vie. Au cours de ces années, il se tourne progressivement vers la technique de la gravure, qui sera désormais l'un de ses principaux moyens d'expression. Il commence alors à émerger en tant qu'artiste, à vendre ses premières œuvres et à nouer des contacts importants, protégé par Luis González Robles qui, en 1960, l'emmène à la Biennale de São Paulo. Au cours de ces années, il expose également à Madrid et à Barcelone, ainsi qu'à San Francisco, Lisbonne, Pittsburgh et Tokyo. Et c'est en 1964, année de sa participation à la Biennale de Venise, que les portes de Paris s'ouvrent enfin à lui, grâce au contrat qu'il signe avec le marchand d'art André Schoeller. Il s'installe dans la capitale française pendant près de quatre ans, jusqu'en 1967, où il visite régulièrement le musée du Louvre et continue à organiser des expositions qui rencontrent un succès croissant. En 1967, Castillo quitte Paris et s'installe à Genève, Schoeller ayant vendu son contrat au Suisse Jan Krugier, alors l'un des plus importants galeristes d'Europe. Mais la ville ne lui plaît pas et il s'installe à Boissano, en Italie. Il s'y plonge dans l'art italien classique, en particulier celui du Trecento et du Quattrocento, et en 1969, il est invité par le gouvernement allemand à travailler à Berlin, où il vit jusqu'en 1975. En 1970, il expose à la Nationalgalerie de la capitale allemande, première grande exposition muséale consacrée à une période spécifique de sa carrière, puis dans de nombreuses galeries berlinoises. Lorsqu'il quitte Berlin, Castillo s'installe à Barcelone, où il est devenu un peintre reconnu en Europe et en Amérique. Il expose régulièrement à la galerie Joan Prats et rencontre Salvador Dalí. C'est à cette époque qu'il commence à se rendre à New York, où il s'installe en 1981 et y reste jusqu'en 1992. Il est alors engagé par la prestigieuse galerie Marlborough, où il connaît des succès successifs. Tout au long de sa carrière, Castillo a remporté des prix tels que les prix internationaux de dessin (1964) et de peinture (1975) à Darmstadt, la ville de Pontevedra (1994), etc.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

jeu. 13 juin

"KAWS", BRIAN DONNELLY (New Jersey, 1974) pour Medicom Toy & Original Fake. "Companion Dissected", 2006. Vinyle peint. Tampons de l'artiste et de l'éditeur sur les semelles. Avec boîte d'origine. Dimensions : 35 x 15 cm. Dans la vaste gamme des créations de Kaws, les "Compagnons" se distinguent, des figures inspirées du personnage de Mickey Mouse, une icône que l'artiste connaît bien puisqu'il a commencé sa carrière dans les studios Disney en tant qu'animateur. Ses compagnons portent également des gants blancs et les chaussures de la souris, mais à la place des yeux, ils portent deux croix. Son iconographie basée sur la culture populaire ne s'est pas seulement concentrée sur la figure de Mickey, mais il y a aussi des compagnons basés sur Star Wars, Bob l'éponge ou les personnages de Sesame Street. Le titre "Disected" fait référence au fait que la moitié du corps du personnage a été disséqué, ce qui permet de voir ses organes vitaux, comme s'il s'agissait d'un modèle anatomique pour l'étude de la médecine. L'artiste et designer américain Kaws est connu pour son travail distinctif qui s'étend sur plusieurs décennies. Son répertoire de personnages et de motifs figuratifs, certains créés par lui-même et d'autres réinterprétés à partir d'icônes existantes, a laissé une marque unique dans le monde de l'art contemporain. Les sculptures de Kaws présentent une diversité impressionnante, allant de dimensions réduites à des tours de dix mètres de haut. Fabriquées à partir de matériaux tels que la fibre de verre, l'aluminium, le bois, le bronze et même un ingénieux ponton gonflable en acier, ses créations sont une fusion de l'innovation technique et de l'expression artistique. Les œuvres de Kaws ont trouvé leur place dans les galeries et les musées, ainsi que dans les collections permanentes des institutions publiques. Elles ont également attiré l'attention de collectionneurs passionnés, dont le producteur de musique Swizz Beatz et le célèbre rappeur Pharrell Williams. De nombreux livres ont été publiés pour illustrer et analyser son œuvre puissante. Installé à Brooklyn, New York, Kaws ne se contente pas de créer des sculptures, mais explore également d'autres formes d'art telles que la peinture acrylique sur toile et la sérigraphie. Son influence s'étend au domaine commercial, où il a principalement collaboré à la production de jouets en édition limitée, ainsi qu'à la conception de vêtements, de planches à roulettes et d'autres produits. Le style distinctif de Kaws se caractérise par une emphase vibrante sur la couleur et la ligne, ainsi que par des graphiques emblématiques, tels que l'inclusion répétée du "x" dans les mains et les yeux. Son travail se distingue également par la réappropriation intelligente d'icônes de la culture pop, telles que Mickey Mouse, Bibendum, les Schtroumpfs, Snoopy et Bob l'éponge.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

jeu. 13 juin

JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). "Le petit chaperon rouge". 1986. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 122 x 153 cm ; 128 x 159 cm (cadre). Dans cette peinture à l'huile, Jorge Castillo déploie largement ses compétences plastiques pour superposer en une seule image plusieurs palimpsestes interprétatifs ou clés de lecture. Dans cette inversion de la fable, la jeune fille s'est autonomisée et a apprivoisé le loup féroce. Transformé en chien fidèle, le Petit Chaperon rouge le tient en laisse tandis qu'elle se fait pousser des oreilles de loup. La scène est intégrée dans une composition énigmatique dans laquelle coexistent différents niveaux de réalité. Depuis son enfance, Jorge Castillo est passionné par le dessin et, à l'âge de dix ans seulement, il a réalisé sa première copie de Rubens avec des crayons de couleur. Selon lui, la peinture de Rubens lui a permis de comprendre le cubisme de Braque et de Picasso. Il a vécu en Argentine, en Espagne, en France, en Italie, en Allemagne, aux États-Unis et, depuis 2008, à Ibiza. Il a grandi à Buenos Aires, où il passait de longues heures sur le port, tout en se consacrant à la peinture et à l'écriture. C'est au cours de ces années qu'il a commencé à exposer ses peintures, notamment au Salón de Mayo. Il publie également des poèmes et des nouvelles dans des revues. Cependant, à l'âge de vingt-deux ans, il décide de quitter sa ville et de se rendre à Paris. Mais pour des raisons économiques, il s'installe en Espagne, plus précisément à Madrid, où il passe six ans, entre 1957 et 1963, dont les trois premiers en tant que vagabond. Mais le contact avec Viola et Jorge Cela, impressionnés par ses dessins, va changer le cours de sa vie. Au cours de ces années, il opte progressivement pour la technique de la gravure, qui sera désormais l'un de ses principaux moyens d'expression. Il commence alors à émerger en tant qu'artiste, à vendre ses premières œuvres et à nouer des contacts importants, protégé par Luis González Robles qui, en 1960, l'emmène à la Biennale de São Paulo. Au cours de ces années, il expose également à Madrid et à Barcelone, ainsi qu'à San Francisco, Lisbonne, Pittsburgh et Tokyo. C'est en 1964, année de sa participation à la Biennale de Venise, que les portes de Paris s'ouvrent enfin à lui, grâce au contrat qu'il signe avec le marchand d'art André Schoeller. Il s'installe dans la capitale française pendant près de quatre ans, jusqu'en 1967, et y fréquente assidûment le musée du Louvre, tout en continuant à organiser des expositions qui rencontrent un succès croissant. En 1967, Castillo quitte Paris et s'installe à Genève, Schoeller ayant vendu son contrat au Suisse Jan Krugier, alors l'un des plus importants galeristes d'Europe. Mais la ville ne lui plaît pas et il s'installe à Boissano, en Italie. Dans ce pays, il s'imprègne de l'art italien classique, en particulier du Trecento et du Quattrocento, et en 1969, il est invité par le gouvernement allemand à travailler à Berlin, où il vit jusqu'en 1975. En 1970, il expose à la Nationalgalerie de la capitale allemande, première grande exposition muséale consacrée à une période spécifique de sa carrière, puis dans de nombreuses galeries berlinoises. Lorsqu'il quitte Berlin, Castillo s'installe à Barcelone, où il est alors un peintre reconnu en Europe et en Amérique. Il y expose régulièrement à la galerie Joan Prats et rencontre Salvador Dalí. Au cours de ces années, il commence à visiter New York et s'y installe finalement en 1981, restant dans la ville jusqu'en 1992. Il est alors engagé par la prestigieuse Marlborough Gallery, et ses succès se poursuivent. Tout au long de sa carrière, Castillo a reçu des prix tels que les prix internationaux de dessin (1964) et de peinture (1975) à Darmstadt, la ville de Pontevedra (1994), etc.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

jeu. 13 juin

"KAWS", Brian Donnelly (New Jersey, 1974) pour le MOMA et Medicom Toy. "BFF". Vinyle peint. Édition ouverte. Signature de l'artiste et de l'éditeur apposée sur la base des pieds. Dans sa boîte d'origine. Dimensions : 35 x 15 x 9 cm. Dans la vaste gamme des créations de Kaws, les "Compagnons" se distinguent, dont "BFF" fait partie de la généalogie. Il s'agit de figures inspirées du personnage de Mickey Mouse, une icône que l'artiste connaît bien puisqu'il a commencé sa carrière dans les studios Disney en tant qu'animateur. Ses compagnons portent également des gants blancs et les chaussures de la souris, mais à la place des yeux, ils ont deux croix. Son iconographie basée sur la culture populaire ne s'est pas seulement concentrée sur la figure de Mickey, mais il y a des compagnons basés sur Star Wars, Bob l'éponge ou les personnages de Sesame Street. Brian Donnelly, connu professionnellement sous le nom de Kaws (stylisé en KAWS), est un artiste et designer américain. Son travail comprend l'utilisation répétée d'une série de personnages et de motifs figuratifs, dont certains remontent au début de sa carrière dans les années 1990, d'abord peints en 2D puis réalisés en 3D. Les sculptures de Kaws mesurent de quelques centimètres à dix mètres de haut et sont réalisées dans divers matériaux, dont la fibre de verre, l'aluminium, le bois, le bronze et un ponton gonflable en acier. Ses œuvres sont exposées dans des galeries et des musées, font partie des collections permanentes d'institutions publiques et sont avidement collectionnées par des particuliers, dont le producteur de musique Swizz Beatz et le rappeur Pharrell Williams. Plusieurs livres illustrant son travail ont été publiés. Il vit et travaille à Brooklyn, New York, créant des sculptures, des peintures acryliques sur toile et des sérigraphies, tout en collaborant commercialement, principalement sur des jouets en édition limitée, mais aussi sur des vêtements, des skateboards et d'autres produits.Le travail de Kaws peut être caractérisé par une emphase sur la couleur et la ligne, des graphiques distinctifs, tels que l'utilisation répétée du "x" dans les mains et les yeux, et une réappropriation des icônes de la culture pop comme Mickey Mouse, le Bibendum, les Schtroumpfs, Snoopy et l'Éponge. Snoopy et Bob l'éponge. Ses personnages sont généralement représentés dans une pose timide ou impuissante, souvent avec les mains sur les yeux.

Estim. 700 - 900 EUR

jeu. 13 juin

STUDIO HERGÉ) - Tintin - Le lotus bleu Encre de Chine et gouache sur papier pour ces deux dessins réalisés par l'éditeur de cartes stéréoscopiques RoMo vers 1960. L'ensemble fait partie des premières images de Tintin en 3D. (deux dessins juxtaposés (oeil droit, oeil gauche) 18,9x18,9 cm chacun. HERGÉ (Studio) Les premières Aventures de Tintin en 3D Les premières images de Tintin en 3D virent le jour en 1957. Publier des cartes pour visionneuses stéréoscopiques avec le héros de Hergé (vues filmées et visibles en trois dimensions grâce à la juxtaposition de deux images légèrement différentes) était une idée de l'inventeur français Robert Mouzillat (1913 - 2010). Ce pionnier de la photographie en relief était le fondateur de la «stéréochromie». Il fabriqua une caméra avec deux objectifs fonctionnant comme l'oeil gauche et l'oeil droit de l'humain et avec laquelle on obtenait des négatifs qui étaient en fait des positifs en couleur de très haute qualité. Mouzillat était aussi un homme d'affaire avisé qui créa la société RoMo (nommée d'après de ces initiales) pour commercialiser les étonnantes images que son invention produisait. Et c'est ainsi que son agent à Bruxelles, préparant la participation de la firme à l'Expo de 1958, prit contact avec l'éditeur Casterman, qui à l'époque gérait les produits dérivés des Aventures de Tintin. Les deux maisons d'édition arrivèrent rapidement à un accord, car Hergé s'était montré intéressé par l'idée que son oeuvre en 2D pourrait un jour être découverte par ses jeunes lecteurs en trois dimensions. Néanmoins, la réalisation de ces premières cartes de BD en stéréochromie n'allait pas se révéler aisée. Les cases de Hergé ne pouvaient être utilisées telles quelles, car pour chaque image en stéréochromie il fallait en fait deux dessins couleur. D'un côté, ni Hergé, ni ses collaborateurs maîtrisaient la technique spécifique de ces doubles dessins, fort ressemblants certes, mais juste assez différentes que pour obtenir une profondeur visuelle. De l'autre côté, les dessinateurs du studio parisien de RoMo ne pouvaient en aucun cas produire des dessins de Tintin à eux seuls. Hergé, ses Studios et l'équipe de Robert Mouzillat mirent donc en place une collaboration intense entre les créatifs de Bruxelles et ceux de Paris. Tout d'abord, les Studios Hergé choisirent les petites scènes constituées de 12 cases parues en album, qui devaient être redessinées afin de constituer une carte 3D pour les visionneuses RoMo. Ensuite, les dessinateurs français se mirent à l'oeuvre, non sans soumettre chaque fois leurs créations à l'équipe de Bruxelles. Finalement, les doubles images approuvées par Hergé furent photographiées en stéréochromie. De 1957 à 1961 RoMo réalisa et commercialisa ainsi une série de sept cartes : «Tintin, Milou et le crocodile» (Congo), «Tintin, Milou et le serpent» (Congo), «Tintin au poteau de torture» (Amérique), «Tintin et la locomotive» (Amérique), «Tintin et les policiers» (Cigares), «Tintin et les Bédouins» (Cigares) et “Tintin et le fakir» (Lotus Bleu). Le succès ne fut hélas pas foudroyant et la collaboration commerciale entre Casterman et RoMo fut interrompue en 1962. L'opération s'arrêta net. De nouvelles séries ne furent jamais éditées, même si les Studios Hergé avaient déjà proposé d'autres titres et que les dessinateurs de RoMo avaient terminé de nombreux nouveaux dessins à cet effet (surtout pour des cartes Lotus bleu et Ile noire). Ce catalogue présente en primeur un double dessin RoMo original et inédit pour une carte stéréo jamais commercialisée, montrant une scène du Lotus Bleu, «Tintin arrêté à Shanghai». Deux petits tableaux comme des témoins «oculaires» - eh oui, oeil gauche, oeil droit ! - de la toute première rencontre entre l'Univers de Hergé et la troisième dimension de l'image. - M.Wilmet

Estim. 2 500 - 3 000 EUR
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